Cine&Videojuegos

Celda 211

2009-12-07T19:11:00.004+01:00

Para hablar de Celda 211, la última de Daniel Monzón, hay que decir que es la mejor película española en mucho tiempo. Es una cinta que ha levantado grandísimas expectativas, tanto buenas como malas. Entre ellas la de ser posiblemente una sucesión de tópico tras tópico. En mi opinión afirmativamente: es una película tan tópica como brillante.

El argumento de Celda 211 es muy sencillo y lleno de mala leche: un joven funcionario visita la prisión el día antes de empezar a trabajar para aprender como funciona todo. Justo quiere Dios que ese día haya un motín de tres pares de narices, siendo el pobre hombre el único que queda atrapado en manos de los presos. Para impedir que le saquen los higadillos no le queda más remedio que fingir ser un homicida en primer grado.

A partir de ahí, mucho de buen y viejo cine de acción: tipos muy muy duros, mafiosos siniestros, funcionarios corruptos, disturbios, negociaciones y, por supuesto, una buena dosis de los GEO en acción. Pero lo que se lleva la palma en este filme es el atracón de interpretaciones magistrales: no caben más en dos horas de película. Papelazo de Luis Tosar: Goya evidente, aunque siempre se diga. Juega con recursos muy difíciles pero consigue lo principal, que nos olvidemos de que le estamos viendo a él. Realmente estamos viendo a un personaje de carne y hueso, un auténtico delincuente habitual, sacado de una verdadera cárcel.
Pero su actuación no hace sombra a la de Antonio Resines - grandioso como siempre -, Vicente Romero - quien ya fue brillante en Padre Coraje -, Joxean Bengoetxea o Manuel Morón. Manolo Solo vuelve a demostrar que tan pronto realiza la comedia más desternillante como el drama más intenso. Carlos Bardem, en el papel de un mafioso colombiano, llega a hacernos creer que nació en Bogotá y confirma mi teoría personal de que supera con creces a su hermano Javier.
Si hay un actor que que logra destacarse por méritos propios sobre todos los demás es el gallego Luis Zahera; hace un papel completamente real, con el que nos sentimos identificados, como si viéramos en la pantalla realmente a alguno de los muchos parias que nos hemos cruzado en las calles de las ciudades. Si no le dan el Mejor Actor Revelación nos habrán tangado con los Goya.

Si algo puede criticarse de esta película es la actuación de su protagonista Alberto Ammann. Sin ser mal actor está claro que le falta experiencia para verse las caras con jefazos como Luis Tosar o Antonio Resines. También hay quien critica de Celda 211 la exhibición de estereotipos. La aparición del típico narco colombiano, calavera español, heroinómano gallego, etarras intelectuales y leídos... A mí eso me parece una virtud: la convierte en una historia real. Cuando escuchamos las conversaciones entre el brutal Malamadre y su compañero Tachuela - trabajazo de Romero - estamos viendo a los macarras de la vida real retratados con toda fidelidad y detalle. Y sobra decir que, para el cine español, es un acto de valentía y madurez convertir el terrorismo vasco en una parte del argumento. Simple y llanamente una obra maestra.

Políticamente correcto: un futuro diferente [demo]

2009-11-05T19:21:00.017+01:00

Hace unos meses cerraba por tiempo indefinido Videojuegos y Sociedad, uno de los referentes actuales sobre el impacto del videojuego en nuestra cultura; pero su autor, Daniel Jiménez, se despidió con la presentación de una demo sobre su próximo proyecto: Políticamente correcto: un mundo diferente.

Políticamente correcto es un RPG estéticamente basado en los grandes títulos de 16 bits. Consta de un sencillo argumento que nos pondrá en la piel de Manuel, un profesor universitario al que el propio autor describe como "feminista, marxista, ecologista, anti-racista, pro-gay, vegetariano, pacifista, amante de los documentales de La 2 y campeón de lo políticamente correcto en general", obsesionado con eliminar la violencia de todas las formas de entretenimiento. Sus problemas empezarán cuando se vea transportado, de forma inesperada, a un mundo futurista en el que la civilización humana, basada por completo en la ética políticamente correcta, es incapaz de afrontar la amenaza de una invasión extraterrestre.

Con tan sobrio planteamiento, Jiménez nos ofrece un juego que, sin grandes alardes gráficos ni técnicos, sorprende de entrada por el complejo contenido social sobre el que se sostiene la trama. Esto se hace visible a partir de Manuel, el protagonista, todo un estereotipo de la progresía más edulcorada que, a modo de esperpento, sirve para explorar y criticar sin tapujos los tópicos más arraigados de las actuales convenciones culturales.

A través de Manuel, el autor analiza problemas candentes y enfoca el modo en que nuestra sociedad está intentando solucionarlos; en este caso, desde la corrección más absoluta e inofensiva. Se enlaza así con un conflicto directamente relacionado con el medio: el de la concepción de los videojuegos como amenaza para la juventud y, más concretamente, como chivo expiatorio de la responsabilidad de los poderosos.

No es habitual encontrar, en el actual mercado, un videojuego con un trasfondo como el que aventura Políticamente correcto en su demo. A lo largo y ancho del escenario, podremos entablar conversación con numerosos personajes que nos expondrán su postura sobre problemáticas de nuestro tiempo: racismo, dogmatismo político, homosexualidad, educación o inserción laboral. Incluso disfrutaremos de una divertida y delirante escena en la que se criticará, de forma descarada, el farragoso entramado burocrático al que cualquier ciudadano medio se ve sometido a la hora de hacer cualquier gestión por insignificante que sea.

Hoy en día, el arte debe dar explicaciones, invariablemente, sobre sus intenciones y motivaciones. Hemos asistido a un proceso por el cual se hace responsables a los autores de las ideas y comportamientos de sus personajes, obligándolos así a pulir, cada vez más, las creaciones hasta un punto en el que se convertirán en algo completamente inocuo e inofensivo, sin ningún impacto en la sociedad.
Daniel Jiménez presenta un título en el que, a diferencia de la tónica dominante, diálogos y situaciones no están medidos al milímetro para evitar cualquier tipo de molestia que pudieran ocasionar. Se ofrecen sin tapujos todo tipo de planteamientos: jóvenes que defienden la ideología marxista por pura estética; inmigrantes enfrentados entre sí por cuestiones económicas y de delincuencia; estudiantes desengañados con el sistema educativo por su pésima organización y aún peor oferta de acceso al mercado laboral... y, sobre todo, personas enfrentadas a los videojuegos como al gran enemigo del bienestar, el desarrollo y el progreso.

El hecho de que Manuel, nuestro personaje, sea profesor universitario no es casual. Es vital en el argumento la presencia de todo tipo de controversias sociales y el modo en que se está utilizando al videojuego como gran Satán responsable de ellas. El acento se pone en el hecho de que el sector que debiera dedicar esfuerzos y trabajo a la solución de estos conflictos se dedique, de hecho, a atacar al entretenimiento electrónico. Según el propio Jiménez, Políticamente correcto "se trata de una crítica hacia los excesos de la corrección política en general y a su vertiente idealista universitaria en particular, ya que constituye la vanguardia del movimiento" que, en estos momentos, está empleado en demonizar el medio.La obra expone una gran cantidad de problemáticas y las presenta desde el punto de vista de la corrección política. Según el autor, la crítica "se basa principalmente en la creación de narrativas artificiales donde se sitúa a determinados actores (los buenos y los malos) y con las que se pretende explicar todo. (...) Lo que ocurre con estas narrativas es que muchas veces sólo sirven para que los académicos se congratulen de lo anti-racistas o anti-capitalistas que son, pero no se muestran realmente muy eficaces para explicar por qué ciertos problemas ocurren y cómo solucionarlos. De hecho, en ocasiones estas narrativas pueden hacer mucho daño a los grupos que intentan proteger".

Esto queda patente en Políticamente correcto, donde los conflictos reales y el modo en que afectan a la gente quedan en comparación con la versión simplista, idealista y maniquea procedente, en este caso, del mundo intelectual. Esto enlaza directamente con la aparición del futuro distópico que servirá de nudo al argumento del juego, donde Jiménez plantea la idea de que el camino seguido por los agentes sociales ha sido el equivocado, avocando a la humanidad a un destino desastroso.

La versión del juego actualmente disponible es una demo de unos veinte minutos de duración; si bien queda un tiempo para que podamos disfrutar del título completo, ya puede apreciarse una gran carga política y social. Algo poco corriente en un medio, por desgracia, anclado en el entretenimiento fácil y rápido, centrado más en los grandes avances técnicos y visuales que en dotar a sus contenidos del factor ideológico, cultural o crítico, parte fundamental de cualquier arte.
Daniel Jiménez es consciente de ello y no se ha visto amedrentado por la posibilidad de crear polémica, algo fácil en un mundo en el que cualquier elemento incorrecto políticamente puede ser tachado con rapidez de intolerante, fascista o peligroso. Políticamente correcto es también una demostración, una reivindicación de los videojuegos como medio para transmitir ideas. En un contexto en el que el entretenimiento electrónico puede ser considerado un arte con todas sus implicaciones como el cine o la literatura, el autor asegura que "es sin duda un medio que debe de estar protegido por la libertad de expresión y de ideas".

En el aspecto técnico, Políticamente correcto está totalmente encuadrado entre los títulos de la cuarta generación. Un apartado visual propio de los 16 bits sirve como escenario a personajes simpáticos y entornos gráficamente austeros, con una música ambiental agradable. El juego ha sido realizado con el programa RPG Maker VX, siendo también decisiva la utilización de software libre, con el empleo de GIMP como herramienta de ilustración. Todo ello con un presupuesto de unos 60 euros.
El juego sirve así como ejemplo de lo que puede conseguirse con una buena idea, incluso en ausencia de una fuerte financiación; nos hace pensar también en lo que el medio podría suponer si las grandes corporaciones variasen un poco la orientación de sus intereses. Según Jiménez, el videojuego "no tiene por qué ser una forma de expresión elitista o de unos pocos".

En definitiva, Políticamente correcto es un título que, sin contar con el gran despliegue técnico propio de una gran superproducción, ofrece un muy rico y complejo contenido a nivel social y cultural. Es una reivindicación, una llamada de atención a un medio atacado por no pocos sectores sociales y que, sin embargo, hace oídos sordos a sus propias posibilidades artísticas, anclado en los tópicos de jugabiliad que han servido bien económicamente durante los últimos años.
La obra de Daniel Jiménez demuestra, en cambio, que el videojuego puede servir para mucho más que lo pretendido por los entornos que fomentan su discriminación. Que no es necesario una fastuosa exhibición gráfica para ofrecer un argumento interesante, y que el medio, normalmente infravalorado, está sujeto al mismo funcionamiento que otras formas de expresión. Entre sus influencias se cuentan, de hecho, títulos del sector como Super Columbine Massacre RPG (2005) o la película Idiocracy (2006).

Una demo que nos ofrecerá la posibilidad de pensar y hacernos preguntas sobre un mundo sujeto a todo tipo de adversidades y conflictos, explotado por unos poderes abusivos mientras una sociedad adormecida se centra en amenazas como la representada por una forma de arte determinada. Un título muy recomendable, cuya principal pega es la de abrirnos el apetito antes de que Daniel Jiménez ponga en circulación, de forma definitiva, su versión completa.

Políticamente Correcto: un futuro diferente en su versión demo está disponible de forma gratuita aquí.

[REC]²

2009-10-10T21:46:00.005+02:00

Está claro que [REC] (2007) fue una de las mayores revelaciones en el cine de terror reciente a todos los niveles, yo diría que incluso mundial, así como la mejor película española de los últimos años en mi opinión personal. Ante un listón tan alto como el puesto por la multipremiada primera parte no es raro que los Jaume Balagueró y Paco Plaza hayan fallado en su intento de repetir el éxito con [REC]². Refiriéndome, evidentemente, a éxito cinematográfico, pues en cuanto a triunfo comercial esta secuela lo ha logrado con creces.

Y es que la impresión general que uno saca de [REC]² es, precisamente que se trata de una excusa para ganar mucho dinero. Después de hacer un producto humilde con escaso presupuesto y obtener, de forma inesperada, un auténtico taquillazo, está claro que Filmax quería sacar un poco más de jugo a la naranja. Así, uno tiene la sensación de que la obra ha sido realizada con prisas, sacándolo todo de la manga, y aún más si tenemos en cuenta que [REC] dejaba pocos cabos sueltos y tenía un argumento extremadamente sencillo - lo que representaba uno de sus puntos más fuertes -.

Explicar porqué [REC]² es peor - bastante peor - que [REC] es difícil, al menos si quiere hacerse sin destripar media pelicula. Uno de sus puntos más favorables es que la acción empieza en los primeros minutos, lo cual hace difícil comentar ciertos detalles sin destrozar el suspense desde la escena inicial. Lo cierto es que el guión de [REC]² es incoherente en cuanto a su predecesora; se ha querido dar una vuelta de tuerca al concepto zombie, buscando la originalidad. Y, si bien la idea propuesta por los directores es buena, no encaja en el universo definido por la primera película. Está, además, tan poco explotada, que se queda cogida con alfileres. A grandes rasgos parece una revisión metida con calzador, a empujones, casi a cachondeo.

[REC]² tiene mucho menos terror que [REC] y mucha más acción. Ese rato larguísimo pegado a la butaca, tenso y nervioso que pasé viendo el primer episodio no se repitió ni por asomo con su secuela. En parte, al producto inicial le favoreció el factor sorpresa; yo, al menos, acudí sin grandes expectativas: enésima película de zombies y dirigida por el autor de bodrios como Darkness. Pero en lugar de lo esperado me encontré con una auténtica maravilla, que consigue meterte hasta el último minuto en el famoso edificio y preguntarte constantemente si tienes algo acechándote a la espalda.
Esto no podía conseguirlo, de ninguna manera, la segunda parte. Todo el mundo ha visto ya la primera y acude al cine sabiendo qué es lo que hay, en qué consiste el argumento y el angustioso planteamiento de cámara en mano. Los realizadores han jugado con ello y han incluido infinidad de guiños a la original, contando incluso con escenas prácticamente calcadas. Sin embargo, han tomado algunas decisiones peligrosas. Han querido crear un guión más complejo, matizando la historia donde [REC] lo dejaba todo en el misterio. Uno de los más desasosegantes aciertos de la trama original consistía en no sacar al espectador, ni un solo segundo, del infernal edificio en cuarentena.

Hay muchas cosas interesantes en [REC]². Los efectos especiales, en forma de un maquillaje espectacular, son el mejor ejemplo. También es muy interesante comprobar cómo la influencia del survival horror videojueguístico en esta película se hace evidente, con guiños clarísimos a títulos de culto como Doom. La película comienza siguiendo a un grupo de geos que deben introducirse en el infausto bloque de pisos para buscar supervivientes; una referencia descarada al grupo S.T.A.R.S de Resident Evil. Incluso el superíndice del título recuerda un poco a Postal². Es en los detalles donde más falla [REC]². Intentan explicarnos demasiadas cosas, cosas que, además, es obvio que no tenían previstas al realizar la primera parte. Molestan, asimismo, un par de americanadas, incluyendo una cuadrilla de adolescentes repelentes al más puro estilo Hollywood. Al menos este plantel de personajes nos ofrece la mejor interpretación de la película, la magistral de Leticia Dolera.

Lo que uno saca en claro de este producto es que ha sido planteado con objetivos exclusivamente comerciales. Lo digo sin tener nada en contra del cine comercial, el realizado con una intención también cinematográfica; pero no como esta [REC]² que deja de ser película para convertirse en una excusa descarada. Incluso el humor hace patente esta realidad. No sólo el introducido adrede por los guionistas - algo que ya se hizo en [REC] - también el inherente a escenas que deberían ser dramáticas, impactantes o terroríficas. En ciertos momentos que deberían ser de asfixiante tensión es inevitable soltar una carcajada, algo de lo que serían conscientes, estoy seguro, Balagueró y Plaza.
Porque otra impresión con la que el espectador sale es que ambos realizadores, conscientes de lo que estaban haciendo - vender la moto - prefirieron divertirse parodiándose a sí mismos en lugar de hacer una película terrorífica. Y tal vez sea lo más interesante de la cinta, ir descubriendo cómo los autores se burlan de la primera parte y de la serie B en general, metiendo algunos topicazos de museo con la intención absoluta de tomárselo todo un poco al cachondeo.

[REC]², salvo alguna excepción, ha gustado mucho a la crítica, a algunos porque se parece mucho a las películas americanas. Otros, creo yo, afectados por la escasa o nula exigencia que se hace al cine español. A mí me ha parecido una película, porqué no, divertidísima, con algunos buenos sustos y escenas de pasarlo mal, rápida y de acción trepidante. Una cinta dotada de sus buenas dosis de humor negro y que sabe reírse de sí misma y del género, hecha con buen rollo. Pero lo cierto es que la intención principal, que es la de asustar, no la consigue; porque miedo, lo que se dice miedo, no da mucho.
Hay que verla, no obstante, para entender de lo que hablo pues lo que está claro es que no puede explicarse sin reventarla; y tampoco puede juzgarse de igual manera sin haber visto la primera parte. Tal vez [REC]² me hubiera parecido una buena película - una buena película de terror del montón - si no hubiese sido su predecesora, como fue, una obra maestra. Por suerte lo fue y dejó un listón tan alto que el cine del mundillo tardará en superarlo - sus propios autores han sido incapaces de superarse a sí mismos -; yo mientras tanto espero que Filmax, Plaza y Balagueró se den por satisfechos y dejen de machacar la influencia de una película que, dentro de unos años, se considerará de culto.

imagen: Los artículos de Kinovisio

Ice Age 3: El origen de los dinosaurios

2009-07-31T10:50:00.000+02:00

El hecho de que Ice Age 3: El origen de los dinosaurios (Ice Age: Dawn of the Dinosaurs, 2009), me haya encantado, quizá se vea influido por ser una de las primeras películas que disfruto en pantalla grande desde hace meses. Y Ice Age 3 es, desde luego, para verla en el cine.

No es que sea una película para tirar cohetes, algo que cualquiera que vaya a verla debería tener en cuenta. En ocasiones peca de predecible y convencional; algunas de sus secuencias son cortes que hemos visto ya cientos de veces. Le sobran también dos o tres kilos de cursilería, paternalismo y bollería industrial ñoña made in Hollywood; algo que al parecer es un defecto endémico en la mitad de filmes de animación.

Por suerte, las virtudes de Ice Age 3, tercera parte de la saga de mismo título, son mayores a sus defectos. Podemos considerarla, a grandes rasgos, una película correcta, divertida y bonita, sobre todo, muy bonita. Ofrecerá una buena cantidad de entretenimiento a quien se acerque sin pretensiones: rápidas escenas de acción y aventura junto con el habitual pero siempre simpático humor propio de la animación norteamericana, con algún punto desternillante.

Pero es en el apartado gráfico donde Ice Age 3 brilla con luz propia. La belleza tranquila y agradable de los parajes helados que caracterizan a la saga preparará el terreno para llevar la historia, durante algo más de una hora, a través de un prodigio de colores, formas y paisajes sorprendentes. Cada escenario, cada personaje, cada elemento de la decoración es una obra maestra de ingeniería, una mezcla perfecta de talento, alta tecnología y buen gusto. El dominio exquisito de luces y sombras, texturas, polvo suspendido; la transparencia etérea del hielo y la frescura orgánica de la jungla. Todo ello explota en la pantalla dejando al espectador literalmente boquiabierto y a la espera de contemplar el corte siguiente para seguir maravillándose.

Un espectáculo artístico casi artesanal, que se diría manual si no fuera porque su grandeza denota la intervención de técnicas muy avanzadas; todo ello arropado por una banda sonora sobresaliente, emocionante y muy efectiva, compuesta por el británico John Powell.

Es el flojo argumento, quizá, el mayor de los puntos negativos de la película. La trama nos cuenta cómo Manny, el mamut, se encuentra muy ilusioando a la espera de su primer hijo, lo que despierta las envidias del perezoso Sid. Éste, en el deseo de tener él también su propia familia, roba tres grandes y misteriosos huevos. Le ordenará más tarde el paquidermo que los devuelva, al sospechar que pueden suponer un peligro para la manada. A partir de ahí, no hay nada que no hayamos visto ya mil veces.
No llega, sin embargo, a desmerecer de forma importante el resultado final, pues el apartado gráfico tiene un peso de tal magnitud que logra compensar este y otros defectos. Uno de ellos será quizá el exceso de moralina, que puede resultar molesto, y que ha llegado a provocar la aparición de alguna curiosa e interesante polémica, como ya ocurriera con Ice Age, primer título de la trilogía. Al parecer, es más de uno el que ha encontrado un mensaje subliminal creacionista en esta saga, basándose en su evidente falta de rigor científico.

A este respecto cabe simplemente defender el argumento de la cinta: lo primero que debiera resultarnos sospechoso es que los animales hablen, no que convivan mamíferos y dinosaurios. Y aunque no sería raro que la industria norteamericana intentase colar un alegato religioso, en este caso habrían actuado con tal disimulo que no nos daremos ni cuenta.

Sobre la explicación que el guión da a la descabellada convivencia entre escamosos y peludos, yo sólo diré que me satisfizo mucho encontrar - permítanme la divagación - un clarísimo homenaje al mítico Valle Encantado del enorme Steven Spielberg. Una licencia que se toma el director Carlos Saldanha, y que será bien recibida por los aficionados al cine de grandes lagartos. Tampoco faltan guiños al legendario Parque Jurásico, con algunas referencias que, en mi caso, a punto estuvieron de saltarme una lágrima.

Una película que se ve rápido, que entretiene y que maravilla, en varios momentos, gracias a su cuidada y espectacular realización artística. Muy recomendable para, como suele decirse estúpidamente, niños y mayores. Incluso aunque lleguen a resultar un poco cansinas las apariciones estelares de la ardilla Scrat; los incondicionales de la saga - si los tiene - se sentirán satisfechos, pero yo tuve suficiente ración de bellota con la primera película. Ardilla que, por cierto, tuvo también su controversia.

imagen: Cinissimo, Ciencia y Sociedad

Seven Kingdoms: Ancient Adversaries

2009-07-16T03:55:00.019+02:00

Hacer una crítica de Seven Kingdoms es complicado para mí. No puede uno valorar un pedazo de su historia sin dificultades. De él hay que empezar diciendo que es un juego de una sustancia tal, que ha logrado, en mi caso, hacerse un hueco en mi persona para convertirse en un referente indispensable; no sólo en lo relativo al videojuego, sino a todo lo asociado al entretenemiento y la creatividad.

Seven Kingdoms, desarrollado por Enlight y publicado en 1997, es una maravilla. Podría concluir aquí mi crítica, porque Seven Kingdoms es maravilloso en el sentido más estricto del término: sin paliativos, sin adornos, sin complicaciones. Pero me permitirán explayarme un poco.

Creado por el gran desarrollador chino Trevor Chan, el juego pertenece al género de la estrategia en tiempo real clásica. El planteamiento es sencillo: disponemos de una base, conseguimos recursos y atacamos. Una disposición muy similar a la de su contemporáneo Age of Empires. En lo referente al modo de juego Seven Kingdoms no sorprende ni se hace complicado.

Los elementos económicos que deberemos tener en cuenta son únicamente oro y comida. El primero se obtiene mediante la explotación minera o a través de impuestos, y la segunda por el aumento de población. El juego ofrece una enorme simplicidad en su manejo, a riesgo de resultar aburrido para algunos, si bien yo lo considero una excelente manera de llevar el desarrollo al grano, directo a la estrategia. Para producir unidades, por ejemplo, no se nos exige la construcción de infinidad de bases específicas. En lugar de ello disponemos de aldeas de las que levantamos a sus habitantes para introducirlos en su edificio correspondiente, donde automáticamente se especializarán en una función. De este modo consigue Chan eliminar elementos innecesarios que, en demasiadas ocasiones, hacen farragoso el control de este tipo de juego y distraen la atención del factor estratégico.

A partir de aquí se trata tan sólo de crecer y prosperar. Como en muchos otros títulos del género, podremos elegir dos vías para nuestra expansión: la pacífica o la bélica. Pero a diferencia de la mayor parte de videojuegos de estrategia, en Seven Kingdoms la vía pacífica existe realmente. Y no sólo eso, es mucho más efectiva. Al empezar una partida, encontraremos un mapa habitado por nuestros rivales y por numerosos pueblos independientes. Si construimos centros cerca de ellos donde puedan trabajar, su nivel de resistencia será menor y terminarán por unirse voluntariamente a nuestro imperio.
De este modo podemos entretenernos durante horas centrándonos en la política económica y diplomática de nuestro imperio, ejerciendo presión industrial sobre nuestros vecinos o sobre los bárbaros incivilizados. También podemos escoger el camino sangriento, lo cual puede resultar problemático pues las guerras en este juego son muy cruentas - además de enormemente divertidas -.

Es aquí donde radica uno de los puntos fuertes de este título. No he jugado en mi vida a un juego de estrategia que consiga, ni de lejos, reflejar el impacto de la guerra en la economía y la sociedad con el mismo realismo que Seven Kingdoms. Un conflicto armado será, para nuestro imperio, una verdadera debacle. El hastío bélico tiene una presencia real y práctica, no es testimonial como ocurre en Civilization. Los ciudadanos verán disminuida su lealtad y se rebelarán, dependiendo ello de muchos factores: que el pueblo al que atacamos sea de su misma raza, que el enemigo goce de buena reputación, que la economía vaya mal... Algo que, por otro lado, es fácil en las contiendas de Seven Kingdoms. Comprobaremos cóomo nuestras finanzas se tambalean por los gastos de campaña, la destrucción de nuestras factorías o la continua y necesaria fabricación de armamento. Las matanzas perpetradas por nuestros hombres repercutirán en nuestra imagen pública, lo cual afectará a la paz de nuestras ciudades.

Durante cualquier enfrentamiento veremos el estado totalmente empantanado, incapaz de avanzar, a menos que nuestra superioridad sea escandalosa. Una vez concluido el conflicto, nos costará sudor y lágrimas restaurar el esplendor perdido. Hay que reconstruir fuertes y llenarlos de tropas - si es que las masacres no nos han desprovisto de aldeanos - restablecer lazos comerciales, rehabilitar las aldeas y rutas mercantiles. En definitiva, una traducción de la guerra al videojuego sumamente realista, política, económica y socialmente, enormemente instructiva. Aprenderemos en la experiencia de juego cómo la violencia afecta de forma dramática al desarrollo humano de cualquier país, cómo puede la rivalidad militar paralizar una nación entera.

Como fallo cabría destacar una mala optimización técnica. No serán raros algunos bugs bastante molestos, que podrán bloquear nuestro ordenador y obligarnos a reiniciar. Varios elementos del juego también están, a mi juicio, mal pensados. Seven Kingdoms nos ofrece un sistema de espionaje, según el cual podemos entrenar unidades a tal efecto y enviarlas a las aldeas enemigas para que nos informen o realicen labores de sabotaje. No obstante, su utilidad en el cuadro general de la partida es, normalmente, casi nula. Esto provoca que nosotros casi no los utilicemos; no así la máquina. Ella, en cambio, nos los enviará constantemente, y aunque pueden ponernos en algún aprieto - capturando, por ejemplo, nuestros fuertes - su papel se reducirá al de incordiarnos, pues la interfaz nos avisa constantemente de que "un ciudadano extranjero se ha unido a ti", obligándonos a estar continuamente pendientes de eliminarlos.
Los errores de juego están, fundamentalmente, en la falta de automatización. Cuando desarrollamos el árbol de tecnologías, por ejemplo, no podemos hacer que se produzca de forma insantánea el siguiente avance; deberemos reactivar nuestros laboratorios, uno por uno, de forma manual cada vez que concluyan una investigación. Lo mismo ocurre con nuestras ciudades. Cuando éstas alcancen los sesenta habitantes no crecerán más, y deberemos fundar nuevos núcleos de forma artesanal para que pueda generarse más población. Algo tan sencillo como aumentar el límite poblacional a doscientos, por ejemplo, habría solventado parte del problema.

Son estos, sin embargo, errores sin demasiada importancia que en nada desmerecen la experiencia de juego. La limpieza y efectividad de su planteamiento hacen que la partida sea totalmente dinámica. Es destacable el hecho de que no haya que construir infinidad de edificios para cada unidad, ni reunir estos recursos y los otros para su producción. Disponiendo únicamente de oro podremos fabricar un poderoso ejército. Sólo nos serán necesarias unas sencillas fortificaciones para entrenar soldados, y una factoría para construir armamento. Armamento el cual, por cierto, es de lo más vistoso; una auténtica gozada verlo en acción.

Las batallas son, por su parte, muy divertidas. La animación de combate, salvando las carencias de la época, es muy rápida y potente; y la sencillez con que se consiguen tropas hará que tanto nosotros como nuestros adversarios lleguemos a tener ejércitos numerosísimos. Esto hará que disfrutemos como enanos viendo descomunales extensiones llenas de guerreros combatiendo a muerte, sin descanso.

Es también un punto a favor la variedad de razas. En el aspecto técnico su diversidad es prácticamente nula: no disponen de edificios ni unidades únicas, ni héroes. La unidad estándar es una por cada raza, que será igual independientemente de que el personaje represente a un soldado, un científico o un minero. Pero advirtiendo al año en que se publicó el juego, es agradable disfrutar de varios pueblos distintos entre sí. Variará el aspecto de sus ciudades, además de contar cada tribu con algunas características especiales de combate; mientras unos son mejores en cuerpo a cuerpo, otros son capaces de lanzar flechas incendiarias.

Todas las razas disponen, además, de una divinidad propia. Construyendo un templo seremos capaces de invocarla, y controlar sus poderes sobrenaturales. No obstante, estas criaturas, salvo por lo llamativo de su diseño, serán poco útiles a la hora de la verdad. No obstante, el camino necesario para su consecución es otro aliciente al entretenimiento: la destrucción de los Fryhtan. Los Fryhtan son unos seres monstruosos que viven en guaridas, y que deberemos enfrentar para conseguir oro, puntuación y un pergamino neceario si deseamos construir un templo. Esto último, al fin, será accesorio: pero es adictivo combatir a los Fryhtan. Hay que destacar también el hecho de que estos monstruos estén divididos en siete razas, totalmente diferentes entre sí; todas ellas de gran belleza y originalidad.

Las razas de las que dispondremos serán también siete, debiéndose a ello el título del juego, si bien algunas teorías sugieren que puede aludir a los Siete Reinos de China. En la expansión de 1998 Ancient Adversaries, de la que habla este artículo, dispondremos de tres razas adicionales. Antes de iniciar una partida se nos ofrecerá la opción de escoger entre ellas, entre otras funcionalidades. La más destacable es la que nos permite prescindir de la molesta niebla de guerra, algo imposible en la mayoría de los títulos de aquella época.

En el aspecto gráfico el juego es igualmente maravilloso. Los escenarios son de gran colorido, alegres, sencillos y bien acabados. Las figuras, por su parte, resultan simpáticas, si bien es algo pobre la animación. Estéticamente austero, de formas acogedoras. Visualmente el juego es de un clasicismo incontestable, bebiendo directamente de la simplicidad y amabilidad de los 16 bits. La música nos retrotrae también a tiempos pasados, siendo agradable como sonido ambiental y enmarcando a la perfección la humildad gráfica del juego.

Seven Kingdoms es, en definitiva, una pequeña joya. Sobresaliente en el aspecto estratégico, efectivo en el visual y táctico. Falla tal vez la inteligencia artificial, muy precaria. Ocurre a veces que reinos de una inferioridad militar abismal nos declaran la guerra, mientras las alianzas y pactos de amistad son más bien simbólicos, pues la máquina actúa arbitrariamente. No obstante, la guerra nos obligará a enfrascarnos con la complejidad de la economía, la producción industrial y el control de la paz social. Casi consiguió, con las carencias inevitables de su momento, trasladar la complicada estrategia de Civilization al tiempo real de Age of Empires.

Una vez más se hace notable la, aún, poca cultura artística del sector del videojuego en cuanto a crítica y público. Si bien la prensa tuvo una buena opinión del título, lo dejó apartado como una curiosidad entretenida y bonita. Seven Kingdoms, sin embargo, es mucho más que eso. Abrió la puerta a un género en el que la estrategia y la diplomacia fueran fundamentales, poniéndola por delante de la construcción de tropas y edificios y la ya tan manida explotación de madera, pescado, oro, piedra... y tan largo etcétera. Un género del que este título es la primera línea escrita, y que por el escaso interés de los usuarios nadie ha terminado de investigar. Tan sólo tuvo Seven Kingdoms una secuela de críticas poco favorables. El olvido en que se encuentra nos impide, además, disfrutar su divertido multijugador

El impacto de la guerra, la importancia de la economía, los juegos diplomáticos. Todo ello encuadrado en un aspecto sencillo, limpio, agradable. Una experiencia dinámica y audaz, altamente adictiva, que coloca, en mi humilde opinión, a Trevor Chan en un lugar destacado de la estrategia en tiempo real.

imagen: Gametap, Cine&Videojuegos

Trine

2009-07-14T17:25:00.005+02:00

Uno de los muchos problemas que sufre hoy en día la industria del videojuego es la innovación, concretamente, la falta de innovación. Por esta misma razón hay muchos estudios de desarrollo que optan por volver a las fórmulas que tanto éxito dieron en los juegos de antaño, aunque no siempre con el resultado esperado. Este es el caso de Trine.

Trine es uno de esos juegos que entra por los ojos, pero ese es su mayor problema; que solo entra por los ojos. Desarrollado por Frozenbyte, una empresa compuesta por 20 jóvenes desarrolladores; aún no puedo explicarme como es posible que 20 mentes jóvenes hayan podido hacer semejante despropósito de videojuego partiendo de la misma idea jugable de uno de los mejores juegos de todos los tiempos: The Lost Vikings.

Me explico, en el juego controlaremos a tres personajes con habilidades únicas; un mago, una ladrona y un guerrero; de manera que tendremos que combinar las facultades de cada uno para lograr superar los puzzles y terminar cada uno de los 15 niveles de los que se compone el juego. Esta es la teoría, pero en la práctica veremos como los puzzles son extremadamente simples, no atascándonos en cada uno de ellos mucho mas de dos minutos. La mayoría de las habilidades -que iremos desbloqueando y subiendo de nivel conforme avanzamos- son bastante prescindibles, llegando un punto en que ni siquiera nos acordaremos de que podríamos hacer esto o aquello y limitándonos a resolver todas las situaciones de la misma manera. En cierto punto del juego hasta podremos prescindir de uno o dos de los héroes sin tener mayor impedimento para acabar que sortear a los enemigos.

Y éste es otro punto importante: los enemigos. Son absolutamente todos iguales. El juego se limita a presentarnos dos tipos de enemigos; los esqueletos de ataque cuerpo a cuerpo y los de distancia. Y allá por la mitad del juego el "alarde de originalidad" que podría suponer Trine se termina de ir completamente por el sumidero, vomitando, de esta manera un "cambio radical" en la concepción de los enemigos: ¡Ahora llevan armadura! Así es, en cierto punto los esqueletos típicos empezarán a llevar armadura y escudo, lo cual no cambiará absolutamente nada en la forma de matárlos. No contento con esto, el juego nos ofrecerá, para rematar, enfrentamientos con enemigos finales -que no supondrán en absoluto ningún reto-, que un poco mas avanzado el juego aparecerán en mas de una ocasión como enemigos normales, cual Final Fight se tratara. De esta manera el equipo de Frozenbyte nos mostrará como se pasan por la piedra 20 años de evolución del sector en apenas una tarde de juego.

Y si, querido lector, ha leido bien, una tarde. Ese es el tiempo que le durará Trine, porque no contentos con ofrecernos un juego fácil y aburrido con repetición continua de puzzles y situaciones, además es sumamente corto, como ya nos vienen acostumbrando desde hace un tiempo casi todos los videojuegos del mercado. De todas formas habría que dar las gracias al equipo de diseño al no hacer demasiado largo el suplicio que supone llegar al final del susodicho videojuego.

El guión, por otra parte, también tiene lo suyo -de paupérrimo, quiero decir-. Al principio del juego, nos cuentan, que el rey de un reino ha muerto y en medio de las disputas por la herencia del reino aparece un ejército de muertos vivientes para arrasarlo todo. El juego comenzará cuando los tres héroes lleguen por separado a un artefacto llamado Trine, fundiendo así sus almas en un solo cuerpo. La historia como vemos, es extremadamente típica, ambientada en la superexplotada edad media de corte fantástico. El argumento avanzará sin que sepamos muy bien qué es lo que está ocurriendo y porque aparecemos en un sitio u otro. El guión está muy mal escrito y la historia muy mal contada. Únicamente podemos salvar el doblaje, ya que al estar la historia concebida en forma de cuento, el narrador ha sabido darle la entonación y el aire adecuado. Francamente me parece de vergüenza que el argumento únicamente se salve por el trabajo del doblador y no por el trabajo del equipo de desarrollo.

Como he dicho al principio, los gráficos son muy bonitos, vistosos y todo lo que ya se ha dicho de ellos, pero no creo que se merezca mas mención al respecto, excepto que es de avance lateral, al estilo 2D -a pesar de que el juego es en 3D-. El juego en conjunto es malo y no creo que los gráficos mejoren, ni siquiera un ápice, un compendio de mal saber hacer y de chapuza por parte de Frozenbyte. Al contrario que la "prensa especializada" no creo que un juego bonito visualmente merezca tamaños elogios y buenas puntuaciones como podemos ver en las distintas "revistas especializadas" de videojuegos. De nuevo han demostrado una actitud infantil y estúpida ante lo que nos han querido vender como bonito e innovador.

Y este es otro punto que quería tratar, la innovación. Yo no soy contrario a rescatar fórmulas antiguas para renovar el sector, pero lo que si que no puedo comprender es que se rescate algo que funcionó hace 20 años y que se haga un producto de bastante menos calidad que entonces. ¿No se supone que el mercado debería evolucionar? Al jugar a Trine da la total sensación de que a los programadores les gustaba mucho The Lost Vikins y pensaron: "¿porqué no hacemos nuestra propia versión de este gran juego?" Y el resultado es el vómito que tenemos hoy entre manos. Paupérrimo.

Únicamente voy a decir una cosa buena del título que ante tanta bazofia sobresale y brilla con luz propia; la música. La banda sonora es sublime, haciendo así mas soportable nuestro periplo por los aburridos niveles. Una joya por sí sola para disfrutar tranquilamente y sin tener que terminarse el videojuego.

Como conclusión, me gustaría recalcar simplemente que Trine es el perfecto ejemplo de lo que no debe hacerse en el mundo de los videojuegos. Adaptar un estilo de juego de antaño a los tiempos modernos es algo que puede traer muchos resultados tanto buenos como malos y sin duda Trine es lo peor que podría haber salido de la adaptación de uno de los mejores juegos de la historia. Un juego malo que ha dado y dará mucho que hablar y que desgraciadamente cosechará bastante éxito gracias a la carcasa, a lo de fuera, a lo superficial y, en definitiva, a lo que pasados unos años se verá como prehistórico.

Idioma:

-Voces: Español
-Textos: Español

Plataformas: PlayStation 3, PC

Requisitos (PC):

-SO : Windows XP / Windows Vista
-Procesador : 2.0 GHz CPU
-Memoria : 512 MB (XP), 1 GB (Vista)
-Tarjeta 3D : Radeon X800 / GeForce 6800
-Espacio en disco duro : 1 GB
-DirectX : 9.0c

imagen: cine&videojuegos

Prototype

2009-06-26T11:15:00.013+02:00

Hoy estoy de mal humor. Estoy de mal humor porque mi irrefrenable pasión por los videojuegos me obliga en más de una ocasión a soportar títulos tan vacíos, tan absurdos, tan insultantes para el jugador que dan ganas de ir a la sede del equipo de desarrollo a estampárselo en la cara, uno por uno, a todos los programadores. Hoy le toca el turno a Prototype, último trabajo de Radical Entertainment, artistas de la mediocridad y los acabados chapuceros (Scarface: the world is yours, 2006) así como de la linealidad y la monotonía (Crash: Tag Team Racing, 2005; Crash: Guerra al Coco-Maníaco, 2008), y que vieron sus mejores tiempos en pasadas épocas, donde el público poco exigente éramos todos los aficionados de la industria, ya que los únicos jugadores hardcore de aquel entonces eran precoces fanáticos de T etr is y Comecocos.

Pero hay algo que me pone de aún peor humor. Y es que además de tener que aguantar que en el año 2009 se publique esta cagarruta, también tengo que soportar que el medio de prensa digital sobre ocio interactivo de mayor difusión de nuestro país, Meristation, le otorgue un ocho sobre diez -"muy bueno, más de una semana de diversión, volveremos a jugarlo", e incluso nos instan a comprarlo, según su propio baremo- y nos venda que es un título único, donde gozaremos de mil y una posibilidades de acción y donde nuestra libertad será casi total.

Vamos a ver, pongamos los puntos sobres las íes. Hablaré del juego en cuestión y, en otra ocasión, hablaré de un par de cosas que creo que es necesario decir. El protagonista de la historia es Alex Mercer, un hombre que se despierta en una morgue, malherido y confuso, para descubrir que posee poderes para modificar su cuerpo y transformar sus brazos en armas blancas, hacer su piel dura como la roca y saltar grandes distancias. Asímismo, también podrá absorber a cualquier ser vivo y asimilar sus recuerdos, lo que le ayudará a salir de la amnesia en la que se haya inmerso y descubrir qué le ha pasado y en qué se ha convertido. Para obstaculizar sus progresos, hay en la ciudad una interminable legión de marines pateaculos de los de toda la vida, conocidos como Blackwatch, cuyas huestes se lanzarán contra nosotros una tras otra con toda determinación, armados con bazookas, helicópteros, tanques y hasta supersoldados mutantes, una delicada revisión del mítico Uber Soldat de Return to castle Wolfenstein. Para ayudarles hay aterradores monstruos rosas que han sufrido un destino similar al nuestro, pero no igual, y que nos asaltarán haciendo gala de su tradicional condición de engendros irracionales, pidiendo a gritos que los hagamos pedazos de forma horrible.

Dicho esto, ahora diré que la historia termina ahí. No será desarrollada lo más mínimo, ni un ápice. Avanza a trompicones, sin sentido, sin conexión entre los hechos. El propio juego propone una trama -así se llama-, que iremos desgranando buscando a ciertos personajes que han tenido algo que ver con nosotros en el pasado, para absorberlos y heredar sus recuerdos, que veremos en forma de mareante vídeo de veinte segundos, una sucesión de imágenes confusas y frases llenas de eco y reverberaciones que no aportará nada al argumento. Así hasta varias decenas de microvídeos, que acabaremos pasando por aburrimiento, para lo cual la interfaz nos lo pone fácil, ofreciéndonos la posibilidad de omitir el vídeo justo antes de que empiece pulsando un botón. ¿Sospechoso? Y que nadie espere que la búsqueda de estos "hombres clave" suponga investigación o tintes de RPG; los objetivos estarán convenientemente marcados en el minimapa, y nos iremos cruzando con ellos por azar en nuestros paseos por la pequeña ciudad.

El grueso del guión lo aportan las 31 misiones principales. En la segunda aparece en escena nuestra hermana, Dana Mercer, que nos enviará a hablar con nuestra ex-novia, a la que descubre investigando por internet. Esta, a su vez, es científica, estaba implicada en el proyecto que nosotros representábamos y nos brindará su ayuda en forma de "creo que puedo revertir este proceso genético, solo necesito x muestras de ADN de x lugares del mapa, y creo que tendrás que matar a x número de monstruos para lograrlo. Por cierto, creo que el ADN tiene forma de pelotilla amarilla, así que no tienes ni que llevarte una jeringa, tú pasas a su lado y ya se te quedará pegado en la axila." ¿Me siguen? Unos pocos personajes serán introducidos en la trama sin coherencia alguna, sin el menor esfuerzo por darle lógica, y aportarán bien poco a levantar algo semejante aberración argumental.

Entonces, si el argumento es pura basura, al menos el juego debería ser divertido. Y lo es, desde luego, durante dos días. Pasado ese tiempo estaremos tan embotados por nuestros viajes por los tejados, de nuestras refriegas contra todo lo que se mueve y de tanta misión secundaria y tanto recoger marcas coleccionables, que la idea de ponerse a jugar otro rato nos dará pereza. Este juego es, ni más ni menos, un Spiderman cualquiera al que no se le ha extirpado convenientemente la violencia. Es un juego plano a nivel argumental, que intenta maquillar su corta vida con puñados de misiones secundarias absolutamente iguales unas a otras, como ya se ha visto en todos los títulos de Spiderman de la era 3D, consistentes en carreras contrarreloj, liquidar a cierto número de enemigos en cierto tiempo o consumir a ciertas personas en cierto momento. Personas cuya consumición, por cierto, dará lugar a vídeos de la trama. Sale a relucir aquí el nulo interés por parte de Radical de estructurarla lo más mínimo, al haberla repartido sin control por eventos de muy diverso tipo, lo que da la sensación de que las cosas se han dejado a su aire, algo imperdonable.

Pasados esos dos días, las épicas y espectaculares batallas -que lo son- contra la Blackwatch, contra los mutantes, contra la gente, contra los coches de la gente, contra las farolas, contra todo lo imaginable; toda esa capacidad de interacción, de sembrar el caos, de matar, de partir en dos a los transeúntes, de secuestrar carros de combate y con ellos derribar helicópteros, todo eso quedará en nada. Y quedará en nada porque nos preguntaremos: "¿por qué lo hago? ¿Qué me reporta esto? ¿No podría estar jugando a un título más profundo, de más calidad, en vez de perder mi tiempo con este despropósito digno de los primeros experimentos 3D? ¿Por qué seguir con esto, si a todas luces la semana que viene ya habré olvidado estas partidas?"

Que nos asalte esta sensación con un título que ha desbancado en ventas al mismimo Los Sims 3, es algo terriblemente triste y significativo. Nosotros mismos hemos hecho posible esta afrenta contra la inteligencia y el buen gusto. Nosotros hemos pedido que Prototype se desarrollara y se pusiera a la venta por 60 euros. Se me ocurren diversas posibilidades, todas ellas desalentadoras, a saber: que toda esa gente quedó deslumbrada por la enorme expectación publicitaria levantada en torno al título antes de su puesta a la venta; que lo que ofrece este título es, simple y llanamente, lo que quieren; que solo comprarán el juego del que vean 19 copias en su tienda Game habitual; o quizá que yo soy un pretencioso petulante, un idealista absurdo que se niega a aceptar que este es el único futuro que le queda a los videojuegos.

Quizá usted crea que soy un pretencioso, un reaccionario, el típico elemento que renegaría del éxito de El Código Da Vinci (The Da Vinci Code, 2003) o la nueva entrega de Star Trek (Star Trek 2009, 2009). E incluso aunque lo fuera... ¿no tengo derecho a preguntarme qué han visto tantos miles de personas en un juego que nos muestra un mundo tridimensional, vivo, lleno de posibilidades, que nos muestra una violencia que debería ser estremecedora, todo ello protagonizado por un personaje plano, amoral, un mero vehículo para la pura destrucción? ¿No tengo derecho a preguntarme por qué en el año 2009 se edita un título ambicioso, con una gran campaña de marketing tras él, sólo para contarnos una historia sin historia, sólo para que podamos matar sin consecuencias a cientos de personas sin el menor atisbo de sentido en todo ello? Y que nadie me interprete mal, soy fan número uno y defensor a ultranza de Postal 2, título donde podíamos orinar sobre la gente e inducirles el vómito, o decapitar a golpes de pala a cuantos se pusieran en medio. Pero eso, amigos, es algo muy distinto.

Yo sostengo que debemos protagonizar un cambio en la industria. De verdad creo que debemos demostrar que estamos hartos de que nos traten como idiotas, de que nos vendan a precios abusivos títulos mediocres, mal trabajados y mal desarrollados como este Prototype. Creo sinceramente que hasta que no nos levantemos contra los equipos de desarrollo, convencidos -porque nosotros les hemos convencido- de que esto es lo que queremos que nos vendan y, sobre todo, contra la así llamada prensa especializada, y con prensa especializada quiero decir Meristation, principales artífices y mantenedores de la mala situación de la industria en el momento actual, nunca podremos llegar a buen puerto. Mientras una historia inexitente siga siendo "podría haberse explotado más el argumento"; mientras cinco garras, dos armaduras y tres ataques especiales que desbloquear uno tras otro hasta conseguirlos todos siga siendo "una cantidad ingente de poderes, la sensación de que siempre habrá algo más por conseguir, toques de rol"; mientras un sistema de juego que cae en la falta de creatividad a la hora de jugarlo y que hipnotiza al jugador hasta el punto de poder jugarlo durante horas mientras se mantiene una conversación sin que ello afecte para nada al rendimiento siga siendo "las posibilidades son casi ilimitadas", no estaremos logrando nada. Si no me cree, juéguelo durante una tarde y luego lea el "análisis" de Meristation. Estoy seguro de que comprenderá mi punto de vista. Aunque otros medios no le van a la zaga, y se han atrevido incluso a otorgarle un redondo diez en "innovación", a un planteamiento que hoy vemos por cuadragesimotercera vez. Vea si no el "análisis" de 3D Juegos, nuestra otra gran plataforma de referencia: "Prototype es como una buena novela gráfica catastrofista en la que el destino de una ciudad depende de un antihéroe de lo más atípico." Cito textualmente, salvo las negritas. He estado tentado de poner átipico en mayúscula.

Esto es un ejemplo más de la irregular situación que vivimos con esta afición nuestra, o pasión diría yo, y que vemos herida ya desde las 32 bits, aquejada de una enfermedad degenerativa que desarrollaron ellos, nuestra prensa, nuestros especialistas del sector, y que se nos está contagiando a nosotros: el conformismo, el servilismo y la complacencia.

imagen: cinevideojuegos

Dead Space

2009-06-21T19:18:00.013+02:00

En marzo del pasado año se publicaba el primer número de Dead Space bajo el sello Image Comics, serie de cómics compuesta por seis fascículos y que constituyó el primer capítulo de una trilogía formada por dicho cómic, una película de animación y un videojuego. El guión corre a cargo de Antony Johnston y el dibujo es obra de Ben Templesmith, conocido por ilustrar el cómic de Steve Niles 30 días de noche, así como Fell, trabajo de Warren Ellis.

Dead Space es, sin duda, una saga de irregular calidad y densidad argumental, cuyo producto final se queda muy lejos del zénit que podría haber alcanzado una historia envolvente, atractiva y compleja como prometía ser, con el aliciente añadido de estar contada por medios de expresión tan diferentes como el cómic, el cine y el videojuego. Su pretendida atmósfera de terror sólo se conseguirá realmente con su tercera entrega en forma de videojuego, quizá por estar arropada esta por el género del survival horror, muy apreciado por los jugadores y por ser el ocio interactivo un medio que se presta más a la inmersión por parte del usuario.

La historia general se sitúa en un lejano futuro, en el que la humanidad ha conquistado el Sistema Solar y busca los recursos para mantener su expansión en planetas distantes, de los que arranca gigantescos trozos con naves diseñadas a tal efecto conocidas como planetcrackers. En este futuro, la Unitología, religión fundada doscientos años antes de los acontecimientos narrados en Dead Space, se ha convertido en predominante en la humanidad; los devotos de esta fe veneran a Michael Altman, científico iniciador del credo, al que se atribuye el descubrimiento de un artefacto de controvertida naturaleza, un marker -como se le conoce en la historia-, el cual sostienen que es la clave para lograr trascender la mortalidad. El nudo comienza cuando se descubre un segundo artefacto, similar al primero, en una colonia minera en el planeta Aegis VII, con la consiguiente revolución entre el personal unitólogo de la mina, y el rechazo por parte de los detractores de la fe, y cuyo hallazgo coincidirá con la revelación de un secreto oculto en lo más profundo del planeta.

Este primer capítulo es el que ha dado mejor resultado en conjunto, y goza del guión más sólido y trabajado de la saga, si bien no deja de tener fallas y algún que otro cabo suelto, y los acontecimientos se aceleran demasiado para luego perder casi toda su fuerza durante los números cinco y seis.

Los principales puntos de interés de la obra son su capacidad para crear intriga e interesar al lector -interés que no se verá satisfecho, pero interés al fin- y, sobre todo, el personalísimo estilo de Templesmith, inquietante y siniestro, absolutamente acorde con la historia que pretende contar. Si bien es imposible tener en cuenta este trabajo en solitario, sin oponerlo a los otros dos, aún así lo que comienza siendo un interesante thriller con variados personajes y un dibujo sobresaliente, acaba por convertirse en una sucesión de eventos fácilmente esperables, abandonando completamente un guión que, en apariencia, se estaba mimando poco a poco a la espera de un final acorde a su calidad inicial.

Antony Johnston comienza bien para luego relajarse demasiado, quizá con idea de ceder el turno a Dead Space: Downfall, la película que comprende la segunda entrega de la trilogía. Pero, como he dicho, aunque debe entenderse en el conjunto de la saga, ello no es excusa para el pobre final que mancha un cómic, por lo demás, bastante interesante. Al final la historia sólo da vueltas alrededor de lo que supone el artefacto, de lo que piensan sobre él unitólogos y no unitólogos de la colonia, y de cómo afecta su descubrimiento a todos los miembros de la misma, pero no profundiza ninguna de estas posibilidades, conformando todas ellas, salpicadas por las breves declaraciones de ciertos personajes, un resultado final poco compacto y carente de un verdadero núcleo argumental. Y lo digo y lo repito: si se pretendía preparar el terreno para el segundo y tercer capítulos, estos serán incapaces de cumplir el propósito de ser el cuerpo central del argumento, especialmente la película.

Respecto a los que busquen miedo, que es lo que se ha vendido en todos los medios posibles acerca de la saga, no debe esperarlo en esta primera entrega; causa otras sensaciones, otros sentimientos, pero en ningún momento miedo, ni siquiera esa "cosilla" al pasar las páginas que sólo algunas obras consiguen, aunque no sé si siquiera eso se buscaba aquí. Se trata más bien de una historia de intriga enmarcada en un escenario de ciencia ficción con leves tintes gore, más debidos al particular estilo de Ben Templesmith que al propio guión.

Es inevitable pensar, una vez se ha terminado su lectura, que hubieran sido necesarias muchas más páginas para finalizar debidamente las historias cruzadas de la enorme cantidad de personajes que se ponen en juego, y de las cuales la mayoria terminan de forma forzada y apresurada, unidas en un evento que no desvelaré aquí, pero que no ofrece, reitero, el colofón que una obra tan personal merecía. En vez de eso, todo el argumento se tropieza en un agujero predecible y además aburrido, dos cosas que no sufre en ningún momento el resto del hilo.

Un trabajo que sube y sube para luego caer en picado, cuyo mayor atractivo es su ilustración y el atractivo trasfondo de la historia que cuenta, además de su reducido precio, al menos en Estados Unidos -18 dólares por los seis números, unas 120 páginas-.

imagen: comixaria, ultimapantalla

Warhammer 40000: Dawn of War II

2009-06-12T02:44:00.018+02:00

La publicación en febrero de Warhammer 40000: Dawn of War II, título de Relic que continúa el legado de su premiada franquicia basada en el conocido juego de estrategia de tablero, constituyó, desgraciadamente, una mala noticia.

Me explicaré. El lanzamiento del juego que iniciaría la saga (Warhammer 40000: Dawn of War, 2004) supuso toda una explosión de innovaciones jugables y también artísticas, pues no sólo se trataba del primer videojuego que lograba retratar con talento y fidelidad el espíritu y la estética del juego de Games Workshop, sino que además fue capaz de romper una de las grandes barreras que venía arrastrando el género de la estrategia en tiempo real desde su último gran salto hacia delante con Starcraft, esto es, el componente estratégico.

Mediante un sencillo pero ingenioso sistema de puntos clave repartidos por cada mapa, y que las tropas del jugador debían tomar y asegurar, era posible prescindir de los clásicos recursos repartidos por ciertos lugares del escenario, y con ellos de los aún más clásicos "aldeanos", o cosechadores de recursos, tedioso elemento imprescindible en todo juego del género desde tiempos de Age of Empires; además, este sistema permitía restar atención al "campamento base" y sumársela al ejército o ejércitos, allí donde se encontraran. Todo ello, unido a un sistema de organización de ejércitos por escuadras personalizables y cuyos efectivos podían reponerse en medio del fragor de la batalla, y la presentación de uno de los conjuntos de razas más equilibrado, variado y definido visto nunca en un juego de estrategia en tiempo real, hicieron posibles las batallas más largas, emocionantes y vistosas que yo recuerdo haber visto en este género.

¿Por qué les cuento todo esto? Para intentar ponerles en situación sobre la decepción que, sostengo, a supuesto su segunda parte. Nunca he sido amigo de calcar una fórmula exitosa hasta el mínimo detalle una y otra vez, sin aportar nada nuevo; pero mucho menos lo soy de castrarla, simplificarla hasta volverla casi esquemática y venderla como si fuera mejor que la anterior. Y esto, ni más ni menos, es lo que es Dawn of War II. Ya no habrá grandes ejércitos ni planes de acción que trazar. Ahora sólo llevaremos cuatro escuadras de hasta cuatro hombres como mucho, y las dirigiremos por mapas pequeños, lineales y repetitivos. Una historia absolutamente convencional -donde caben todos los clichés de Warhammer 40000 que un aficionado como yo pueda recordar, y que ofenderán la inteligencia de los fans y de los que nunca han oído hablar de la franquicia- servirá como marco para pasearlos por tres mundos distintos, tres planetas distintos, y que sólo darán para tres entornos distintos (desértico, selvático y urbano).

Creo que no merece la pena ni esbozarles a ustedes el argumento porque roza el ridículo. Está conducido por personajes arquetípicos sin la menor personalidad, ni la menor señal de esfuerzo por profundizar en ella; todos ellos Cuervos Sangrientos, capítulo sin pasado y sin héroes y que a este paso jamás los va a tener, pues Relic se ha adueñado de ellos y les está haciendo flaco favor a la hora de consolidar un buen trasfondo. En todo momento se nos dirá qué hacer, cómo hacerlo, en qué dirección ir e incluso los posibles atajos para llegar antes y con menos dificultades. Y lo peor de todo es que, para colmo, los autores pretenden explicar este paso atrás haciendo que las escuadras suban de nivel, encuentren nuevas armas, armaduras y equipamiento y puedan modificar todo ello entre misión y misión, influyendo esto en su daño base, puntos de impacto, velocidad, etc. ¿A qué me suena a mí eso? A World of Warcraft, pero aún más superficial y cutre, por lo que tiene de incoherente.

Pero aún hay más. La campaña es corta, absurda y repetitiva, pudiendo prolongarse sólo si uno lo desea haciendo hasta 38 misiones opcionales, que en la práctica se reducen a dos: defienda este objetivo, mate a este objetivo. Para colmo todas se desarrollan en unos cuantos mapas correspondientes a provincias de los tres planetas en que se desarrolla la historia, con lo cual en cuanto hayamos hecho ocho o diez de estas misiones estaremos aburridos de ver siempre los mismos escenarios, sabremos por dónde va a atacar nuestro enemigo, por qué orden y con qué unidades cada vez si es de defensa (esto es literal), y por dónde atacar nosotros y cómo si es de ataque. Aunque esto no arruinará mucho la inexistente sorpresa estratégica, pues a la media hora de juego comprenderemos que da igual cómo ataquemos, con qué escuadras y si lo hacemos frontalmente o por la retaguardia del enemigo, ya que nosotros siempre tenemos una ventaja abismal. Despues de todo, somos Marines Espaciales, o eso debieron pensar en Relic.

La campaña sólo incluye a los Marines Espaciales, por añadidura, y relega la faceta jugable de las otras tres razas del juego (Orkos, Tiránidos y Eldar) al modo multijugador, que por sí mismo representa otra joya del título. Siendo como era el pilar sustentante del factor de diversión, estrategia y rejugabilidad de la primera parte, ahora se ha convertido en algo aburrido y abrumadoramente lento, un malísimo trago. No hay acción, no engancha y en definitiva no divierte, ni siquiera la primera vez que se juega. Y lo peor es que es un experimento fallido, fruto del miedo por que pudiera salir un engendro al haber eliminado las bases y los puntos estratégicos, han creado un experimento peor. Controlaremos una única estructura y un héroe a elegir entre tres, a saber, ofensivo, defensivo o equilibrado (cuya diferencia es anecdótica), y deberemos ir paseando al lentísimo héroe por el pequeñísimo mapa, para tomar una especie de pseudopuntos estratégicos que nos darán los dos recursos básicos del primer Dawn of War -requisas y energía- con los que crear un irrisorio ejército -del cual valen la pena dos unidades, las más grandes y caras de cada raza- para o bien destruir la base enemiga, o bien tomar y conservar cierto número de pseudopuntos estratégicos. El mapa es pequeño, artificial y carente de parapetos, terreno dificil o infranqueable o, en definitiva, cualquier elemento que lo diferenciara algo de una planicie yerma por la que avanzar en línea recta hasta el enemigo. Y, por si esto fuera poco, hay sólo cinco mapas a elegir, y todos muy similares.

Y ahora, para terminar, diré todas las verdades que ustedes deben saber respecto a este juego. Su apartado técnico es portentoso, está lleno de vistosos efectos de luz y de partículas, incluyendo un efecto de fuego excepcional, tan difícil siempre de recrear. Los modelados de los personajes son auténticos clones de las figuras realizadas por los expertos escultores y pintores de oficiales de Games Workshop, llegando a parecer casi cinceladas, sobre todo en la pantalla de selección de equipo, donde disfrutaremos plenamente de su detalle.

Es divertido, sí, hasta cierto punto. No sé como podría resultar de divertido para un amante de la buena estrategia militar en tiempo real y que no sea aficionado a Warhammer 40000, y no lo juegue movido por la ilusión de emular sus partidas de mesa con el aliciente del despliegue gráfico y los silbidos de las bombas y las balas -que forman parte de un apartado sonoro de gran calidad-. Yo mismo, que me confieso fan, empezaba a aburrirme cuando lo estaba terminando, aunque quizá fuera porque alargué cuanto pude la campaña jugando todas las misiones opcionales, llegando a ocuparme una semana de juego, lo cual no dice mucho a favor de su duración.

Y hasta aquí llegan sus escasas virtudes. Veamos sus defectos. He comentado que gráficamente el juego está muy logrado. Pues bien, veamos el lado oscuro de esto; los gráficos a mayor resolución y los efectos más sofisticados sólo están disponibles si se juega en Windows Vista, independientemente de la tarjeta gráfica que tengamos. ¿Cómo puede permitirse esto? Se trata, sin duda, de una herramienta de control de la compañía para promocionar, a través de sus empresas asociadas, la venta y difusión de su último sistema operativo. Una maniobra que sólo puede calificarse de fétida y rastrera.

Una historia pésima, predecible, tópica, aburrida y sin sorpresas, a lo que hay que añadir que se parece peligrosamente a la de su primera parte, si sustituimos un par de elementos, correspondientes a la raza que, injustificadamente, se ha eliminado en esta entrega (el Caos). Una campaña totalmente dirigida, que no deja lugar a la iniciativa por parte del jugador, donde todo se le da masticado y digerido, como quien dice, donde el que ha visto dos misiones las ha visto todas, y que encima es corta. Las unidades son pocas, lentas y toscas en combate, no respondiendo a nuestras órdenes como cabría esperar, y a veces se quedan atascadas incluso sin haber obstáculo alguno.

Se pretende engañar al jugador, haciéndole creer que este retroceso hacia una inmadurez jugable ha sido en realidad a mejor, con las subidas de nivel y las modificaciones en el equipamiento de las escuadras, lo que busca crear una falsa sensación de participación y control por parte del jugador, algo absolutamente falso. Un modo multijugador vergonzoso, muchas menos razas que las nueve que concluyó la última expansión de su antecesor y la guinda final, el sistema Games for Windows Live y Steam, dos herramientas publicitarias de instalación obligatoria en nuestro ordenador, y que abrirán la puerta a más y más publicidad, y a más y más servicios intrusivos, con la excusa de poder jugar la campaña en modo cooperativo y hacer compulsivamente los mil puntos de logros, la triste manera de intentar que tardemos más en aburrirnos del juego. A lo que hay que añadir que cualquier jugador que no posea conexión a internet no podrá jugar, lo cual es, simple y llanamente, deleznable.

Aparte de todo esto, debo añadir, muy a mi pesar, que de nuevo el doblaje a nuestro idioma ha resultado un completo fiasco, hecho deprisa y corriendo y sin el menor cuidado. Aunque realizado por profesionales del oficio, como siempre eso no garantiza la calidad y veremos voces planas, sobreactuadas, con un registro constante de tensión y enfado incluso en actitudes jocosas y que además adolece de algunos errores imperdonables de la propia traducción y que no han sido corregidos en postproducción. Un ejemplo que juzgué particularmente grave: cuando aparecen miembros de un ejército bien conocido en el universo de Warhammer 40000, la Guardia Imperial, un personaje exclama "¡más soldados de la guarida!" Lo que sólo puede deberse a un simple error tipográfico en la traducción, el cual no ha habido voluntad de subsanar. Es triste llegar a desear que un juego salga en su lengua original con tal de poder disfrutar de un doblaje decente, pero en nuestro país es lo que nos toca, al menos casi siempre.

Esta vergonzante actuación por parte de Relic no tiene excusa posible, y la búsqueda incesante por su parte de una explicación para el cambio, incluso ya un año antes de ver el título publicado, no hizo sino evidenciar sus miedos por la respuesta del público más exigente que les seguía, y que ha quedado profundamente defraudado. Todo lo que he leído en serviles análisis de la así llamada "prensa especializada" no son más que bonitas palabras, una forma de enmascarar la verdad, por un miedo absurdo a decepcionar a un público conformista que tiene su copia del juego reservada un año antes de que salga a la venta, como si fueran ellos los responsables del anunciado fracaso de las compañías al desoír los deseos de su público más riguroso. Ni evolución en el género, ni "Relic lo ha vuelto a hacer", ni historia más fresca y dinámica, ni "ahora todo tendrá lugar en torno a nuestras tropas", ni zarandajas. Todas las supuestas nuevas ideas, toda la parafernalia pensada para personalizar nuestras tropas, hacernos partícipes del argumento, controlar cada aspecto del juego, todo es una enorme y poco discreta mentira. Todo lo bueno de la primera entrega se ha perdido en el proceso de desarrollo, lo que catapultará, espero, este proyecto al olvido que merece y deja la puerta abierta para que algún equipo serio tome el relevo de la auténtica estrategia militar, simple y directa, de la que tan pocos títulos de calidad hay en el mercado.

imagen: cinevideojuegos

X-Blades

2009-06-07T12:41:00.016+02:00

Hay muy pocos juegos que, sin mas premisa que hacernos pasar un rato agradable, nos ofrezcan acción a raudales, como si de una buena película de acción se tratase. Cerramos aún mas el círculo si además exigimos que el juego sea bueno; que tenga un buen control, que sea dinámico, etc. Además de un guión mínimamente elaborado para que el jugador no tenga la sensación de estar perdido. Por desgracia este no es el caso de X-Blades que quizá por querer ir un poco mas allá se queda a medio camino del gran juego que podría haber sido.

El juego nos mete en la piel de Ayumi, una cazatesoros con muy poca ropa que va en busca de un artefacto milenario del que ha sabido su existencia gracias a un mapa del cual no se nos da mas datos de su procedencia. A lo largo del juego nos encontraremos en varias ocasiones con el otro protagonista, Jay -nombre sacado del diario del juego ya que el susodicho nunca se presenta-, que se encuentra en las mismas ruinas que nosotros por motivos totalmente desconocidos -y que no llegaremos a conocer en ningún momento-.

El argumento en un principio podría parecer interesante, el problema llega cuando nos damos cuenta de que el guión es pésimo. Se suceden diversos acontecimientos sin que al jugador se le explique nada, incluso llegará un momento en que nos encontremos caminando por las ruinas sin saber a dónde vamos ni porqué. Al final del juego incluso llega a ser cómico como nos quieren hacer creer que Ayumi y Jay se han hecho muy amigos habiéndose visto tres o cuatro veces y no habiendo tenido en todo el juego una conversación de mas de un minuto. Un argumento que podría haber sido la excusa perfecta para hacer un buen juego de acción, pero que se queda en nada por culpa de un guión que parece haber sido escrito -si es que en alguna ocasión fue escrito- durante los descansos para comer.

En este punto podríamos decir que si por lo menos es un buen juego de acción, el fallo del guión resalta menos, desgraciadamente esto no es del todo cierto. Las peleas son frenéticas y bastante entretenidas, pero el juego cojea por el control y la monotonía de los jefes finales. En más de una ocasión nos veremos frustrados porque Ayumi o responde tarde o no responde a los botones, estando además, el salto muy mal implementado; dos fallos garrafales si tenemos en cuenta que en un juego de estas características es vital poder reaccionar con precisión y rapidez. Con respecto a los jefes finales, se hace evidente la influencia retro de los programadores ya que, por ejemplo, habrá algunos enemigos a los que solo podamos dañar durante un espacio muy corto de tiempo, limitándonos a esquivar durante el resto de la pelea. Esta manera de afrontar los jefes finales podría haber quedado muy bien si se adaptara a los tiempos modernos, el problema reside en que estas batallas se tornan repetitivas y, en algunos casos, muy aburridas, llegando a ser desesperante ver como le quitamos una ínfima parte de vida al enemigo durante el corto espacio de tiempo que podemos atacarle. Un sistema de juego que habiéndose pulido un poco mas habría quedado bastante bien.

Por otro lado tenemos a los enemigos, bastante escasos y repetitivos. Aquí de nuevo podemos observar la influencia de los juegos de antaño, viendo como, ya avanzado el juego nos aparecen ciertos jefes finales como enemigos normales con menos vida o repetición de enemigos normales con otros colores.

Pero no todo va a ser negativo en este juego y es que es digno de admiración el trabajo de diseño artístico de los escenarios. Todo el juego transcurre en unas ruinas y aunque no hay demasiada variedad de escenarios, estos están construidos magistralmente, sobre todo aquellas salas donde luchamos contra los jefes finales. Además, este gran trabajo artístico se ve reforzado por la presencia de una increíble iluminación. Veremos como nuestras espadas reflejan los rayos de sol del atardecer o a éstos entrar por una grieta de la pared. Un grandísimo trabajo en este aspecto que de nuevo se ve malogrado por un grandísimo desliz; allá por la mitad del juego veremos frustrados y desilusionados como somos transportados al punto de inicio, teniendo que recorrer de nuevo todas las salas ya visitadas anteriormente, dándonos la sensación de que a los programadores se les acabaron las ideas a mitad del juego y lo único que se les ocurrió fue que el jugador tuviera que volver a andar todo el camino andado.

Como conclusión, si bien X-Blades no es un juego aburrido tiene todos los ingredientes para ser rechazado por una gran cantidad de usuarios en los primeros minutos de juego. Es un juego que se queda a medio camino de los grandes referentes de los juegos de acción, como Devil May Cry y que podría haber sido grande si se hubiera pulido mas el control y si no pretendieran -sin éxito- contarnos una historia medianamente elaborada.

Idioma:

-Voces: Inglés
-Textos: Español

Plataformas: XBox 360, PlayStation 3, PC

Requisitos mínimos (PC):

-Sistema: Windows XP
-Procesador: Pentium 4 2 GHz o equivalente
-Memoria: 512 MB RAM
-Tarjeta gráfica: ATI Radeon 1650 de 256 MB o nVidia GeForce 7600 de 256 MB, o superior
-Espacio en el disco duro: 5 GB
-DirectX 9.0c

Requisitos recomendados (PC):

-Sistema: Windows XP
-Procesador: Pentium 4 3 GHz o equivalente
-Memoria: 1024 MB RAM
-Tarjeta gráfica: ATI Radeon x3800 de 512 MB o nVidia GeForce 8800 de 512 MB, o superior
-Espacio en el disco duro: 5 GB
-DirectX 9.0c

imagen: www.southpeakgames.eu, www.cheatsabc.com, IGN

Tu vida en 65'

2009-05-25T17:07:00.018+02:00

El pasado viernes 22 de mayo, Cayetana Guillén emitía, en su programa Versión Española de TVE2, Tu vida en 65', la última película de María Ripoll, directora de Lluvia en los zapatos, entre otras.

El filme, transcripción al cine de la obra teatral del mismo nombre ideada por Albert Espinosa, narra la historia de un joven, Dani (encarnado por el actor Javier Pereira), que se entera por casualidad de la muerte de un compañero de colegio y decide asistir precipitadamente a su funeral. Allí descubrirá que el fallecido no es quien él creía, y conocerá a la hermana del mismo, Cristina (Tamara Arias) con quién empezara a fraguar amistad. Entretanto, sus dos mejores amigos, Francisco e Ignacio (Marc Rodríguez y Oriol Vila), le acompañarán durante el desarrollo de la historia.

Esta película tiene muchos defectos y pocas cosas buenas. El primero y más importante es la elección de los actores protagonistas por parte de Ripoll, quien se empeñó expresamente, desafiando la voluntad de sus productores, en que estos no fueran famosos para crear así una obra más cercana, creíble y sensible. En vez de eso eligió al nefasto Javier Pereira, quien obsequiará al espectador con una interpretación tediosa e irritante, plana y plagada de coletillas y un insoportable soniquete a obra de colegio. Poco se puede decir en favor de Tamara Arias, quien tampoco da más de sí y mantiene la mueca constante de haber pisado un erizo de mar durante todo el metraje en que tendremos que soportar su cara.

Lo único de cercano y creíble lo aportarán los geniales Marc Rodríguez y Oriol Vila, relegados aquí a secundarios injustamente, pues ambos demuestran mucho más talento y sencillez a la hora de crear unos personajes de por sí bastante vacíos, pero a los que logran imprimir ciertos matices, o al menos acercarlos al espectador. Tanto que hasta llegan a eclipsar al protagonista.

Si uno consigue, como fue mi caso, que la nulidad que constituye su protagonista no le impida continuar viendo la película, quizá vea cierto interés en los temas que trata, a saber: filosofía vital oculta en pequeñas cosas cotidianas, como una lavadora; tratamiento banal de la muerte, cercano, casi poético; una historia hermosa, sin complicaciones, sobre un chaval que busca su sitio en el mundo. Pues bien, lamento decepcionarles, pero eso no durará mucho. Ripoll quizá cree que con que un personaje pase las horas muertas sentado frente a una lavadora centrifugando y afirmando que eso cambia tu vida, ese personaje ya es muy profundo, por el mero hecho de hacer semejante cosa. Que el espectador ya se identifica con él, ya lo ve como alguien cercano, alguien a quien comprende, a quien respeta. Nada más lejos de lo que realmente ocurre. Si un personaje no tiene motivaciones para actuar de un modo u otro, ese personaje esta inevitablemente hueco, y no podemos verle como a un igual. Sólo será alguien que mira absurdamente una lavadora creyendo que eso es muy importante y que está cargado de significado, y le veremos como a un extraño.

Lo que tenemos aquí es un burdo intento de imitación de las casi siempre grandes películas de Isabel Coixet, particularmente Mi vida sin mí. Se trata de una copia descarada, y lo que es peor, cutre y mal hecha, de la filosofía de lavandería que desarrollan de forma memorable Sarah Polley y Mark Ruffalo, y que aquí queda en un aborto mental sin sentido y que, incluso aunque hubiera sido una lección de cine, hubiera sido una lección en el arte de plagiar.

Y más allá de todo eso, de haber superado las malas actuaciones, el guión aburrido y las pretensiones de profundidad vital al estilo Jorge Bucay, agárrense porque aún queda el último detalle. Directora y guionista coinciden en que querían hacer una película sobre la muerte, sobre la gente que la ve como algo cercano y sobre los sentimientos que nos produce. Es triste saber que es lo que pretendían, para luego ver hasta qué punto han fallado. Lo que podría haber sido un intento de película sobre la cotidianidad de la muerte, sobre cómo la vemos, cómo la superamos y cómo nos marca, acaba siendo una película más sobre romances increíbles (y no me interpreten mal, me encantan las películas románticas), absolutamente incoherentes, fuera de lugar en el conjunto de la obra, y sin la suficiente fuerza y trasfondo como para justificar ser el núcleo del argumento. Es enormemente decepcionante ver cómo el tema del amor, tan recurrente y tantas veces retratado a la ligera, aparece como un fantasma en películas que intentaban contar otra cosa, y que al final se quedan a medio camino y tienen que recurrir a él para amalgamar una historia sostenida por alfileres, y no por grandes personajes.

El espectador será llevado de un sitio a otro, perderá la orientación y acabará por no saber qué esperar de esta película, y finalmente lo único que chirriará en sus oídos será el odioso tono de voz de Pereira y ese infantil tono ascendente, y verá con buenos ojos el final de una película que toma de aquí y allá, la estética documental, el guión coixetiano, las historias semicruzadas al estilo González Iñárritu, pero que no crea nada nuevo, ni a base de calcar. Yo me quedo, sin duda, con Oriol Vila y Marc Rodríguez, y deseo volver a verlos en más películas, pero esta vez como protagonistas. Ah, y con su banda sonora, sobresaliente sin duda aunque apenas incluye ninguna canción nacional.

imagen: acrobatasblogia, cinevideojuegos

Devorador

2009-05-19T18:15:00.007+02:00

El pasado sábado Cuatro rellenaba su sobremesa con la emisión de Devorador (Maneater, 2007), un telefilme de terror natural protagonizado por el veterano actor Gary Busey. Parece mentira que a casi cinco años del comienzo de sus emisiones, la cadena privada no haya establecido aún una oferta de cine interesante o, cuando menos, superior a las chapuzas audiovisuales con que suele zurcir los huecos de su parrilla.

Basada en la novela Shikar, escrita por el autor norteamericano Jack Warner, la película narra la historia de un pequeño pueblo de los Apalaches acosado por los ataques de un tigre de bengala. El sheriff Barnes, interpretado por Busey, será el encargado de proteger a los habitantes y lidiar con los medios de comunicación. Para ello contará con la inestimable ayuda de James Graham (Ian D. Clark), experimentado cazador que regresa de La India para dar con el felino. Durante su búsqueda, el viejo Graham se hará amigo de Roy, un niño que mantiene una extraña relación con el animal.

Devorador no deja de ser una clásica producción televisiva de serie B, caracterizada por su bajo presupuesto, apresurada realización y estéril guión. Viéndola creemos estar viendo una película propia de los años 90, si no fuera por alguna mención de los personajes a elementos de nuestra sociedad contemporánea como, por ejemplo, una PDA. Todo lo demás es tan arcaizante como, por desgracia, soporífero.

Lo primero que cabría criticar de esta producción es su pobre realización. Nos sorprende la absoluta ausencia de efectos por ordenador, algo que, en vista del empacho digital que sufrimos los espectadores, no sería del todo censurable. El problema radica en el mal - o casi nulo - aprovechamiento que se hace de los recursos disponibles: la inmensa mayoría de los ataques protagonizados por el tigre se nos mostrarán en escenas en las que, sin embargo, el tigre no aparece. Los actores tienen que simular estar siendo devorados por un imaginario depredador en escenas que provocarán más de una sonrisa, pues lo chapucero y barato de su realización, unido al poco inspirado trabajo de los intérpretes, atraviesan el absurdo para rozar el ridículo. Podremos disfrutar de las apariciones del felino sólo en algunas escasas escenas intercaladas a modo de cortinilla, así como en una pretendidamente épica escena final para la que se utilizó un animal amaestrado.

El guión también deja bastante que desear. El director canadiense Gary Yates no ha sido capaz de explotar la capacidad de algunos de los actores que encabezan el reparto. La película podría considerarse un discreto monumento al fracaso de Gary Busey, vieja gloria de los ochenta, hoy olvidada, que se ha resuelto incapaz de reflotar su carrera. Finalmente termina por dar con sus huesos en producciones de bajo calado como ésta Devorador, en la que Busey nos ofrece un papel bastante plano, lineal, algo histérico y construye un personaje tópico que, no obstante, no deja de caernos simpático. Papel que contrasta con la muy correcta actuación del británico Ian D. Clark, interesante actor relegado siempre a papeles secundarios. El inglés protagoniza, de hecho, la única secuencia memorable de la cinta, en la que mantiene una charla con el pequeño Roy.

Relación la de estos dos personajes totalmente desaprovechada por la película. El tigre se aparece en sueños al niño e incluso llega a dormir bajo su ventana, hecho nada baladí que es advertido y reflexionado por el veterano cazador. No obstante el guión terminará con dar al traste con las posibilidades de esta línea argumental, pues finalmente nos quedaremos sin saber qué se traían entre manos el felino y el enigmático muchacho. Es más, no llegaremos a comprender qué demonios pinta un tigre en la senda de los Apalaches; algún personaje aventura la idea de que se haya escapado en medio de algún intercambio ilegal de animales exóticos, pero la investigación del asunto quedará en nada.

En definitiva, es una película barata y pobremente realizada que deja muchos huecos y no ata los escasos cabos que logra soltar. Se desaprovecha totalmente la figura de personajes como el de Graham, convirtiéndolos así en cuadriculados estereotipos propios del cine industrial norteamericano. Resulta especialmente lamentable la manera en que el guión ningunea la conexión entre el tigre y el crío. El niño, criado en el bosque - donde vive solo con su madre - está profundamente ligado a la profundidad de su naturaleza, lo que no deja de enlazarlo al animal en el momento en que éste se convierte en parte de la fauna. Todo ello ayudará a que se sienta identificado y cercano al cazador, ya que éste también es, a su manera, un experimentado habitante de los bosques. Todo ello un muy sugerente cuadro argumental que queda reducido a un par de escenas y completamente abandonado en el resultado general de la película.

Tampoco los amantes del gore encontrarán aquí su rato de diversión; el escaso presupuesto hace imposible la adecuada interacción entre el tigre y los actores humanos, mientras el uso descarado de salsa de tomate hace daño a los ojos. Ni siquiera el espectador más despistado encontrará creíble ni la sangre ni otros elementos propios del cine violento que aparecen diseminados por la película. Las impresionantes localizaciones, sitas en la provincia canadiense de Manitoba, son igualmente desperdiciadas por culpa de una deficiente dirección de fotografía. Los espesos bosques son filmados de refilón y no se nos obsequiará, tan siquiera, con un solo plano general de la montaña y su ecosistema, lo cual resultaría bastante interesante.

Un telefilme que a lo sumo invita a leer la novela escrita por Warner. No hay que obviar que la historia y su realización resulta tan cuestionable como entrañable. Nos recuerda a aquellas viejas producciones de excitante terror natural que entretuvieron las infancias de algunos de nosotros en los últimos 80 y primeros 90. No le falta a esta película algo - o mucho - de Tiburón (salvando las distancias) y será vista con simpatía por los espectadores que acudan sin pretensiones; todo lo cual no quita que sea un filme tan lento como aburrido.

Probablemente Warner sacó algo más de jugo a la historia en su libro, lo cual queda de manifiesto en las muy escasas y pequeñas puertas que el argumento de la cinta deja entreabrir. Tal vez se trate de pequeños retazos de un cuadro superior y apetecible para los amantes del género que deseen buscar en Shikar lo que en Devorador no van a encontrar de ningún modo. Así pues, anímense a ello si lo desean.
Animarse a esta película, en cambio, es difícil, excepto tal vez para los coleccionistas de reliquias televisivas, series B, producciones de la América profunda o especímenes exhuberantes de realización chapucera. A mí, mientras tanto, me anima a sintonizar otro canal mientras Cuatro siga empeñándose en invitarnos a dormir la siesta haciendo uso de semejantes emisiones.

imagen: Wikipedia

World of Goo

2009-05-12T23:00:00.005+02:00

En un mercado tan saturado como es el de los videojuegos es difícil hoy en día encontrar títulos interesantes, atractivos y que, en definitiva, rompan aunque sea un poco con la tónica comercial a la que nos tienen tan acostumbrados las compañías de videojuegos. Pero, afortunadamente, de vez en cuando aparece un estudio o grupo de gente -en este caso se trata únicamente de dos personas- que sabe darle una vuelta al arte de crear videojuegos, que saben que eso que están haciendo es arte y que hay cantidad de jugadores que lo vemos de esa manera. Me estoy refiriendo a la compañía 2D Boy y a su World of Goo.

World of Goo es uno de esos juegos que deja huella. Mas allá de los premios por los que ha sido alabado, -que para un servidor tienen poco o ningún significado- destaca, no sólo por su genial y adictivo estilo de juego, sino por su saber hacer. Destaca por su belleza implícita en prácticamente todos los aspectos del videojuego. Es toda una delicia para los sentidos notar como nos lleva a través de un cuento; una fábula, si cabe, en la que disfrutar del aspecto sonoro y visual de esta gran obra.

El juego se podría encuadrar dentro del género puzzle. La mecánica es simple; hay cuatro mundos a superar más un epílogo; en cada mundo hay una serie de fases en cada una de las cuales deberemos salvar un número concreto de bolas de Goo llevándolas hasta una tubería para poder pasar a la fase siguiente. ¿Cómo hacemos para llevar las bolas de Goo hasta la tubería? He aquí la verdadera esencia jugable: en cada fase tendremos a nuestra disposición un número limitado de bolas de Goo, con las que tendremos que rompernos el coco -en unas fases mas que en otras- para construir una serie de estructuras uniendo las propias bolas entre sí. Estas estructuras que construyamos se verán afectadas por multitud de factores que nos impedirán llegar a la tubería en cuestión: la propia ley de la gravedad, el viento, obstáculos móviles dispersos por el escenario, etc. A su vez, para poder superar los diversos obstáculos tendremos a nuestra disposición distintos tipos de bolas de Goo con propiedades únicas: unas serán mas ligeras, otras se pegarán mas fácilmente a las paredes, las habrá que nos permitan flotar, etc.

El juego nos ofrece también una especie de modo online llamado World of Goo Corporation. Las bolas de Goo que vayamos salvando por encima del límite mínimo para pasar de fase se nos acumularán en la World of Goo Corporation. En este modo podremos construir con estas bolas sobrantes una torre a nuestro antojo, de manera que conforme vayamos subiendo iremos viendo -siempre que estemos conectados a internet- a distintas alturas nubes de color blanco que representan a jugadores de todo el mundo que en ese instante están construyendo sus torres de Goo en sus respectivos juegos. Por tanto el objetivo de este modo es simple: construir una torre de Goo mas alta que el resto de personas que podemos ver con sus nubes. Desgraciadamente este modo online, al no ofrecer nada más, se convierte en una mera anécdota en la que entretenerse construyendo estructuras de forma libre y sin preocuparse demasiado de a qué altura se llega.

Asimismo el juego contempla un sistema de "logros" llamado OCD (Obtención Compulsiva de Distinciones). En cada fase se nos ofrecerán diferentes retos a superar, a saber; completar la fase en un límite de tiempo, salvar a mas de un número concreto de bolas y otra serie de retos similares. Desgraciadamente y al igual que el modo online, estos "logros" no aportan nada a nivel jugable, no se nos da ningún tipo de premio, ni fases extra ni nada parecido, únicamente sirve para alargar la corta vida del juego.

Y he aquí el que es, en mi opinión, el punto mas negativo del juego: la duración. Y digo que es el punto mas negativo, no solo porque sea corto en cuanto a número de fases sino por su simplicidad. Muchas de las fases pecan de ser extremadamente simples, aspecto aún mas negativo si tenemos en cuenta el espíritu retro que respira el juego. Las dos dimensiones, la mecánica, el gusto por la belleza de los escenarios... todo recuerda a otra época menos la duración y la dificultad. La curva de aprendizaje está muy bien implementada y cualquier jugador aunque no sea jugador habitual verá como es atrapado por la mecánica de World of Goo, pero para los mas curtidos se echa de menos fases que supongan un verdadero reto y, sobre todo, mayor duración. Aún así también hay que tener en cuenta que el juego pretende contarnos una historia, un cuento, al fin y al cabo, y no queda muy claro si alargar la duración sin sentido habría sido buena idea, aunque también se podría haber echo algo para hacerlo mas rejugable que un simple sistema de logros. En fin, una pena.

Pero como he dicho esto sólo es un punto negativo y hay muchas mas cosas por las que se disfruta, una de ellas es, como ya he comentado, el argumento en forma de cuento. A lo largo de las fases veremos una serie de carteles al fondo del escenario que, pinchando encima de ellos, nos darán un mensaje o una simple pista de como resolver la fase correspondiente. Estos carteles intentan seguir una historia y formar un transfondo ya que todos están firmados por el misterioso "escritor de carteles". Intento, a mi juicio, exitoso ya que sin apenas darnos cuenta estaremos pensando sobre lo que nos encontraremos o lo que pasará en la fase o mundo siguiente. Así, cuando vayamos completando mundos irán ocurriendo diversos hechos que darán aún mas consistencia a la historia, hasta llegar al apoteósico final. Del argumento, a su vez, se pueden extraer numerosas lecturas, dejando así a la imaginación del jugador lo que representan diversos hechos ocurridos a lo largo de la partida. Al mismo tiempo se puede sacar una lectura crítica de diversos aspectos de la sociedad como los chats tipo messenger o los conceptos establecidos sobre la belleza en la sociedad actual. Una auténtica fábula en forma de videojuego de la que cada uno sabrá obtener lo que más le guste.

A esta gran inmersión ayuda y mucho la música, aspecto a mencionar gracias al genial trabajo de Kyle Gabler, uno de los dos creadores de World of Goo. La banda sonora es magnífica, ayudando a la inmersión en las distintas fases con melodías acorde al trasfondo de cada una. Asimismo mención especial merecen los efectos de sonido, que serán diferentes dependiendo del mundo en el que nos encontremos y su temática.

Por último y ya para concluir: el sistema de juego, el aire retro, el argumento, la música; World of Goo es un compendio de saber hacer por parte de dos programadores que supieron darle un aspecto nuevo a los videojuegos. Una verdadera obra de arte que, paradójicamente, no podría haber sido posible con un presupuesto meteórico y un gran estudio detrás.

Idioma:

-Textos: Español

Plataformas: Wii(WiiWare) y PC

imagen: cine&videojuegos, IGN

La Huella

2009-05-10T20:31:00.015+02:00

En su tercera reposición de la serie de películas Maestros del Terror (Masters of Horror, 2005), Cuatro ofreció ayer La Huella (Imprint, 2006) dirigida por el japonés Takashi Miike. Maestros del Terror, colección creada por Mick Garris, consta de trece producciones independientes, sin relación argumental entre sí, realizadas por directores especializados en el género, entre los que se cuentan nombres de la talla de John Carpenter.

Es criticable el pésimo horario que la cadena privada ha escogido para su emisión (a altas horas de la noche del sábado); si bien es cierto que la serie no resulta apta para todos los públicos, sería conveniente hacerla más accesible así como darle la promoción que merece, algo que Cuatro no ha hecho a lo largo de sus varias reposiciones. Hay que reconocer que dicha producción resulta bastante irregular, lo cual no deja de hacer recomendables algunos de sus capítulos, entre los que destaca la escalofriante realización de Miike.

La Huella narra la historia de Christopher, un periodista norteamericano que viaja al Japón decadente del siglo XIX en busca de Komomo (Michie Itô), una mujer de la que está profundamente enamorado. Interpretado limpiamente por Billy Drago - mítico actor underground casi especialidado en el género terrorífico - Christopher lleva su búsqueda hasta un burdel infecto, enclavado en una isla corrupta y misteriosa. Allí conoce a una inquietante prostituta de rostro deforme (Youki Kudoh) , antigua compañera de Komomo, quien le revelará la sórdida historia de su amada y la suya propia.

Pese a ser una producción de factura japonesa, que nadie espere encontrar en La Huella nada propio del terror oriental que tan buenos réditos ha dado a Hollywood en los últimos años. El film de Miike poco tiene que ver con el espectro recurrente de mugriento camisón y pelo enmarañado sobre la cara; en lugar de ello bebe del clásico terror norteamericano de serie B a la vez que incorpora los peores elementos del cine histórico e incluso costumbrista.

La Huella narra una historia fantasiosa y escalofriante, incluyendo algunas escenas difíciles de mirar. Los poco tolerantes con el gore explícito encontrarán difícil acercarse a la trama; admito que yo mismo me he encontrado casi indispuesto al contemplar algunas de sus escenas de crueldad altamente realista sobre torturas y otros hechos desagradables.

Pero lo que realmente convierte a La Huella en una cinta de terror de gran calado es su magistral ambientación y su argumento sórdido, crudo y casi sádico. Ambientada en un Japón al borde del colapso, pobre y miserable, la película nos pone en situación e inocula en nosotros el desasosiego mucho antes de mostrarnos escenas repugnantes, violentas o imaginativamente tenebrosas. Se recrea con brutal fidelidad un país deshecho en el que la gente muere de hambre, los cadáveres se pudren entre las aguas infectas de un mar implacable y la violencia es el desayuno diario de numerosas familias.

Una fotografía que se cuenta entre lo mejor que hemos podido ver en televisión en los últimos meses dibuja un cuadro escalofriante sobre un Japón desconocido y putrefacto. El juego continuo de colores, la incómoda combinación de matices y el uso inteligentísimo - y lo mejor de todo, artesanal - de efectos tan viejos como la niebla o las aguas vaporosas crean en el espectador una sensación de desagrado, vértigo e inquietud de lo más estimulante. Miike hace uso de sus años como realizador y las numerosas triquiñuelas aprendidas para lograr que estemos predispuestos no al susto, sino al miedo indefinido y visceral incluso cuando estemos viendo planos de excepcional belleza y ambientaciones a plena luz del día, sin hacer uso de oscuridades, medias tintas ni rayos y relámpagos. Es destacable - y de agradecer, en mi opinión - la ausencia de efectos sonoros para resaltar los sustos, que por el contrario se dejan llevar a sí mismos y deben ser descubiertos por el espectador, lo que demuestra que Takashi no nos toma por tontos.

No podría decidir si La Huella narra una historia de espanto por sus elementos fantásticos o por los realistas. El argumento se enmarca en un enorme cuadro costumbrista - de lo más educativo - que no escatima a la hora de tratar temas escabrosos como la prostitución, el maltrato, la tortura, el aborto, el alcoholismo, la violencia doméstica, marginación social, pobreza extrema y abuso sexual en apenas sesenta minutos. Takashi Miike tampoco deja pasar la oportunidad de hacer crítica social, a la vez que nos aterroriza y nos desagrada. Debemos apreciar el hecho de que el japonés juega con la idea de un espectador atento e inteligente; la trama obliga constantemente a pensar, a construir el hilo argumental, a encajar piezas, a estar atento y advertir los pequeños detalles, a formarse una opinión sobre los personajes y el mundo que habitan.

Como principal dato censurable cabría destacar la extrema virulencia de las escenas violentas, rayanas en el mal gusto - siempre desde un punto de vista subjetivo -. Las personas impresionables deberán cerrar los ojos u omitir dichos cortes; mientras otros espectadores (entre los que me cuento) encogerán las tripas y agradecerán la valentía de un director que se atreve a mostrar (y denunciar) la extrema crueldad y sadismo que hay en prácticas execrables como la tortura o el abuso, sufrido especialmente por las mujeres.

La decoración y vestuario está cuidada al detalle; al mismo tiempo que busca el rigor histórico y el realismo, se permite la licencia de inventar atuendos y caracterizaciones estrambóticas con el fin de presentar un mundo decadente, absurdo, precipitado a la extinción y habitado por personajes corruptos, tan excéntricos como decrépitos. La sobrecogedora capacidad de absorción de La Huella hará que nos encontremos, durante una hora, presos de un Japón en proceso de autodestrucción, habitado únicamente por los demonios y las putas - como declara una de las protagonistas- . En definitiva, una película recomendable para cualquier estómago fuerte, no apta para vientres sensibles y, desde luego, imprescindible para los amantes del género terrorífico.

imagen: The Uranium Cafe, The Redrum Blog, DVD Active

El Cuervo 3: La Salvación

2009-03-26T14:17:00.022+01:00

El pasado martes La Sexta emitía El Cuervo 3: La Salvación, (The Crow: Salvation, 2000); tercera parte de la trilogía que Hollywood se sacó de la manga a partir de El Cuervo (The Crow), cinta de culto intachablemente dirigida en 1994 por Alex Proyas.
Es preciso comentar que conseguir una continuación de calidad para dicha película es muy difícil; hay que competir con una dirección impecable, una estética cuidada al milímetro, una banda sonora sobresaliente, un guión de la mayor complejidad y, sobre todo, con la interpretación de un Brandon Lee magistral, inspirado y elevado a la categoría de mito por su triste fallecimiento durante el rodaje.

El mito de El Cuervo, dibujado en 1989 por el autor nortemaericano James O'Barr, nos cuenta la historia de un hombre cruelmente asesinado junto a su esposa que recibe una segunda oportunidad para reparar el daño y lograr así el descanso eterno. Con este argumento se rodaron la primera película y su mediocre secuela, que copiaba a la original de mala manera prácticamente en todo.
El Cuervo 3, en cambio, intentó darle una vuelta de tuerca al mito y precisamente por eso se ha convertido, a mi juicio, en un ejemplo excelente de cómo crear una secuela pésima, un auténtico despropósito, un subproducto de bajo consumo. No sólo es una mala película, que lo es, sino que además, en su arrogante intento de innovar sobre una historia de culto, es además una mala película con pretensiones, lo cual resulta lamentable.

Mientras El Cuervo: Ciudad de Ángeles (The Crow: City of Angels, 1996) pretendía sólo imitar y conseguía, aun siendo un film cutre y mal hecho, al menos entretener; así Bharat Nalluri, director de El Cuervo 3, pretende en cambio construir un argumento nuevo, una película que rompiese con sus antecesoras, y se estrella en el intento.

Si hubiese rodado una cinta de guión excepcional, de originalidad sorprendente, con una trama arrebatadora o con unas interpretaciones brillantes, el intento habría sido, por mi parte, aplaudido. Como espectador soy amigo de la innovación, me gustan las adaptaciones libres y las considero, cuando están bien hechas, un chorro de aire fresco que puede revitalizar viejos mitos oxidados. Pero aquí tenemos dos circunstancias: que el mito del Cuervo no está oxidado (apenas tiene veinte años y, en el cine, aún menos) y que la película que nos ocupa no está bien hecha.

Lo primero que nos desagrada es su aspecto de telefilme. Quien esperase encontrar en el film algo de la vieja y legendaria idiosincrasia de El Cuervo debe ir olvidándolo: se sustituye el atuendo típico de Eric Draven por un uniforme de preso. Y es que en esta entrega el cuervo no es otro que el ingeniosamente nombrado Alex Corvis (del que Eric Mabius saca una lectura plana) que no busca vengarse de quienes le mandaron injustamente al otro barrio, sino de los que consiguieron que, injustamente, fuese ejecutado en la silla por un crimen que no cometió. Primera revisión del mito que a mí, personalmente, no me convence nada.

Por este motivo tenemos que el clásico aspecto del cuervo caracterizado como un arlequín siniestro no se deba al maquillaje, sino a las quemaduras producidas por la sádica máquina de matar norteamericana. Alex Proyas y Brandon Lee nos dejaron una de las escenas más bellas de la película en aquel momento en que Draven decide que ya no es Draven, sino el Cuervo, y cierra esta decisión maquillándose ante un espejo.

Aquí en cambio Bharat Nalluri, el guionista Chip Johannessen y el equipo de maquillaje nos regalan una de las escenas de mal gusto más repugnantes que he visto en mucho tiempo: Corvis, en lugar de maquillarse, consigue sus marcas de arlequín arrancándose su propia carne putrefacta. Les recomiendo que rebobinen si se les ocurre verla.

Desaparecen absolutamente la fantasmagórica belleza, el homenaje a la cultura gótica, la mitología rock que empapaba cada plano del filme de Proyas. En lugar de todo esto se nos ofrece una cinta hueca, de aspecto asquerosamente televisivo, con interpretaciones vacías y en la que los hechos ocurren excesivamente deprisa, sin explicación, como porque sí. Actores de cierto potencial son totalmente desaprovechados - hay una breve aparición de Kirsten Dunst - y el guión parece escrito sobre la marcha.
De esta película merece la pena, tan sólo, su recomendable banda sonora, muy superior a la calidad general de la cinta, y único elemento de la misma que ha sobrevivido al olvido, habiendo obtenido cierto reconocimiento.

Admito, como sin duda podrían echarme en cara los lectores si quisieran, que la presente crítica la escribo totalmente contaminado por la influencia de una de mis películas favoritas. Que no soy en absoluto objetivo porque estoy valorando la continuación de una obra que considero sobresaliente. Pero, ¿hasta qué punto una crítica puede ser objetiva? Y, sobre todo, cabría preguntarse: ¿hasta qué punto puede el cine plantearse sacar sagas a partir de obras de culto? Son incontables los ejemplos de secuelas innecesarias que han explotado de forma lamentable el prestigio de trabajos míticos.

En mi opinión, de revisarse viejos y excelentes productos cinematográficos, debe hacerse, en primer lugar, con la humildad que corresponde a quien mete mano a un mito. Debe hacerse con originalidad, buen hacer, corrección y esfuerzo. El Cuervo 3, por su parte, adolece de mala realización, ambientación cutre, interpretaciones huecas e incluso escenas desagradables. Y se diría que Hollywood no descansará hasta asesinar de una vez por todas al Cuervo (qué paradojico) pues ya está proyectada una innecesaria readaptación del film original. Que no va a alcanzar, ni de lejos, la calidad de la primera entrega es casi seguro; la pregunta es: ¿será aún más mala que El Cuervo 3: La Salvación? Lo tiene difícil.

imagen: A boy and his bird

Doeo

2009-03-06T14:05:00.008+01:00

A través de la página de Carlos González Tardón, Videojuegos: el futuro está en tus manos, he sabido de la existencia de un juego perteneciente a la muy numerosa especie de los programados en flash; Doeo.

El juego esta inspirado en una idea original del programador Takahiro Miyazawa, y desarrollado por un joven diseñador de inquietante trayectoria conocido como Marcus Richert. Citando sus propias palabras, "se trata de un juego minúsculo, cuyo desarrollo estuvo lleno de minúsculos detalles".

Siempre he creído que en materia de juegos flash existen dos vertientes totalmente enfrentadas, a saber: los que buscan entretener, simple y llanamente, aunque sea a costa de mostrar las situaciones más grotescas y vacías de significado, sin aportar nada más al conjunto, y los que aspiran a crear algo hermoso, que trascienda el mero objetivo de conseguir que el usuario no invierta su tiempo en algo más provechoso. Y Doeo se enmarca dentro de este segundo grupo.

Los anteriores proyectos de Raitendo de los que había tenido noticia siempre se han caracterizado, a mi parecer, por ofrecer lo mismo a nivel jugable o de entretenimiento que otros clásicos del género, pero sumándole siempre un toque artístico y muy personal que resulta, permítanme la expresión, maravilloso. Es un juego flash de tantos, perfectamente sencillo, simple hasta lo elemental y con un mecanismo que crea cierta adicción, eso es indudable. Pero todo en él está diseñado de un modo tan colorista, tan cuidado, la música es tan fantásticamente absurda y evocadora, los escenarios se transforman constantemente de manera tan bien integrada, tan fluída... jugándolo yo he sentido como si los años no hubieran pasado y aún estuviera en los humildes salones recreativos (si es que se les podía llamar así) de mi pueblo, haciendo cola para echar una partida a Knights of the Round, Snow Bros o Bubble Bobble. Es, casi casi, como si estuviera disfrutando del inolvidable Baku Baku Animal de Sega Saturn, pero teletransportado al futuro o algo así.

Y usted se preguntará; ¿pero realmente este hombre puede haber sentido tantas cosas jugando a un juego que se completa en unos tres minutos y que, se mire por donde se mire, carece completamente de sentido? La respuesta, indudablemente, es sí. Los que, como yo, vivimos el inicio de este arte que son los videojuegos -en todas sus formas- desde su más tierna infancia agradecemos, a día de hoy, propuestas que rindan homenaje a su glorioso pasado pero que a la vez dirijan la mirada al futuro. No hicieron falta más que dos botones para que la música, el color, el movimiento y la arrasadora personalidad de un sencillo erizo azul nos conmovieran en Sonic 2; uno para saltar, y otro para moverse.
Lo que quiero decir es que del mismo modo que con el tiempo se ha pasado de Doom a Half-Life, o de Streets of Rage a Max Payne, también casos como este son una evolución. Aunque aquí la evolución es puramente artística, sin complejidades argumentales o escénicas. Puramente artística.

Baste mencionar que el diseño de los niveles está inspirado en cuadros del padre del propio autor, pintor amateur, y que está buscando artistas desinteresados para una secuela de Doeo en la que actualmente está trabajando. Sí algún lector desea contactar con él puede hacerlo a través de su página, arriba enlazada.

A decir verdad, lo que realmente he sentido con este juego ha sido como si realmente hubieran pasado los años, pero hacia un futuro en que los videojuegos -y no hablo sólo de sus creadores- evolucionaran también hacia el arte y no sólo hacia el impersonal imperio del mercado y las productoras. Un futuro utópico, lo sé, pero que yo todavía aguardo, no falto aún de esperanza.

Jugar a Doeo

imagen: zip-zapgames

Push

2009-03-04T19:20:00.013+01:00

Fui a ver Push muy interesado por dos razones. La primera por su temática (los superhéroes nunca me han disgustado, más bien todo lo contrario) y la segunda por su cabeza de reparto, el enorme Djimon Hounsou. Aunque este aluvión de películas sobre superpoderes ha arrastrado una enorme cantidad de basura cinematográfica, quise darle una oportunidad a Push en la creencia de que Djimon Hounsou no trabajaría en una película del corte de Spiderman 3 o Los 4 fantásticos, auténticos despropósitos.

Y ciertamente Push no es un despropósito, pero está muy lejos de ser una buena película. Más bien todo lo contrario, tiene todas las papeletas para acabar siendo considerada como un fracaso estrepitoso, si bien no llega a ello; se salva de ser un insulto al espectador ávido de buenas historias de ficción, pero por poco. Veamos por qué.

La película comienza con un flashback muy convencional, mostrándonos al padre del protagonista encerrado con este en una habitación, huyendo de una especie de cuerpo de operaciones especiales en cuyas manos ambos están a punto de caer. El padre dedica unas palabras que pretenden ser solemnes al hijo, le facilita la huida y finalmente se enfrenta a la desesperada con sus perseguidores, entre quienes se encuentra Hounsou en el papel de Henry Carver, un agente de la División.
Tras este prólogo sigue la secuencia de apertura en la que una voz de niña nos relata el frágil argumento de la obra: tras el final de la Segunda Guerra Mundial, las actividades de la División de lo Paranormal de las SS de Hitler sobre ingeniería genética y potenciación de las capacidades físicas y cognitivas fueron retomados por un organismo secreto estadounidense conocido como la División. En ella se localizan, capturan y entrenan a personas de todo el mundo que nacen con poderes suprahumanos, tales como telequinesia, capacidades curativas, visión del futuro, olfato hiperdesarrollado, control de las ondas sonoras... Y será lo único que sabremos de ellos en toda la película, pues en ningún momento se le contará al espectador, ni directa ni indirectamente, cuáles son las aspiraciones u objetivos de dicha División ni, en definitiva, qué pretenden hacer con todos esos superhombres con los que cuentan.
Y finalmente veremos como una chica escapa de las instalaciones médicas de dicha corporación, ante la mirada de Carver, llevándose algo muy valioso consigo.

Y a partir de ahí, más o menos el minuto 14 de metraje, nada avanzará en la historia, no tendrá lugar ningún giro de guión y tampoco aparecerán personajes de peso, o al menos que enganchen o que tengan un mínimo de carisma.

Tampoco sabemos cómo encajan los protagonistas en la historia. Nick Gant, interpretado por Chris Evans (la Antorcha Humana en Los 4 Fantásticos, por cierto) escapó de la División cuando era niño, donde iba a recibir entrenamiento en telequinesia, o como Quinético, según la nomenclatura del film. Esta le tiene bien controlado, cosa que él sabe y no parece importarle mucho. Por su parte, Cassie Holmes (Dakota Fanning), una niña de trece años, va tras él para proponerle una aventura bastante poco creíble, la búsqueda de una maleta que ha visto en el futuro (pues ella es una Vidente). El tercer elemento de este triángulo lo componen el propio Carver y la chica huida, ambos maestros en el arte del Mentalismo, esto es, penetrar en la mente de los demás e implantar falsos recuerdos, a veces de toda una vida, para ganarse la confianza de otros o impulsarles a actuar de un modo determinado.

Digamos que podría haber existido una especie de combate entre Quinéticos, Videntes y Mentalistas, pues en el bando de la División los malos de la película cuentan con una Vidente china, competidora del personaje de Dakota Fanning por encontrar la maleta antes que ellos, y el guardaespaldas de Carver, un Quinético de gran poder interpretado por Neil Jackson, uno de esos eternos secundarios que con su atractivo y potencial podría llegar muy lejos, pero que no llega.

Yo no pedía mucho de esta película. Sabía que no iba a ser una obra que recordase el resto de mi vida, y sabía que no iba a ser una gran obra de ciencia ficción. Pero al menos pedía ver una película de acción decente. En vez de eso, me encontré con una triste y aburrida parodia de X-Men, sin la profundidad filosófica y social de esta -cosa con la que contaba-, pero también sin ni una de sus magníficas secuencias de acción. Si ni denuncia, ni propone dilemas éticos ni de ningún tipo, y encima aburre, ya me dirán ustedes qué se le puede sacar a esta película.
Si a usted no le gusta Djimon Hounsou ni Dakota Fanning, ni el cine de acción, ni el de superhéroes, ni el de corte fantástico en general, temo que absolutamente nada.
Si por el contrario le gusta algo de lo que he nombrado, como es el caso del que escribe, entonces quizá pueda extraerle algo constructivo y por lo menos disfrutarla un poquito, aunque poniendo mucho de su parte.

Apuntaba maneras, y el argumento era más que adecuado para haber moldeado una gran historia de acción sin muchas pretensiones, si hubiera habido algún combate bien construido entre superhombres -aparte del amago protagonizado por los dos Quinéticos del filme-, o la historia hubiera tenido alguna consistencia, o se hubiera notado esfuerzo por contarla, al menos, de forma ordenada y correcta.
Fue atrevido por parte del guionista David Bourla mostrar las lágrimas de Dakota Fanning temiendo su propia muerte, o intentar crear un final con sorpresa formado por retazos de guión al estilo Memento -desaprovechando, eso sí, el potencial que tiene sumergir al espectador en un mundo de recuerdos cambiantes y pérdidas repentinas de memoria-; pero si él fue el responsable de mostrar constantemente las delgadas piernas de esta joven actriz vestida de prostituta del Retiro sin venir a cuento, o de que nos creyésemos un romance absurdo entre el personaje de Evans y la insulsa Camilla Belle, creo que no le hizo ningún favor a la película. Sobre todo teniendo en cuenta que estamos ante una película rodada por y para adultos, y no para adolescentes. Creo que Paul McGuigan debería dejar de contar con él para futuros proyectos.

Esperaba más del director de El caso Slevin, la verdad. Una chapuza.

imagen: aceshowbiz, estrenoblog, shokya

¿Quién quiere ser millonario? Slumdog Millionaire

2009-02-16T10:52:00.016+01:00

La última propuesta del ecléctico director británico Danny Boyle nos traslada a la India, donde un chaval de apenas 18 años, procedente de uno de los barrios más pobres y violentos de Bombay, se encuentra a punto de ganar el concurso ¿Quién quiere ser millonario? sin que nadie pueda explicarse cómo es eso posible.

Con Slumdog Millionaire el cineasta ha logrado una vez más trascender géneros y mostrar algo nuevo, un proyecto distinto que llega a sorprender, a enganchar y a conmover por igual incluso aunque se enmarque en un plano que nos resulta tan ajeno como la India, o tan impersonal como la burda televisión. Y ha logrado además contar una historia que amenaza según uno la cuenta con caer en el estereotipo, la politización o la lágrima fácil, con increíble entereza y poder narrativo, no alineándose a un bando o a otro sino dándonos a entender ambos, para que seamos nosotros quienes juzguemos por qué ocurre lo que él cuenta.

El cuerpo principal de la obra lo constituyen dos hilos temporales y argumentales, ambos bien diferenciados; por un lado tenemos los momentos relativos al propio concurso, y por otro los numerosos flashbacks que componen casi todo el nudo de la trama, y que recorren desde la infancia de los protagonistas hasta momentos antes de la acción. Este último hilo de desarrollo es lo que va a vertebrar la obra y a darle sentido, mostrando el cómo y el por qué de los protagonistas de la historia (dos hermanos) a través de las circunstancias acaecidas en su infancia y juventud, de las cuales se extrae un claro mensaje: la India no está preparada para acoger nuestro capitalismo.

Ya es habitual en el cine de este director ridiculizar, deformar o someter a exámenes éticos nuestro modo de vida, poniendo a sus héroes en situaciones límite provocadas por el mismo, o haciéndoles creer que este puede salvarles de algo insalvable. Así, veíamos a Ewan McGregor intentar escapar mediocremente a la drogadicción convirtiéndose en un perfecto hombre gris en Trainspotting; a los protagonistas de 28 días después afrontar impotentes un futuro apocalíptico por culpa de los excesos de la ciencia; o a los tripulantes de la nave Icarus II perder la noción de la realidad tratando de salvar el mundo con una bomba atómica en Sunshine.

Del mismo modo, en Slumdog Millionarie se muestra abiertamente la entrada en India de un capitalismo infecto, que penetra por sus calles como lo hace la inmundicia y los gérmenes en una herida abierta, dañando los tejidos y contagiando al cuerpo de las más variadas enfermedades, a saber: extorsión, desigualdades sociales, analfabetismo, vandalismo, cárteles de la droga, asesinatos, corrupción, violencia sin sentido y un interminable etcétera. El mensaje que transmite el film es de rechazo a una forma de gobierno social que pretende imponerse como una herencia forzosa, de manera dolorosa y obligada, a un pueblo numeroso y en crisis, sólo porque a nosotros nos conviene. El concurso ¿Quién quiere ser millonario? y la participación del protagonista, Jamal Malik, en él, es la confrontación entre esas dos partes de India; la que acepta el modo de vida occidental y se sirve de sus peores métodos para alcanzar sus objetivos, y la que lo sufre y no lo comprende, tratando de adaptarse de golpe al no vislumbrar otra salida.

No se aduce a que el capitalismo sea el demonio ni nada por el estilo, sino que no es lícito dejar que sean los corruptos y asesinos quienes aleccionen a la juventud hindú sobre él. El clásico sistema occidental para con los países en la línea del tercer mundo, esto es, tomo lo que quiero cuando quiero y como quiero, sí queda inevitablemente condenada.
Boyle no pretende, recalco, culpar a este fenómeno de todos los males de aquel país, sino sólo dejar ver que el que occidente impone es un mal sobre otro mal, sobre muchos otros que la India viene arrastrando desde hace siglos. Las guerras de religión, por ejemplo, o los graves problemas de salud pública que sufre el país quedan reflejados en la película como problemas inherentes a una India ancestral, a la que no se ha dado tiempo ni medios para adaptarse al cambio global.

Dicho esto, diré que lo primero que hay que destacar de Slumdog Millionarie es el marco espacial de la historia, la India y la propia ciudad de Bombay, o Mumbai, como allí se la conoce. Es perfecta para reforzar claramente la idea de desarrollo insostenible que el filme denuncia. La India que se nos presenta es desigual, llena de ignorancia y analfabetismo; los sicarios y capos de la droga actúan paralelamente a los paseos del guiri absurdo, ansioso por visitar los tres monumentos que conoce por foto antes de que terminen sus días libres, ya que ha elegido viajar durante 24 horas para poder ir más lejos que su vecino. El turista occidental medio, un animal de oficina poco dado a usar las manos para algo que no sea teclear, se opone en Slumdog Millionaire a la ingente infancia hindú, que les mira como presas de las que rebañar unos dólares y así seguir adelante. Y es ese sin duda uno de los detalles más logrados e interesantes de la película, su capacidad de arrastrar al espectador a la inmersión total. Nos sentiremos al lado de esos niños que se abren camino entre el estiércol de vaca sagrada y los escombros de las casas donde se criaron, seremos partícipes de sus penurias y comprenderemos sus miedos y motivaciones. El espectador diferenciará con toda claridad a los que no se dan cuenta del camino al que India se ve empujada, y a aquellos que ya andan por él y usan sus armas para no ser devorados.

¿Quién quiere ser millonario? Slumdog Millionaire es una película de marcado corte documental, en la que se relata una historia dentro de otra historia, y que unidas retratan lo que es India hoy a ojos de un mundo globalizante. Por otra parte, existe un tercer elemento de la historia, una relación amorosa, que posiblemente algunos encontrarán tópica y fuera de lugar, pero que sirve para dar sentido a un desarrollo que quizá pudiera adolecer de cierta carencia de unidad sin un elemento de este tipo.

Se trata de un filme simpático en muchos aspectos, duro en otros, si bien fácil de ver y que podrá atraer a un amplio abanico de espectadores; ya es usual en el trabajo de Danny Boyle el acercar géneros de carácter minoritario a un público más variado. Aún así, es de destacar que aquel que busque en ella una película compleja, especialmente densa o más centrada en lo documental, hallará en Slumdog Millionaire una obra quizá algo ligera, aunque no exenta de interés. Como ha sido llamada en medios ingleses, "the feel-good film of the decade", e incluso comparada con la archipremiada Juno, y tal vez no con falta de razón. Sin llegar a catalogarla como para toda la familia, sí que es una de esas películas aptas para todo tipo de cinéfilos y capaces de gustar a críticos que muy rara vez coinciden.
Sin duda estamos ante una película que se sale del baremo que ha llevado el cine angloamericano durante todo 2008, que aportará aire fresco y algo de frescura, aunque sólo sea porque apenas veremos un solo rostro no hindú en toda la obra, y con la que podremos disfrutar de un prometedor actor, Dev Patel, todo un descubrimiento para mí y quizá también para ustedes. La recomiendo para todo tipo de público.

imagen: elindependent, firstshowing, collider

Resistencia

2009-01-28T20:34:00.013+01:00

Para valorar una película sobre la Segunda Guerra Mundial me resulta indispensable la originalidad teniendo en cuenta lo trillado del género. A este respecto fue una muy agradable sorpresa El niño con el pijama de rayas, una película ambientada en los campos de concentración que adoptaba un punto de vista novedoso y valiente: el de los alemanes.

Sin llegar a ser tan revolucionario, es valiosa la propuesta de Resistencia (Defiance), dirigida por Edward Zwick. Lo que este film nos ofrece es una historia básicamente tradicional; una aventura de género bélico con logradas escenas de acción, buena ambientación y, en mayor o menor medida, personajes tipo resueltos de forma rápida y efectiva. No obstante, es importante la originalidad en el planteamiento argumental.

Mientras la mayor parte de las producciones americanas del género suelen caer en estereotipos, ofreciendo la vieja antagonía "aliados vs. nazis", Resistencia se centra en las penurias de un grupo de partisanos, combatientes históricos olvidados por el cine de época. Se narra la lucha del grupo Bielski, una guerrilla de judíos polacos que se opuso a los nazis en la Polonia ocupada y salvó a mil doscientas personas de morir en el guetto de Novgorodok.

Partiendo de esta base se construye un filme convencional en sus formas y continuista con el género, pero de una gran calidad. No hay experimentos narrativos. La trama se centra en los avatares de los hermanos Bielski, líderes de la guerrilla, entre quienes destacan los personajes de Tuvia y Zus. El director utiliza hábilmente a ambos combatientes para representar las dos clásicas posturas ante una situación tan desesperada: la calma, moderada y serena frente a la apasionada, vengativa y violenta.

Es precisamente aquí donde reside el verdadero interés de Resistencia. Tuvia, interpretado por el actor británico Daniel Craig - conocido por las últimas entregas de James Bond - el mayor de los tres hermanos y comandante de hecho de la guerrilla, intenta alejarse del tópico héroe épico para ser una persona humana en una situación desesperada de asfixiante responsabilidad. Al cargo de la alimentación, salud y, sobre todo, de la seguridad de cientos de personas Tuvia se ve a veces desbordado, incapaz u obligado a ser cruel para mantener la situación controlada. Al mismo tiempo el partisano, bastante alejado de la ortodoxia judía o de principios más o menos metafísicos, sin embargo insiste hasta la náusea en mantener su humanidad y su dignidad como persona, luchando incluso contra los suyos propios con tal de no bestializarse, de no convertirse en un monstruo como los nazis quieren.

Aunque esta evolución ha sido más veces vista en el cine, adaptada a diferentes personajes y épocas, es notable gracias a la excelente interpretación de Craig, un actor que ha progresado visiblemente desde su etapa de eterno secundario y que está aprovechando sabiamente el tirón comercial de 007 para convertirse en uno de los valores del próximo cine. Daniel Craig consigue, sobre todo, que nos metamos en la piel de Tuvia, viéndolo como a un pobre hombre común y corriente, lo que nos ayuda a adentrarnos en la película y a descargar adrenalina en las escenas de mayor tensión.

Daniel Craig consigue, no obsante, los momentos de mayor calidad expresiva gracias a su duelo con Liev Schreiber, quien intererpreta a Zus Bielski, hermano de Tuvia y portavoz del sector más contestatario y radical de la guerrilla. Schreiber, quien nos resulta familiar por su interpretación del agente Keppler en CSI: Las Vegas, actor con un peligroso halo de eterno secundario, consigue construir un personaje tan clásico como efectivo. Un hombre sencillo y rudo, violentado por las circunstancias y ávido de venganza, dispuesto a utilizar cualquier medio para compensarse los daños sufridos.

La dualidad Craig-Schreiber es uno de los mayores activos de la película, pudiendo criticarse tal vez lo poco que el argumento nos deja disfrutar de esta compenetrada pareja. Son también destacables algunos intentos de originalidad en el guión, que procura no empacharnos con lirismo épico y romántico y trata de transmitir un mayor realismo y humanidad en los personajes y las tramas, lo cual se refleja a la perfección en las espectaculares, divertidas y crudas escenas de acción.

Resistencia se define como una película sincera, que ofrece lo que promete. Emoción, tensión, buenas secuencias de batalla y una ambientación espectacular. No es una película para incluir en los grandes anales del género, pero sí es una propuesta original, fresca y entretenida que nos brindará la posibilidad de disfrutar de grandes interpretaciones. Quizá juegue en su contra el excesivo metraje y la lentitud de algunas escenas, que intentando explotar la fotografía se peligrosamente a lo soporífero y hacen más pesada la película; error que se solventa en buena medida con algunos giros argumentales muy americanos que, si bien molestarían en una producción más pretenciosa, son bienvenidos en una cinta tan modesta a nivel narrativo.

Una buena producción, interpretaciones admirables y momentos de verdadera angustia convierten a esta historia de aventuras en un filme muy recomendable. Es necesario advertir, en cambio, que quien pretenda encontrar una profunda reflexión sobre la historia de la resistencia partisana se ha equivocado de película.

imagen: Wikipedia, Filmofilia, And the winner is

Beowulf

2008-12-29T08:23:00.017+01:00

Robert Zemeckis casi lo logra. A punto estuvo de alcanzar la perfección y crear una obra maestra del hasta ahora escasísimo abanico de cine de animación 3D para adultos. Su Beowulf pudo haber sido una de esas películas que destacan en todos sus ámbitos, que se disfrutan por lo bien que se conjuga en ellas lo clásico y lo moderno, por lo que aportan al cine de su tiempo y por su compromiso con el cine de siempre.

En vez de eso, Beowulf se queda tímidamente oculta detrás de esas grandes joyas de las que hablamos, asomándose con cobardía en ciertos momentos de metraje a ese salón de la fama para volverse a esconder en cuestión de minutos pasado ese momento de lucidez que la hizo atreverse a salir. Beowulf es, de hecho, una experiencia curiosa, interesante como mucho, que promete un mundo y al final apenas da un triste diezmo de lo prometido.

La película narra la madurez del guerrero gauta Beowulf, clásico personaje de la literatura inglesa, protagonista del Cantar de Beowulf, considerado como una de las primeras obras literarias, si no la primera, del idioma inglés. Dicho poema o conjunto de poemas nos transporta a Heoroth, un reino danés asolado por Grendel, un monstruo antropófago que periódicamente lo asalta para devorar a unos pocos y arrastrar a su guarida a otros cuantos. La llegada de Beowulf , del que se decía que tenía la fuerza de once hombres y el valor de cien, supondrá una bendición para el reino, incapaz este de defenderse por si mismo. Esto constituye el inicio del poema y del nudo de la película.

Los guionistas Neil Gaiman y Roger Avary colocaron la película en muy buena posición para sorprender, desarrollando una metaleyenda dentro de la que ya conocemos, mostrándonos a un Beowulf que aún vive cuando su nombre es ya un mito, y cuya auténtica historia -que sólo él y unos pocos conocen- tortura su conciencia. Veremos así por primera vez al auténtico Beowulf, al Beowulf mortal, de carne y hueso, al que comete errores terribles y arrastra el peso de su pasado, y esa parte de sí mismo ha de convivir con el magnífico valor y el temple con los que ha nacido. Como una especie de Marilyn Monroe, su fama de héroe invencible se hace tan gigantesca que acaba por desbordarle. El impecable trabajo de los protagonistas, Ray Winstone como Beowulf y Brendan Gleeson como su inseparable segundo al mando, Wiglaf, no hace sino reforzar este planteamiento, si bien las pocas líneas del guión dedicadas a que sendos personajes conversen no contribuyen a desarrollar el mismo.

¿Por qué digo entonces que la película es mediocre? No sólo por su irregularidad sino por su desbarajuste de guión hacia el final, y por un nexo de unión entre las distintas partes del poema original y los propios personajes que no acaba de cuajar. La primera mitad de la película -hasta que Grendel desaparece de la misma- es, a mi juicio, magnífica; posee fuerza, intensidad, es impactante y dinámica. El monstruoso Grendel está tan fabulosamente hecho que hasta conseguirá que algunos apaguen el DVD y pongan una comedia para neutralizar la sensación de inquietud que produce su visión. Es un personaje rico que llena la pantalla hasta casi salirse de ella, complejo y mucho más desarrollado a nivel argumental que en el propio poema original. Es una especie de niño contrahecho, un gigante caníbal que se presenta en Heoroth atraído por el ruido de la muchedumbre exaltada, un ruido que es incapaz de soportar. Es una criatura a la que es fácil temer, pero de la que también se puede sentir pena. De algún modo él no desea encontrarse ahí; está atrapado en su condición de monstruo y cumple su papel a duras penas, sin parecer en ningún momento que disfrute con él. El demonio es en sí mismo un secreto que Hrothgar, el rey de Heoroth, guarda celosamente desde hace años.

Pero luego Grendel nos dice adiós y ya solo queda su inevitable madre que, y créanlo, no es otra que Angelina Jolie. Este, sin duda, ha sido uno de los aspectos más controvertidos del filme y de los menos celebrados, por considerarse una excusa de poco gusto para introducir un personaje de marcado carácter erótico y permanente desnudez en una película en la que, por otro lado, habría tenido cabida en cualquier otro sitio. Bueno, he de decir que a mí no me hubiera importado mucho este hecho si no considerase que el asunto de la madre de Grendel ha sido llevado con muy poco acierto y que es, en gran medida, lo que hace que todo lo conseguido hasta el momento se desbarate y la calidad de la película caiga en picado.
La madre de Grendel es aquí algún tipo de demonio acuático de gran poder, capaz de engendrar otros demonios incluso más poderosos acorde a la fortaleza genética del padre. Así, su modo de vida pasa por atraer héroes hasta su cueva para luego seducirlos con su falaz belleza y con promesas de riquezas, logrando así la semilla con la que traer nuevos monstruos al mundo. La visita de Beowulf al mencionado cubil será la que divida el metraje en sus dos partes principales: la primera con el Beowulf utópico, un héroe infalible y sin remordimientos, tan orgulloso como para enfrentarse a Grendel desnudo y sin armas y estar así en "igualdad de condiciones"; la segunda con el Beowulf marcado por una vergüenza que sólo él conoce, y que hace que se irrite y enfurezca cuando otros alaban sus hazañas, ignorantes de que, como cualquier hombre, él también sostiene el peso de sus errores. Cincuenta años separan ambas partes, ocupados por el largo reinado de Beowulf en Heoroth.

Sin más perspectiva que la de ver a Beowulf derrotar a un titánico dragón de la forma más espectacular posible, la película pierde mucho interés. Robin Wright Penn, en su papel de Wealthow, se mantiene tan callada que llega a molestarnos. Beowulf no alivia su pena con nadie, ni siquiera con su íntimo amigo Wiglaf. Lo intenta, todo sea dicho, pero no le dejan. El tema más interesante del que disponia la película, esto es, su propio Beowulf pensativo, humano, más cercano a William Wallace que a Conan el bárbaro, queda inexplicablemente olvidado para dejar paso a la lucha con el dragón, tan exagerada y mal contada que aturde. Nada que ver con el épico combate contra el pobre Grendel. ¿Por qué los guionistas Gaiman y Avary escribieron tan talentosamente la primera mitad de la película y permitieron que terminara de forma tan convencional y aburrida? ¿Cómo es posible que Grendel constituya una revisión de lujo del poema original, y en cambio su madre sea tan tópica y este tan mal integrada en la historia? ¿Por qué no se explotó más a este Beowulf que tanto gusta y que resulta tan atractivo?
Me hago cargo de que nunca obtendré respuesta a estas preguntas. Pero aun así me resulta triste ver estas cosas, aunque las vea una y otra vez en este mundo del cine, en el que hay que cumplir con todos, con productores y público, y pretenden sumarse en cada obra factores inmiscibles como la violencia más cruda, aventura con tufillo a "para toda la familia" y pretender ser el director maduro más cool por ser el primero en Hollywood en descubrir el motion capture. Con el añadido de encabezonarse en mantener una clasificación PEGI para mayores de 13, lo cual me parece absurdo, ya que esta película muestra cosas tan violentas que disturbarán a muchos adultos -la mayoría perpetradas por Grendel-; y es así por cómo se muestran al espectador, con la naturalidad propia de un niño que no comprende del todo que lo que está haciendo está mal.

Resumiendo, diré que recomiendo Beowulf a la mayoría de cinéfilos del mundo, salvo los más puristas que no gusten de experimentos con el diseño 3D, o aquellos que odien todo lo referente a la fantasía (que los hay). Tiene buenas interpretaciones, aunque algunas de ellas sean innecesariamente breves o el guión no les haga justicia; la película aporta cosas magníficas y hasta cierto momento se ve y disfruta con interés, y además siempre resulta interesante ver nuevas propuestas, como este reciente gusto de Zemeckis por convertir a sus actores fetiche en modelos 3D. Eso sí, lo digo y lo repito: es un ejercicio constante de lucidez y autocastramiento, hasta que lo segundo puede a lo primero y acaba dejando un sabor amargo en el espectador que, como yo, había quedado hechizado con sus primeros minutos.

Ultimátum a la Tierra (2008)

2008-12-15T17:19:00.015+01:00

La creación de un remake siempre resulta arriesgada, y mucho más si es de un clásico tan reconocido como Ultimátum a la tierra (The day the Earth stood still, 1951). En este caso el atrevido director ha sido Scott Derrickson, conocido mayormente por su último trabajo, El exorcismo de Emily Rose.

Antes de abordar esta crítica, quisiera aclarar mi opinión personal sobre este fenómeno que constituyen los remakes. Son criticados por gran parte de la comunidad cinéfila, que considera que "si una película es perfecta, ¿por qué Hollywood se empeña en estropearla?" No puedo estar más en desacuerdo. Cierto es que los remakes suelen hacerse a propósito de grandes clásicos del cine como este que nos ocupa, pero para nada comparto la opinión de que estropeen el filme original. La película en la que se basan se mantiene impertérrita, estática en su calidad -cualquiera que esta fuere- que para nada se ve afectada por los trabajos de nuevos directores.

Aparte de esto, considero que toda película, todo intento de crear, reinterpretar, expresar, o dar una nueva visión de algo ya conocido y en suma, añadir una nueva tesela al gran mosaico de estos ciento y pico de años de cine, nunca es algo que haya que ahorrarse. Pueden salir grandes cosas de los remakes, y uno, como espectador, siempre tiene la opción última de decidir si quiere o no verlos. Dicho esto, hablaré sobre el título que ahora nos ocupa.

La película, como muchos sabrán, narra la visita a la Tierra de un alienígena llamado Klaatu que porta un mensaje, un mensaje que deben escuchar todas las naciones al mismo tiempo. El escenario elegido para emitir dicho mensaje es la sede de la ONU en Nueva York pero, debido a las tensiones y el miedo que rigen actualmente Estados Unidos, Klaatu es tratado como un prisionero de guerra y encerrado bajo férreas medidas de seguridad.

Ultimátum a la Tierra es un claro homenaje al cine de ciencia ficción de calidad de los años 50. Y, como tal, es austero en lo que muestra: no se abusa de la destrucción, del diálogo, de los rebuscados giros de guión y ni siquiera de las muestras emocionales entre personajes. La película y su desarrollo se disfrutan más por lo que excitan la imaginación y la curiosidad del espectador que por las impactantes imágenes que le muestra. Como en el cine de entonces, se reservan huecos vacíos que sólo el observador inquieto puede llenar, y hay más de un "cabo suelto" deliberado que contribuye a construir un trasfondo que no necesariamente nos explican a las claras los personajes.

Este hecho es a la vez virtud y defecto. Por un lado, el seguir de forma fidedigna la estela de una joya como el Ultimátum a la Tierra original -y hacerlo con estilo- conlleva la creación de una cinta de calidad y un buen exponente de la irregular amalgama de películas de ciencia ficción de nuestros días. Retomar las olvidadas fórmulas de antaño e implementarlas con gusto en la vertiente comercial de nuestro cine, tan poco dado ya a invitarnos a pensar, siempre resulta un chorro de aire fresco. La acción comienza sin preámbulos hastiantes, sin marear la perdiz con tonterías y eso se agradece: Jennifer Connelly en su papel de astrobióloga y los secundarios que la rodean son absolutamente creíbles, y desde el primer momento su mundo se nos hace atractivo. Ellos representan la cara más racional y sociable de los Estados Unidos, frente a la cúpula militar que teme y rechaza a Klaatu. No nos acosan con preguntas fastidiosas y desconfianzas absurdas. Un alienígena ha llegado a la Tierra y solicita audiencia, todos lo han visto. Lo asumen y siguen adelante, y ahí se palpa el verdadero espíritu de los 50.

Pero por otro lado, quizá esta fidelidad ahuyente a los más profanos del género, que quedarán defraudados por la falta de aniquilación y explosiones, o por un Gort -el autómata que acompaña a Klaatu- que, como el original, pasa la mayor parte del metraje de pie derecho. Y lo que es más destacable, un final muy al estilo ciencuentero, que no comulga con los deseos del espectador de hoy, ansioso de que todo quede zanjado de la forma más espectacular posible. Keanu Reeves, más brillante aquí que nunca, si cabe, es un exponente más que claro de lo que digo. Si bien esta revisión de Ultimátum a la Tierra es indudablemente fiel a la original, sí que aporta muchas cosas que la hacen diferente, creativa y complemetaria a la misma. El guionista David Scarpa y el propio Reeves se han lanzado a la piscina y han redimensionado a Klaatu; se nota en su trabajo que este último conoce bien el personaje que creó Michael Rennie, y lo ha plasmado con delicadeza añadiendo cosas de su repertorio. Así, veremos a un Klaatu mucho menos humano, más "alienígena", valga la redundancia. Carente de sentimientos o emociones humanas, las irá descubriendo de un modo puramente intelectual, lo que le causará gran confusión. Ha logrado un rostro inexpresivo, grave, y tan abrumador y categórico como aquel de Russell Crowe que se llevara el Oscar por Gladiator. Sin duda, un papel talentoso que viene a demostrar lo que vale este hombre.

Sólo hay un mero detalle que separa esta obra de la ciencia ficción más clásica, que no acaba de encajar en la historia principal y llega a ser bastante molesto. Estoy hablando de Jaden Smith, el chico de En busca de la felicidad, el vástago del gran Will Smith. El personaje de Bobby Benson -aquí Jacob- sigue siendo un niño educado en el odio más absoluto a lo comunista-terrorista, un perfecto hijo de su patria; pero ahora su capacidad de comprensión de la idea de que no todo lo extranjero es malo se ha vuelto tan nula que acaba siendo cargante, llegados ciertos acontecimientos tras los que uno sólo puede preguntarse por qué no combustiona espontáneamente. Flaco honor le ha hecho Derrickson a este entrañable personaje al convertirlo en algo convencional y más que visto, una mera herramienta para llegar cómodamente a un desenlace, por otro lado, fácilmente esperable. Una lástima.

Pero volviéndo al argumento, quisiera recalcar lo interesantísimo que me resulta, al tiempo que aterrador, observar como en 57 años el significado subyacente tras la cinta original de Robert Wise no ha variado un ápice. La guerra es una forma de vida para el ser humano. El miedo se usa como forma de control y como escudo contra el propio miedo. El diálogo es siempre la última opción, y casi siempre se aplica cuando ya es tarde. El mensaje pacifista de aquella película se basaba en lo irrelevantes que resultaban para Klaatu los contenciosos de la Guerra Fría, y lo sencillo que resultaba para él que representantes de todas las naciones se reunieran en un mismo sitio para escuchar un mensaje que afectaba a todos los seres humanos. Ahora, como entonces, Estados Unidos pretende agarrar el pastel de poseer los derechos sobre Klaatu y no querer compartir dicho mensaje con nadie, creyéndose los dueños de la Tierra y con poder para decidir por la humanidad al completo. Y también como entonces, los verdaderos representantes de la raza humana acaban siendo los más sabios, y no los que mejor mienten y manpulan, aunque en eso esta nueva versión avanza un paso más, llegando a afirmar que "nuestros líderes no nos representan", y mostrando a un presidente invisible que se oculta en dios sabe dónde nada más avistar las naves visitantes, y que delega en una secretaria de defensa que ejerce de pelele y en un ejército aparentemente invencible. Un espíritu crítico sin duda deudor de la ciencia ficción más pura y comprometida.

La película, en resumidas cuentas, gustará a los que más se dejen empapar por el género y dejará fríos, confusos o con ganas de más a los profanos, aunque constituye un producto de gran calidad y que goza del trabajo de un gran actor en ciernes y de un director más que correcto, lo que le confiere una solidez enorme. Algunas de sus escenas son bellísimas y muy evocadoras, y su afán por denunciar la estupidez de nuestros líderes -y el pequeño trocito que cada uno tenemos dentro- viene tan a cuento que quizá haya provocado deseos de censura en más de un mandatario, si no fuera porque todos saben que sus chanchullos e intrigas pueden, hoy por hoy, mucho más que el arte.

imagen: elseptimoarte

Bella

2008-12-10T13:32:00.013+01:00

El cine americano nos ha dado más de una alegría, sorprendiéndonos con realizadores que saben tomar lo mejor de la rama comercial y lo mejor de la rama independiente de aquel país, y se estrenan en este arte con películas que son en sí mismas pequeñas obras de arte. Y aunque Bella no es el primer proyecto de Alejandro Gómez Monteverde, sí que es, en mi opinión, una pequeña obra de arte.

Si bien se trata de una película de corte social, no cae en los tópicos en que suele incurrir ese tipo de cine y que acaba por convertirlo en pasto de modernetes y culturetas, que lo enarbolan como estandarte de ideas globalizadoras y vacuamente progresistas. Pero no es ese el tema que nos ocupa. Bella centra el grueso de su mensaje en un discurso antiabortista inteligentemente construído, en el que tienen cabida opiniones opuestas, todas ellas con sólidos argumentos que las defienden.

José trabaja como cocinero en el restaurante que su hermano Manny regenta en Nueva York. Es un chico reservado y triste que lucha interiormente contra un pasado imposible de olvidar. Por otro lado, a Nina, que también trabaja en el bar de Manny, le ocurre inesperadamente algo para lo que no está preparada. Tras saber esto, Jose invita a Nina a pasar el día con él y hablar, y así se dará inicio a una trama tan bonita como emotiva. A través de las conversaciones que ambos personajes mantendrán se le irán descubriendo al espectador dos posturas sobre un mismo problema, el aborto, pero no sólo eso; los personajes también desvelarán sus miedos y la historia versará sobre el arrepentimiento, el sacrificio y las consecuencias de las propias acciones en la vida, y del peso de las decisiones que tomamos.

Pero esto no llega a describir con acierto lo que el espectador sentirá al ver Bella. Es una película casi perfecta en su sencillez, sin aspiraciones de ningún tipo. Simplemente pone a dos personajes con un pasado que odian en situación de escucharse e intentar comprenderse, y lo cuenta de un modo tan grácil y fluído que el filme, ya de por sí breve, nos sabrá a poco al llegar los créditos. Una de esas historias que le hacen a uno sentir bien, con unos secundarios magníficos -quisiera llamar la atención sobre toda la familia de José- de los que nos será imposible no disfrutar y un final precioso y terriblemente emocionante.

Eso sí, es necesario recalcar que el espectador que busque una trama compleja con graves giros de guión no los encontrará aquí. La película transcurre de un modo previsible y sin sorpresas, aunque a mi juicio en ningún momento se hace aburrida, ya que el guión es ágil y los diálogos muy accesibles. Aunque para hacer justicia debo decir que sí que hay un detalle que todo espectador esperaría y que finalmente no se cumple, lo que en cierto modo conlleva una sorpresa, y que además pone la guinda final para enmarcar la película en el relato social y desligarla de otros géneros.

Respecto a su supuesto contenido procatólico, ultraconservador, antiprogreso y demás absurdeces politizantes que se han dicho sobre la película, me veo obligado a pronunciarme, como ya hice con Camino. La política es la política y el cine es el cine. Siempre resulta desafortunado mezclar algo tan corrompido y pútrido como lo primero con un arte tan magnífico y con tanto potencial creativo como lo segundo. Si hemos de preocuparnos por ejercer de censores y obstinarnos en ver las posturas políticas, sociales y morales de una película, jamás la disfrutaremos. Y si las hay -que no es el caso-, deberíamos aceptarlas con madurez y filosofía, pues el cine, como todo el arte, es un medio de expresión.

Maravilloso el papel de Eduardo Verástegui como José, y maravilloso el personaje que ha sabido crear. Una persona que cae del cielo al suelo en un segundo y, aún destruído, va emergiendo del agujero por una sola razón: el amor a su familia.

Quisiera mencionar también la curiosa Nueva York con que Bella obsequia al espectador. Es una Nueva York muy madrileña, cercana a más no poder y muy distinta de la que estamos acostumbrados a ver en la producción estadounidense, esto es, plagada de gentuza y criminales asesinos. No se asemeja ni siquiera a la Nueva York de Woody Allen, quizá la más humana vista en el cine. Esta es distinta. Es una ciudad de barrio, como un pueblo hecho con rascacielos.

Sin duda, se trata de una cinta recomendable para disfrutar de algo hermoso sin más, para sonreír durante 90 minutos como me ocurrió a mí. Porque, realmente, ese es casi el único error que puede achacársele a Bella, que indaga poco en el debate social que propone, no se moja; se queda en una postura neutral y cuando el espectador está listo para recibir el terrible azote del llanto cinematográfico, Bella se lo perdona y la alegría sigue siendo alegría. Aunque ciertamente, si hubiera sido de ese modo esta película sería otra.

La propongo para disfrutar de algo distinto. Cosa que, de vez en cuando, no está mal.

imagen: theaustinchronicle, ciudadmag

Transsiberian

2008-12-09T12:07:00.009+01:00

Es una lástima ver como se desaprovechan grandes actores en papeles huecos e insustanciales, y casi peor presenciar cómo una historia prometedora se va transformando en una trama de corrupción y asesinato ultraconvencional que todos hemos visto ya.
Pues todo eso se aúna en Transsiberian. Parece que las pocas películas de Brad Anderson que logran escapar a la gravedad del olvido independiente se van turnando la calidad; así veíamos una obra extraña y fácil de olvidar en Session 9 allá por 2001 (con un David Caruso tan desaprovechado como los protagonistas de Transsiberian), y otra mucho más recomendable, El Maquinista, en 2004. Ello me lleva a pensar que Anderson no tiene talento como guionista -pues él realizó el guión tanto de Session 9 como de Transsiberian-, aunque sí como director, lo que se destila de todas sus películas y del tratamiento tan personal que hace de la imagen y de lo que muestra en cámara.
Transsiberian cuenta la historia de dos turistas norteamericanos (Woody Harrelson y Emily Mortimer) que se encuentran haciendo el trayecto completo del transiberiano desde China hasta Rusia Occidental, y se ven envueltos por casualidad en asesinato que a su vez será algo más que un simple asesinato. Tras ellos, un policía de narcóticos ruso, Ben Kingsley. Déjenme decirles que lo que es un auténtico asesinato es contar con Ben Kingsley y encasquetarle un papel que de tan visto, resulta hasta cómico.
La película comienza enmarcada dentro del cine de viajes, recreándose en lo curioso del transiberiano, lo exótico de los que viajan en él y, en resumidas cuentas, lo cinematográfico que resulta un tren antiguo en el que uno pasa ocho días recorriendo algunos de los paisajes más bellos del mundo. Y hasta ahí va bien; no se trata de una historia fascinante pero la fotografía y Harrelson salvan el día. Pero cuando sin venir a cuento aparecen dos viajeros españoles, Eduardo Noriega y Kate Mara, y de pronto el filme se transforma en una historia absurda, donde cada cosa que ocurre es más absurda que la anterior, hasta que ya ocurre algo tan absurdo que hasta parece irreal, y que está tratado de un modo que podría haber sido impactante pero el director la fastidia por sus pretensiones de resultar innovador o sepa dios lo que estaría pensando, entonces es cuando uno se da cuenta de que la película no puede ir a mejor superado ese punto sin retorno.
¿Por qué se sigue contratando a Eduardo Noriega? Ha demostrado suficientes veces que solo Amenábar supo sacarle lo mejor, y que desde entonces se niega a devolver la calidad en su trabajo que nos debe por nuestra fe en él.
Transsiberian es una de tantas obras que resultaban perfectas en la mente del director pero que, ejecutadas, resultan mediocres y tristemente aburridas. Pero ello es aún más triste cuando el director se rodea de grandes actores, como es el caso. Sus defensores han pretendido compararla con Extraños en un tren, lo que, a mi juicio, incurre en la blasfemia más herética. Me mata pensar que si Scott Kosar la hubiera escrito tal vez hubiera surgido algo grande, pues a él le ocurre al contrario que a Anderson; de la peor historia posible siempre saca algo bueno, como ejemplifica bien la correcta La morada del miedo.
Se la recomiendo sólo si son ustedes fans acérrimos de Ben Kingley, como yo, y desean verlo por el simple hecho de que disfrutan, simple y llanamente, con su forma de actuar. Como ilustró con acierto mi acompañante en el cine, "es como una película de las tres de la tarde". Y créanme, cómo acertó con sus palabras.

imagen: filmcatcher, collider, cinefagos

Outlander

2008-12-04T12:12:00.007+01:00

Siempre resulta maravilloso admirar desde la humildad y el respeto la opera prima de un director joven y deseoso de crear. Este es el caso de la segunda obra para el cine de Howard McCain y la que supone su bautizo hollywoodiano.
Outlander relata la historia de un viajero del espacio llamado Kainan, cuya nave sufre un aterrizaje forzoso en la Noruega del año 709, en plena época de los vikingos. Pero no sólo él sobrevive al accidente, sino que también lo hace un voraz alienígena que viajaba con él como polizonte, conocido como Moorwen. Kainan no tardará en internarse en un asentamiento vikingo y trabar amistad con sus habitantes, con los que elaborará un plan para acabar con el monstruo.
Bien, esta película ofrece un desarrollo bastante irregular. Es el resultado inevitable del trabajo de un director inexperto que ha tenido agallas para experimentar con diversos géneros -aparentemente imposibles de conjugar- y de arrastrar a unos grandes actores fuera de los papeles en los que la industria los ha acomodado. El filme es un tributo absoluto a las viejas películas de serie B de los años 50, anteriores a las reformadoras del género, como Ultimátum a la Tierra. Jim Caviezel encarnará a un héroe solitario, parco en palabras, en ocasiones torpe y poco eficaz, y con cierto aire paternalista, pero de innegable valor. John Hurt dará vida a Rothgar, el rey del asentamiento (en un papel que a mi parecer le viene como anillo al dedo) y con el cual Kainan establecerá un afecto especial. Y por otro lado está Ron Perlman en un papel más bien poco agradecido -sobre todo desde su maravilloso Hellboy- como Gunnar, el rey de una aldea rival.
En este marco, como digo, la película desarrolla muchos de los clásicos giros del cine de monstruos y hombres del espacio de los años 50, pero curiosamente mezclados con otros del cine de acción de principios de los 90. ¿Qué es lo negativo de esta mezcla? Que McCain ha hecho un uso demasiado abusivo de los tópicos más trasnochados de este cine y ello llega a irritar en ocasiones, aunque sospecho que ha recurrido a ellos más bien por falta de experiencia y miedo al fracaso que por otra cosa. Pero de este hecho se extrae algo muy positivo, y son las innumerables escenas de gran valor que la película también muestra: una carrera sobre los escudos entre Kainan y el heredero Wulfric, que primero resulta algo ridícula, luego se va tornando hermosa para acabar siendo tierna a más no poder, y logra arrancar una sonrisa al espectador; la relación entre Kainan y Eric, un huérfano de la aldea, basada en miradas cargadas de expresividad; o el flirteo inocentón entre el hombre del espacio y Freya, la hija del rey, quizá la herencia más notable y clara de clásicos como Vinieron del espacio.
Asimismo, son clarísimas las reminiscencias de Beowulf, y su influencia se deja ver en diversos puntos clave de la trama, a saber: Kainan, como Beowulf, llega de un lugar inhóspito y desconocido hasta Noruega -Dinamarca en el caso de Beowulf- para ser inicialmente rechazado y posteriormente integrado como miembro de pleno derecho en la comunidad, y en su mano está dar respuesta a problemas que vienen afectando ya de antiguo a la misma. Su enemigo es un monstruo de origen dudoso y escasa humanidad, que atacará a placer el poblado capturando a los que en él viven, siendo Kainan/Beowulf el único capaz de hacer frente a la bestia. Y, como en el poema, el Moorwen resultará ser una madre cuyo hijo volverá sediento de venganza tras la muerte de esta, y el espectador descubrirá que estas criaturas aparentemente brutales albergan más sentimientos de los que parece a simple vista, y que quizá tengan motivos para actuar como lo hacen. Yo aún diría más; McCain se atreve a revisitar totalmente el mito y más allá de todo esto está el magnífico cameo de pretender que Grendel existió de verdad y su leyenda comenzó con el Moorwen y la llegada de Kainan a Noruega, que más tarde sería conocido como Beowulf, el único hombre que pudo enfrentarse a ella y salir victorioso.
Y ya que lo menciono, dediquémosle unas líneas a esta criatura a la que Ninth Ray Studios ha dado vida. He de confesar que siento debilidad por los monstruos del cine y siempre me da morbillo descubrir las nuevas ideas que van surgiendo en el género, aunque a veces sufra alguna decepción. No es el caso del Moorwen que nos ocupa, pues lo que Patrick Tatopoulos ha creado es un ser hermoso, hipnótico, una personificación de fuerza y personalidad que sólo se muestra abiertamente para embelesar al espectador con un espectáculo de luces y unos movimientos coreográficos que constituyen su lenguaje en pantalla. La bestia tiene mucho que decir, pues personifica los miedos del hombre del siglo VIII, así como los errores y el precio de la avaricia y la sed de conquista de un pueblo beligerante y destructivo, al que Kainan representa. Es un monstruo que se opone a los peores valores humanos, y que a su vez ensalza los buenos, pues a través de la guerra que se libra contra él los protagonistas forjarán alianzas, olvidarán rencillas de sangre y harán enormes sacrificios. Sin duda uno de los puntos fuertes de la película, si bien tengo que avisar de que tal vez los no muy amantes de la ciencia ficción sólo vean en este Moorwen un toro gigante y goriláceo, muy alejado de lo que estoy contando.
Lo peor que se le achaca a Outlander es su narración algo pesada y vacía en ocasiones, pues toda película que no denuncia nada, se queja de nada o reivindica nada está inevitablemente vacía, pero más aún si se trata de ciencia ficción, un género muy conocido por su afán de crítica. Y, en Outlander, dicha crítica (que la hay) llega bastante tarde, cuando al espectador realmente le da un poco igual.
Pero bueno, para resumir y clarificar todo esto diré que se trata de un experimento y un ejercicio imaginativo muy interesante, pero que se podría haber hecho muchísimo mejor, no lo niego. La película ofrece cosas realmente bellas -como los últimos cinco minutos de metraje- aunque aburre a ratos, pero el estupendo plantel de actores la salva de la quema. Como he leído por ahí, un filme que aúna elementos de Predator, Braveheart y hasta El Señor de los Anillos, con bastante gracia. Y estoy de acuerdo. Posiblemente no satisfará a quien busque acción o un denso guión, pero considero que ningún incondicional del género debería perdersela.

imagen: blogdecine

Quantum of Solace

2008-12-02T12:44:00.006+01:00

¿Puede ser James Bond un personaje complejo, repleto de matices y capaz, casi, de hacernos llorar? Ahora, rotundamente, sí. Daniel Craig ha conseguido, a pesar de las absurdas críticas con que su público le obsequió por el gran fallo interpretativo de ser rubio y no espectacularmente guapo, ser con diferencia lo que más brilla en una película que ya brilla por sí sola. Y además repite el milagro, porque no sé qué más se puede decir sobre Casino Royale que no se haya dicho ya, aparte de que es una de las mejores obras de esta extensísima licencia.
Fui a ver Quantum of Solace con el firme deseo de que fuera, por lo menos, tan completa, divertida y endiabladamente entretenida como Casino Royale y, si bien no llega al nivel de aquella, para nada me ha defraudado. Es frenética y le sobra acción, cosa que se debe exigir a toda buena película del género, pero además tiene algo muy de agradecer, y es fluidez. Si bien esto es una constante en las películas de Bond, aquí se hace mucho más patente la calidad con la que está tratado el uso de distintos emplazamientos o giros del argumento, apariciones repentinas de personajes y, en definitiva, todo lo necesario para evitar que el ritmo se embote y el espectador pueda aburrirse. La realización se ahorra datos innecesarios y confía en la atención que este tiene puesta sobre la película.
Como ya dije antes, Quantum of Solace no alcanza el nivel de su predecesora sencillamente porque no puede; la mayúscula sorpresa que este nuevo Bond dio al mundo ya no se puede repetir, pues ya conocemos sus capacidades para crear un personaje totalmente nuevo y distinto a lo anterior. Por otro lado, Marc Foster no podría haber alcanzado nunca el nivel de Martin Campbell en la dirección, por ser este último mucho más experimentado en filmes de acción y haber dirigido antes otro filme de la saga, Goldeneye. Marc Foster nunca había realizado un proyecto del género, aunque le preceden joyas como Monster's Ball (aunque también fiascos como Descubriendo Nunca Jamás).
Pero volvamos a Daniel Craig. Este hombre no sólo ha nacido para actuar, sino que ha nacido para encarnar a James Bond. No se trata del empaque que tiene ni de lo bien que le sienta el esmoquin, algo de lo que ya se ha hablado largo y tendido y que no nos interesa aquí: se trata de que aceptó un reto inenfrentable para muchos actores y ha sabido superarlo no sólo con correción, sino aportando cosas de su propia cosecha y que el personaje no tenía. Es un James Bond joven e inexperto, brusco y en ocasiones difícil de controlar, que afronta sus miedos con una coraza de abulia e indiferencia, aunque por dentro sufre una tortura constante por ser un agente del MI6 -con todo lo que eso conlleva- y a la vez un ser humano normal, que siente como cualquier otro. Todo eso ha sido capaz de expresar Craig con unas pocas palabras y una mirada que atraviesa, y a mi juicio se ha encumbrado ya como uno de los más grandes Bond de la franquicia. Algunos han aducido a que, de tan perfecto asesino, Craig ha llegado a desnaturalizar al personaje, pero en la opinión de quien les habla una saga con 22 películas en su haber debe renovarse a veces de raíz si se quiere evitar que la fórmula se pudra. Se trata de un personaje en plena evolución, que se va dando cuenta poco a poco de lo que significa su trabajo y de lo que hay en juego, y va abandonando su humanidad para convertirse, lentamente, en una máquina que hace lo que se le ordena, de un modo u otro. Pero, señores, para comprender todo esto tienen que verle con sus propios ojos.
Considero que Daniel Craig puede olvidar los temores de que no gustara su último trabajo, pues ya se ha hecho un hueco en el olimpo de los grandes actores. Quantum of Solace es un filme más que recomendable, tanto para amantes de la acción como profanos del género, e incluso para quien no sea fan de Bond, pues merece la pena disfrutar de este actor en su apogeo.

imagen: dvdenlared

Postal²

2008-11-27T01:52:00.018+01:00

Probablemente Postal² (Running With Scissors, 2003), secuela de Postal (1997) sea uno de los videojuegos peor valorado y más injustamente olvidado de los últimos años.

De culto para algunos, desconocido para la mayoría, y sólo mencionado en los medios para criticar su explícita violencia (el juego llegó a ser prohibido en Nueva Zelanda y Australia, bajo acusaciones de ultra-violencia, racismo y machismo) quizá sea Postal² la mejor denuncia que el mundo del videojuego ha lanzado contra su actual situación y los prejuicios que le afectan.
El planteamiento del juego es sencillo. Controlamos, en una tradicional primera persona, a Dude, el protagonista, quien del lunes al viernes deberá realizar diversas misiones como comprar la leche, pagar sus multas, confesarse en la iglesia... Estas misiones nos darán oportunidad de recorrer la ciudad de Paradise, Arizona, escenario donde se ambienta el juego.

A la hora de cumplir nuestro cometido, tendremos oportunidad de adoptar una actitud relativamente civilizada o dejarnos llevar por nuestros instintos violentos. Para ello dispondremos de toda clase de armas, entre ellas algunas insólitas como cócteles molotov, tijeras, gasolina y cerillas o una cabeza de vaca infectada por ántrax.

Sobra decir que la tentación de abandonar la misión para explorar el entorno e interactuar con él es inmediata. Se nos permite visitar toda clase de establecimientos y viviendas, así como nos cruzaremos con multitud de viandantes. Al igual que ocurre en Grand Theft Auto, podemos pasar horas y horas simplemente jugando a causar destrozos, masacres o combatiendo con la policía.

Postal² ha sido criticado fundamentalmente por excesivamente violento y, sobre todo, por su incorrección política. En el juego aparecen retratados diversos estereotipos: el típico musulmán regente de un "todo a cien", los clásicos paletos norteamericanos redneck, fanáticos religiosos, sadomasoquistas e incluso una secta de hippys iluminados.

La crítica y las autoridades internacionales interpretaron la aparición de estos estereotipos como una muestra de burla u odio. Yo pienso que su intención verdadera está clara: una denuncia brutal y directa, casi despiadada, de muchos de los vicios de la sociedad estadounidense y, en general, de toda la cultura occidental.

Postal² es, en primer lugar, un esperpento; esto es, ofrece una visión deformada y grotesca de la América profunda para presentar, al mismo tiempo, una crítica completamente intencionada contra ella. Racismo, incultura, consumismo, brutalidad policial, corrupción, todos ellos defectos muy arraigados en esta sociedad que son recorridos y golpeados por el juego.
Pero no sólo es a la decadencia yanqui a la que se denuncia. Postal² también es una desesperada queja acerca de lo que está ocurriéndole al videojuego. Los desarrolladores de RWS se lamentan de que se persiga a esta nueva forma de arte, por ignorancia y miedo, del mismo modo que se hizo en pasadas épocas con el cine o la literatura. De hecho, nuestra primera misión será acudir a las oficinas de esta empresa para cobrar nuestro sueldo, como personaje del juego. Ante sus puertas nos encontraremos con un grupo de exaltados, que piden la prohibición de los videojuegos violentos y el linchamiento de Vince Desi, gurú de Running with Scissors, todos ellos armados hasta los dientes.

Postal² es también una parodia del videojuego que la industria está construyendo. Un videojuego que deja de lado la artesanía, el guión y la trama para centrarse en la acción simplona y en la exhibición gráfica, con objetivos puramente comerciales. Una industria que ignora el arte. Tan sólo hay que comprobar qué clase de misiones se nos enconmienda (todas ellas tareas cotidianas) un claro guiño a las tópicos objetivos que solemos cumplir en los juegos de acción convencionales. El mismo Dude, es una parodia del clásico héroe, al mismo tiempo que ridiculiza al tradicional castizo norteamericano. En lugar de manejar a un aguerrido espía internacional o a un policía insobornable, controlamos a un tipo mediocre, violento y casado con una esposa a la que odia (Postal Bitch, como aparece en los créditos).
Según el crítico Justin Leeper, "Running With Scissors es el mejor y el peor ejemplo de inconformismo en la industria del videojuego", opinión que comparto. Tal y como él dice, "algunos de los mejores artistas incomprendidos que en la historia han bailado en torno a la línea que separa el arte de la obscenidad".

Este producto es también especialmente reseñable por su detallismo. Como dijera antes, lo sustancial del juego no consiste en su desarrollo misión a misión, sino en nuestra oportunidad de explorar el entorno a discreción. En él hallaremos toda clase de fauna y detalles. En cada cartel que veamos en locales o calles, cada rótulo comercial, cada graffitti, monumento o incluso hasta en un miserable paquete de tabaco, podemos encontrar un mensaje humorístico o una denuncia social. Lo mismo nos ocurre en el desarrollo de las misiones, donde sutilmente se nos dejará caer planteamientos que nos harán pensar sobre política, religión o cultura.

Gráficamente el juego resulta correcto. Los personajes son convencionales, aunque cabe destacar un motor de física muy avanzado para la época. Si bien los escenarios no son especialmente vistosos, resulta fascinante la cantidad enorme de detalles que los adornan. El control es también sencillo y muy jugable, y la originalidad de las armas disponibles regalará al jugador muchas horas de entretenimiento. A esto hay que añadir las muy divertidas secuencias de acción, que nosotros mismos podremos improvisar cuando lo deseemos. En ocasiones, incluso, nos veremos involucrados en los espontáneos tiroteos que los vecinos de Paradise mantienen, sin sentido alguno, con la policía. Como elemento negativo, hay que señalar una inteligencia artificial mejorable y, sobre todo, unos eternos tiempos de carga.

En definitiva, Postal² es, a mi juicio, un juego completamente imprescindible para cualquier aficionado del sector. Una obra de culto, minoritaria pero indispensable. Tal vez algún día, en un futuro, este producto ahora underground tenga el reconocimiento que se merece, aunque la industria parece estar avanzando hacia otros destinos. Resulta lamentable que un trabajo de esta calidad haya pasado inadvertido para la mayoría, salvo para ser vapuleado por aquellos que siguen empeñándose en hacer del videojuego chivo expiatorio para los males de nuestro tiempo. Desde aquí lo aviso: si alguien espera que Postal² pueda educar a sus hijos, que vaya pensando en comprar otro juego.

Yo me limito a recomendar encarecidamente esta pequeña joya; jugarla con tranquilidad, visión crítica y ánimo de pasarlo bien. Postal² no nos decepcionará a este respecto. Mientras otros se convierten en auténticos mitos sin merecerlo, Vince Desi, en mi opinión un genial artista, será en el mejor de los casos desconocido, cuando no demonizado por atreverse a desarrollar una obra escatológica. Postal² pasará al olvido y los estupendos realizadores de Running With Scissors serán ignorados o vituperados, pero con seguridad conseguirán una cosa: fascinar a quien se atreva a jugar sus creaciones y hacerle pasar muy buenos ratos.

De momento, nos quedamos con un juego sobresaliente y esperamos la tercera parte de la saga, ya anunciada. Parafraseando de nuevo a Leeper, "estoy deseando ver lo próximo que harán estos bastardos".

imagen: Wikipedia, Softpedia

Red de mentiras

2008-11-24T13:08:00.003+01:00

El veterano director Ridley Scott aborda de nuevo un género que conoce bien, el de las intrigas políticas, con su actor fetiche Russell Crowe y un cada vez más grande Leonardo DiCaprio a la cabeza del reparto.
Es esta una película sobre cortinas de humo, espionaje y agentes dobles, encuadrada en un marco de rabiosísima actualidad, sin duda alguna; el terrorismo islámico en Europa y Estados Unidos. Lo interesante del filme es que, si bien no aporta nada nuevo al género, sí que adopta una actitud crítica y, por ende, original en los tiempos que corren -en los que son pocos los cineastas norteamericanos que se paran a pensar en las razones de "la otra parte" o en si el modus operandi de la inteligencia de su país es el más acertado-. Así, asistimos al contraste, por un lado, entre los agentes que se encuentran sobre el terreno, en Oriente Medio, expuestos a los atentados suicidas, a las balas, a la tortura y, en definitiva, a las penurias de vivir en medio de un campo de batalla moderno, uno de esos lugares que el imperialismo ha convertido en miserables; y por el otro, a los que hablan a través del móvil desde su oficina en Langley, dando órdenes desde una perspectiva irreal, sin comprender las terribles implicaciones de cada una de sus decisiones, y que viven la guerra silenciosa como si fuera un juego, pero no el parchís, no: como si fuera Call of Duty 4. Scott nos deja aquí algunas escenas memorables, con Russell Crowe ordenando matar a unos y a otros mientras lleva al colegio a sus hijos, cogidos de la mano. Son dos visiones de la guerra totalmente enfrentadas pero igualmente deleznables, y aquí se muestran así en toda su dureza.
Frente a estas dos posturas, está una tercera: la del enemigo del enemigo, pero que no es lo bastante enemigo como para ser nuestro amigo. Me explico. El largometraje ofrece una visión -eso sí, algo tímida- de la forma de actuar de los agentes de inteligencia en Oriente Medio; así, veremos a Hani, un poderoso agente de la inteligencia jordana (interpretado con inigualable estilo por Mark Strong), cooperar con la CIA de un modo delicado, paciente, casi caballeresco, controlando cada paso de la operación con enorme minuciosidad. Los métodos del primero chocarán con los de la CIA al querer estos últimos tener control absoluto, y actuar precipitadamente sin contar con la aprobación de los que se encuentran en primera línea del conflicto, creyendo ser omnipotentes e infalibles. La evicencia es que en Langley no acaban de confiar en él por dos razones principales: la primera, no sólo no es americano, sino que es de Jordania; la segunda, sus métodos son distintos a los nuestros.
El personaje de DiCaprio, Roger Ferris, se encuentra en medio de todos estos intereses, y su profundo conocimiento de Oriente Medio le llevará a sufrir profundos dilemas éticos y humanos, sobre la verdadera naturaleza de esa guerra y su papel en ella. Será lo que una a todos los demás personajes, y posiblemente el papel más brillante de la película ejecutado por un actor que ya domina el género con creces.
Un largometraje sobre intrigas políticas con varias perspectivas para un tema de moda -porque hoy día las modas también se aplican a las guerras-, que nos deja grandes interpretaciones y, en general, un producto de calidad y muy interesante.

imagen: tublogdecine

Sólo quiero caminar

2008-11-21T08:20:00.003+01:00

El último trabajo del madrileño Agustín Diaz Yanes nos deja, desgraciadamente, un regusto agridulce en el paladar. Sólo quiero caminar narra la historia de cuatro amigas que se dedican al robo con premeditación como forma de vida y que, casi por casualidad, tienen la oportunidad de robar a un mafioso mexicano muy rico, lo suficiente como para poder abandonar la profesión si el plan sale bien.

Díaz Yanes exhibe aquí con inusual descaro (ya que parece que es algo de lo que hay que avergonzarse cuando uno hace cine en este país) su gusto por las películas norteamericanas, particularmente las de acción. Se ven claras reminiscencias de Kill Bill, tanto en sus protagonistas femeninas -heroínas venidas a menos, que acometen locuras suicidas sin pensárselo dos veces, ataviadas con chándal-, como en la forma que tiene de abordar la acción y la violencia en algunas escenas, en ocasiones de manera algo humorística y en otras con absoluta crudeza. Hay quien ha querido ver esta influencia en el uso de la música para dotar a las escenas de acción de un tono trepidante sin serlo estas mucho, lo cual no deja de ser interesante. De cualquier manera, la influencia de Tarantino se observa sobre todo por salto de género en género del que hace gala Sólo quiero caminar, mostrándo escenas cómicas al espectador sin venir a cuento, u otras propias del cine de ladrones de guante blanco, si bien en el caso concreto de esta película tales mezclas resultan siendo poco afortunadas.
Las alusiones a Scorsese también están presentes, sobre todo por su forma de tratar la vida mafiosa con toda su horrible violencia, sus lazos de amistad entre asesinos, y sus triciones inevitables. Aparte de algunas escenas que son calcos de otras de la producción del director estadounidense.
El primer pie del que cojea la película es su reparto femenino. Victoria Abril, Ariadna Gil, Pilar López de Ayala y Elena Anaya, son las actrices que dan vida a las ladronas protagonistas. Sinceramente, Pilar López de Ayala y Elena Anaya lo hacen tan mal como cabe esperar de actrices de tan escaso talento; pero esperaba más de Victoria Abril y sobre todo de Ariadna Gil, tras su elaborado y rico papel en Alatriste, el último trabajo del director, o en El laberinto del Fauno, sin ir más lejos. Las cuatro se dedican a poner una cara y a asumir una actitud durante todo (y digo todo) el metraje, quedando ancladas en estas y llegando no sólo a aburrir, sino a irritar (el caso de Ayala es flagrante; Elena Anaya, por suerte, aparece más bien poco). Realmente ha sido una elección errónea, sobre todo teniendo en cuenta la cantidad de buenas actrices jóvenes mucho mejores que hay en activo en nuestro país.
El otro pie que falla, y este condena definitivamente a la película, es el tratamiento de los personajes. No se indaga en ellos, no se los explora, se le niega al espectador conocerlos y hacerse confidente de sus motivaciones. Hemos de suponer que unos lazos muy fuertes unen a estas cuatro amigas, pero en ningún momento sabemos cómo se formaron, o si se formaron, y tampoco se nos sugiere. Actúan de forma incoherente y en ocasiones vacía, porque no tenemos la más mínima información sobre sus razones para actuar como actúan. Sencillamente hacen lo que hacen, y el espectador lo contempla. Así de fríamente. Este error garrafal en el guión impide que uno pueda sumergirse en la película, y aunque no aburre, nunca tenemos esa agradable sensación de estar pegados al asiento sin poder esperar a ver qué ocurre. Y es una auténtica pena, ya que el film se prestaba mucho a eso.

Pero en todo este desbarajuste hay algo que brilla con luz propia, y es Diego Luna. Actor al que yo recuerdo por un pequeño y entrañable papel junto a Tom Hanks en La terminal, de Steven Spielberg, y que expone todo su potencial y capacidad en un papel lleno de pequeños matices, dando vida a un sicario con principios, que no para de preguntarse interiormente si la vida que ha elegido es la más correcta.

Al final, Sólo quiero caminar se comporta como una bicicleta vieja: anda y le lleva a uno al destino, pero traquetea y chirria sin parar. Y así es este trabajo: cuenta una historia correctamente, pero perdiendo los detalles, la frescura, lo que hace grande a una película. Se recrea demasiado en recursos ya vistos en otros países y que quizá el director esperaba que sorprendieran aquí, pero no ha sido así. Muestra sin censura una mano rota a martillazos al más puro estilo Casino, pero no es capaz de mostrar la cinematográfica belleza de Ariadna Gil en la que podría haber sido una escena de sexo preciosa y largamente recordada -da que pensar lo fácil que es ver los pechos de actrices florero en secuencias que avergüenzan nuestro cine, y lo difícil cuando un desnudo viene a cuento, y las reacciones que provocan en los cinéfilos unos y otros; miren, si no, este inquietante sitio-. Hace falta algo más que violencia cruda y desagradable y unas vengadoras urbanas que no nos podemos creer, para que un espectador inteligente se quite el sombrero y reverencie el ingenio y el talento. Me entristece que un director tan versátil y de tantos recursos no termine de despegar, y quedo a la espera de su próximo proyecto.

imagen: elpais.com

Saw

2008-11-19T15:50:00.007+01:00

Desde su estreno en 2004, esta película del australiano James Wan ha visto cuatro secuelas y está en espera de su quinta y, al parecer, última de la saga. La obra, que ya es un clásico del cine de terror psicológico con tintes de gore, tiene hordas de defensores y detractores. Veamos por qué.
Cuando empecé a ver esta película realmente pensé que estaba ante algo nuevo y realmente interesante. El comienzo es impactante: sin introducción alguna, un hombre despierta en medio de la oscuridad, en una bañera putrefacta. Se descubre encadenado a una tubería, y en compañía de otra hombre también encadenado. Entre ambos, y en un charco de sangre, yace el cadáver de un tercer individuo que parece haberse suicidado hace poco. Los dos comenzarán a conversar con el fin de intentar descubrir por qué están allí, y el modo de escapar.
Este comienzo me enganchó sobremanera y me alentó a pensar que Saw podía ser la película de terror psicológico que había estado tanto tiempo esperando. Pero a los diez o quince minutos de metraje esa esperanza se vino abajo, pues los personajes comienzan a sufrir flashbacks que, si bien están correctamente integrados en la trama, son una elección errónea por parte del director, pues liberan al espectador de la sensación de angustia y claustrofobia que los primeros minutos estaban creando. La dinámica de los flashbacks se convertirá en una constante, por la cual nos veremos constantemente catapultados de la habitación a estos y de estos a la habitación, sin acabar de sumergirnos como es debido ni en una ni en otra situación.
Pero lo peor no es eso, sino la información que nos ofrecen estos recuerdos de los personajes. Mientras que las escenas en la habitación han sido lo más aplaudido del filme por su innovación y realización sobresaliente, las analepsis muestran recursos típicos del thriller, los cuales caen como un jarro de agua fría sobre el espectador que había quedado prendado por los primeros momentos de la película: un policía obsesionado con el asesino, un asesino obsesionado con adoctrinar a sus víctimas, unas víctimas estúpidas que parecen meterse en la boca del lobo... son secuencias prácticamente fuera de la trama, que nos arrancan bruscamente de la acción principal y que quedan muy desligadas de las logradas secuencias de la habitación.
Este efecto tan negativo para el resultado final se comporta como una bola de nieve, y cada vez se va volviendo más abusivo el uso de este recurso y más absurdos ciertos giros del argumento, para acabar desembocando en una situación casi insostenible, de la que yo me estaba temiendo ya lo peor. Pero por suerte, Wan supo redirigir el guión y premia al espectador paciente con un final sorprendente, que se muestra in crescendo, haciendo del último cuarto de hora de metraje un agradable sucesión de golpes de efecto, y le mantiene a uno pegado al asiento sin poder esperar más para saber como se desenlaza la historia.
Respecto a la violencia en Saw, algo sobre lo que se ha escrito mucho y hablado más aún, me veo en la necesidad de desmitificarla. Una de las cosas que hacen de esta película un producto bastante logrado en el género es el hecho de que inquieta y asusta más por lo que no enseña que por lo que sí enseña. Salvo un par de ocasiones puntuales, Saw no tiene la violencia explícita de otras películas; se recrea mucho en lo que podría ocurrirle a la víctima si no logra escapar, o en lo terrible de la situación en que se ve inmersa. Aquí lo que provoca más desasosiego no es la sangre, ni las vísceras, ni los huesos rotos. Es más bien el miedo irracional y absolutamente instintivo que el psicópata consigue provocar en sus víctimas, y cómo estas lo reflejan. James Wan estudió con sabiduría la mente de la masa cinéfila del momento, y explotó como nadie esa parte morbosa que hay en todos nosotros y que nos hace sentirnos identificados con el asesino, con esa personalidad poderosa, invisible, que sabe más que nadie, está en disposición de castigar y premiar y que lo tiene todo bajo control. Aunque, eso sí, yo aguanto muy bien la violencia sádica en el cine: si usted no lo hace, queda advertido de que esta película contiene secuencias muy desagradables, si bien no son tantas ni tan desagradables como se ha querido hacer creer en diversos medios.
En resumen: Saw pudo haber sido una grandísima película además de un lucrativo producto, si su director hubiera tenido el valor (o la oportunidad) de confiar más en su público y permitir que los dos auténticos protagonistas -Leigh Whannell y Cary Elwes-, los habitantes de la habitación, hubiesen ido ahondando en nuestras mentes y desglosando la trama a través de sus más que notables interpretaciones, en lugar de sobreexplotar tanto el fácil recurso del flashback. De este modo se podría haber logrado una experiencia más grata para el espectador, un estudio psicológico más profundo de personas sometidas a situaciones límite (irreales, eso sí, pero no por ello menos interesantes). En vez de eso, se vuelca más hacia derroteros ya vistos antes, creándose algo más parecido a Seven o Resurrección que, por ejemplo, a Cube, obras todas ellas similares a Saw en diversos aspectos . Gustó a unos por lo que tenía de innovador y a otros por lo que tenía de morboso, y no gustó por las mismas razones. Pero no acabó de llenar plenamente ni a unos ni a otros.
Lo que podría haber sido un referente de calidad e innovación en un género infectado en nuestros dias por la basura, los tópicos y cientos de películas absolutamente iguales unas a otras, se queda en un intento loable de establecer un nuevo camino a seguir. Lo lamentable es que a los que han pretendido seguir ese camino les hayan influenciado más las ingeniosas torturas ideadas por el asesino que los ingeniosos recursos escénicos de este joven director. Una pena.

Noches de tormenta

2008-11-12T01:55:00.011+01:00

El cine romántico puede pecar de predecible o manido, lo reconozco, pero yo me confieso ferviente seguidor del género porque, sinceramente, de vez en cuando me apetece ir al cine sin más pretensiones que las de pasar un rato distendido, disfrutando de una bella historia y un puñado de buenos sentimientos. Normalmente voy con una idea preconcebida basada en la experiencia y lo que sé de la película en cuestión, y por lo general es bastante aproximada. Si el filme me ofrece lo que espero de él, me doy por satisfecho y salgo de la sala con la sensación de que me voy con lo que había venido a buscar. Si no me lo ofrece, suelo quedar bastante decepcionado. Pero si, además de no ofrecérmelo, me encuentro con una película tan burda, infantil y mal construida como lo es Noches de Tormenta, entonces es cuando me siento engañado.
Acudí al cine con gran ilusión al saber que la película estaba basada en una novela de Nicholas Sparks, autor de El cuaderno de Noah, obra que inspiró la magnífica El diario de Noah de Nick Cassavetes; pero parece ser que George C. Wolfe, director de telefilmes, no ha sabido plasmar con el mismo talento el estilo de Sparks, o será quizá que Cassavetes lo hizo demasiado bien. Independientemente, nos encontramos ante una película sin pies ni cabeza, donde los personajes actúan sin sentido ni coherencia algunos, y cuyo desarrollo es pesado, torpe y aburrido.
Richard Gere da vida al Dr. Paul Flanner, quien visita un bello hotel costero con el objeto de hablar con una persona. Allí le atenderá una amiga de la dueña -pues esta ha tenido que ausentarse-, interpretada por Diane Lane, y ambos serán los únicos en la casa pues es temporada baja y con predicciones de mal tiempo. La introducción no sólo parece sosa sino que lo es, y el argumento no dará más de sí. Asistiremos a unas interpretaciones apenas correctas, un Gere que parece actuar con pesadumbre y prisa por rematar la faena, y una Diane Lane cuyas lágrimas ingentes son imposibles de creer. En un minuto un huracán estará amenazando a los protagonistas con lanzarlos por los aires, y al minuto siguiente se desencadenará una escena de "sexo", si es que se puede llamar así, en mitad de la tormenta del siglo. Por no enseñar, Richard Gere no enseña ni los pectorales, y la mojigatería con la que son tratadas las escasas secuencias íntimas las relegarán a sábanas cuidadosamente colocadas sobre los pechos, y una penumbra ridícula que sólo ensombrece el interés por las mismas.
Estos dos actores, el núcleo duro del filme -pues sus escenas constituyen casi todo el metraje-, van actuando como autómatas, a los que se les va ordenando sin orden ni concierto que actúen de cual o tal forma, sin la menor personalidad. La trama apenas indaga en sus vidas, ni se esfuerza lo más mínimo en dotarles de tridimensionalidad. Pasan por la película sin dejar huella alguna, ni en la misma ni en el espectador.
Aparte de todo lo anterior, falta mencionar la plaga de tópicos irritantes y vergonzosos de la que hace gala este trabajo, algunos de los cuales ya estaban más que superados incluso por directores noveles, y que sólo emocionarán a adolescentes petardos y ancianas seniles. Particularmente hay uno, el que pone la guinda a la película, que al verlo uno siente algo parecido a que le defequen en la boca. Es prácticamente comedia, les animo a verlo aunque sólo sea por descubrir hasta que punto se puede poner a actores veteranos en las situaciones más embarazosas y forzadas. Pero no quiero deshacerme en tanto insulto rabioso y olvidarme de lo único bueno de esta experiencia; la breve pero bella interpretación de Scott Glenn, actor siempre genial, que aporta la nota de buen gusto que, de faltar, condenaría al público a regurgitar la cena inevitablemente.
La verdad, no esperaba que podría llegar a ver a Richarg Gere en una película tan pésima, chapucera y mal ejecutada, ni que podría resultarme tan desagradable el género romántico. Una película tan difícil de ver sin acordarse de la familia del director, como fácil de olvidar. Sólo comentarles que recuerdo con más intensidad el momento en que una pareja se quedó dormida (casi al principio) y roncando a pierna suelta, y en el que nadie en la sala pudo contener la risa -ni el alivio que todos dejamos ver, al sacarnos un segundo de aquella tortura- que todo lo demás. Posiblemente una de las peores propuestas del año.

imagen: cineando

Camino

2008-11-04T16:14:00.018+01:00

Javier Fesser ha logrado superarse. Director de corta trayectoria en largometrajes, sorprendió a todos con la innovadora El milagro de P. Tinto y arrasó taquillas con La gran aventura de Mortadelo y Filemón. Su trabajo siempre ha estado marcado por la huída constante de los patrones establecidos y por una total ausencia de miedo, a pesar de las duras críticas y, en ocasiones, polémicas, que su cine ha levantado. Y, con Camino, esto se hace aún más patente, pues la enorme controversia que se ha generado en torno a la película no es habitual en nuestro cine.

La película retrata la vida de Camino, una niña que vive en el seno de una familia del Opus Dei, y que se verá afectada repentinamente por una grave dolencia que la postrará en cama con terribles dolores. Su agonía, que vivirá con un temple casi sobrehumano, servirá de escenario para que cuantos la rodean muestren su forma de entender la vida, la muerte y el amor, y desvelen secretos que guardaban celosamente.

Lo más hermoso de esta película es la capacidad tan enorme que tiene para emocionar y para desencadenar sentimientos de todo tipo en el espectador. Fesser mantiene el personal estilo que siempre le ha acompañado, y nos plantea un mundo cambiante, semejante a un particular País de las Maravillas, donde la realidad no se nos muestra de la forma a la que estamos habituados a ver. La piedra angular de la historia es la propia Camino y su particular modo de entender el mundo. Como hija de una madre cuya devoción por Dios y por la Iglesia casi roza el fanatismo, ama a Jesús y a la Virgen como si fueran sus propios padres, pero esta exagerada devoción heredada de su madre se entremezcla con las inquietudes propias de una niña de su edad, a saber: jugar con sus amigas, comenzar a sentirse guapa y querer ser coqueta, participar en una obra de teatro del colegio; estar cerca de un chico por el que se siente atraída...

La amalgama de sensaciones enfrentadas que Camino siente promueven la escisión del mundo que el espectador percibe en la película; por un lado está el mundo inocente, bello y por descubrir en el que la protagonista, dada su edad y energía, se ve inmersa, y del que el máximo exponente es Cuco, el niño del que está enamorada; y por otro, está el mundo oscuro y tenebroso representado por la figura de su madre, y en el que cada paso que da Camino se convertirá en un desproporcionado sacrificio, en ocasiones difícil de entender para el espectador, y para la propia niña. Su enfermedad revolverá estas sensaciones y mundos y los hará chocar bruscamente entre sí, y tanto nosotros como ella iremos perdiendo la noción de la realidad, a través de sueños inquietantes y terribles que sufrirá Camino, en los que su madre se tornará un amenazador verdugo, conversará con un extraño personaje de cuento e incluso tendrá encuentros alucinantes con un incomprendido Lucifer.

De la película destaca prácticamente todo el reparto, pero son especialmente remarcables las interpretaciones de Mariano Venancio, padre de Camino -a quien ya dirigió Fesser en La gran aventura de Mortadelo y Filemón-, un hombre cuya sola mirada puede expresar más que párrafos enteros de texto, y que probablemente ha encontrado en José un personaje con el que mostrar su potencial dramático; Carmen Elías, que como ella misma declaró "conoció a su personaje a fuerza de odiarlo", y ha logrado construir magistralmente a la madre de Camino, uno de los personajes más diabólicos que recuerdo desde la enfermera Mildred de Alguien voló sobre el nido del cuco o la mostruosa Agatha Trunchbull de Matilda, una especie de destructora de la felicidad, para la que hasta querer curarse de una enfermedad terrible es un pecado más terrible aún. Y, por supuesto, la propia Camino, Nerea Camacho, un personaje con el que es imposible no encariñarse, pues transmite una pasión y ganas de vivir que difícilmente podrían haberse recreado con más talento.

Como algunos ya habrán observado, la historia recuerda a la de Alexia González-Barros, una niña madrileña que murió en 1985 a los 14 años de cáncer oseo, también de una familia del Opus Dei, y que actualmente está en pleno proceso de beatificación por la entereza con la que asumió su dolor y su muerte. Y es que la obra de Fesser está dedicada e inspirada en la vida de esta niña -hecho este que precisamente es el que ha desencadenado más polémicas, al no estar la familia González-Barros completamente de acuerdo con el filme-.

Camino es una película muy crítica con el Opus Dei y con el fanatismo religioso, y cualquiera que lo niegue estará engañándose. Pero yo invito a todos los cinéfilos que nos leen a que la vean y disfruten de ella al margen de visiones religiosas, políticas o morales, y desoigan las destructivas luchas dialecticas que se empeñan en teñir el arte de todo lo malo que puede salir del ser humano. Camino es, ante todo, una película sobre la vida y las ganas de vivirla, sobre la juventud, sobre las muchas formas de luchar contra el terrible sino que pesa sobre nosotros: la muerte. Camino es un combate encarnizado entre los que viven en silencio y los que gritan a pleno pulmón; entre los que luchan y los que se arrodillan; entre las preguntas difíciles y las respuestas fáciles. Camino es la prueba más clara de que nuestro cine no está desierto de buenas ideas ni de innovación, y yo la recomiendo a todos aquellos que se han prometido a sí mismos no volver a ver nada del país, por miedo a más caspa y desnudos gratuitos. Una película dura, emocionante, aterradora, que no dejará a nadie indiferente, y que está rebosante de belleza y sensibilidad.

Altamente recomendable.

imagen: flickr

Quemar después de leer

2008-10-26T19:13:00.024+01:00

La última obra de los hermanos Ethan y Joel Cohen, tan desmarcados siempre de la tónica del cine de su país, es una comedia que sigue la estela de anteriores trabajos de la pareja como Crueldad Intolerable o Ladykillers. Si bien no llega a la mediocridad de la primera, sí que nos deja cierto regusto agridulce -como ya ocurriese con Ladykillers- al terminar de verla; una sensación de vacío, como si no nos hubiera acabado de llenar, como si hubiésemos estado esperando toda la película a que llegase algo que no termina de llegar.
Es una comedia alocada y absurda al más puro estilo Cohen; un regreso a la inmadurez mostrada por personajes superficiales que acaban escapando a las circunstancias que los persiguen gracias al azar. En este caso una parodia de los servicios de inteligencia estadounidenses y de la clase media-alta del país, sus protagonistas no piden lo que les ocurre, aunque lo viven con naturalidad si bien lo que les ocurre es de todo menos natural. Y es ese uno de los mayores problemas del cine coheniano para la mayoría del público: "¿pero realmente a mí me interesa lo que le pasa a esta gente tan rara, que pone tantas caras y que tiene unas motivaciones tan tontas en la vida?" Cito textualmente estas palabras que he encontrado en Laoffoffcrítica, y he de confesar que esto también me ha ocurrido a mí, y sobre todo con sus comedias. El cine de estos hermanos puede sentar mal en demasiadas cantidades, por lo esperpéntico de sus protagonistas (tanto personajes como actores) y lo rebuscado de sus historias. Una mente abierta y desenfadada es requisito indispensable para degustar sus películas o corremos el riesgo de abandonar la sala con la sensación de haber visto "algo que no nos interesaba lo más mínimo".
Pero incluso con estas precauciones, tras ver Quemar después de leer me asaltó la terrible duda de si realmente Brad Pitt o George Clooney se han convertido en grandes actores, capaces de los más variados registros, o si sencillamente han logrado sobreactuar hasta cotas inimaginables, arrastrados por la sugestión del trabajo con los hermanos Cohen. Y soy incapaz de atisbar una respuesta.
Cuando la comedia coheniana se sitúa en un cuadro realista, con situaciones o localizaciones de la vida cotidiana, sus personajes desentonan y se encuentran perdidos; si, por el contrario, el escenario es más irreal, su radio de acción se amplía exponencialmente, y tanto ellos como el espectador se encuentran mucho más cómodos y relajados. Quemar después de leer se encuentra en el primer caso, mientras que en el segundo estarían trabajos como Oh Brother. Sólo para recalcar lo que ya he leído en otros medios, y que comparto, diré que esta película supera con mucho a la pobre oferta de comedias americanas del año, si bien se enmarca hacia la parte baja de la producción de los hermanos Cohen, la cual, dicho sea de paso, ha pecado siempre de cierta irregularidad. Regalará al espectador momentos de auténtica carcajada, de impacto aterrador, e interpretaciones poco habituales de Brad Pitt, George Clooney y Frances McDormand, junto a otras mucho más convencionales de Tilda Swinton y sobre todo de John Malkovich, al que veremos casi reinterpretando a su eterno cliché autoparódico de Cómo ser John Malkovich.
Lo más destacable, sin duda, su final indiscutiblemente genial, hilarante a más no poder y que refleja a la perfección el eterno mensaje que siempre imprimen estos hermanos en su cine: que todo es absurdo.
En resumen: estos directores ya tienen más de una obra maestra en su haber como para recurrir a viejas y sobreexplotadas fórmulas para triunfar, y más después de trabajos tan sobresalientes como No es país para viejos. Un artista debe renovarse y evolucionar. Para fans incondicionales de los Cohen, y amantes del cine pausado y de autor, como un servidor.

imagen: elghettodeeneko, flickr

Super Smash Bros. Brawl

2008-10-25T15:35:00.015+02:00

El 27 de junio salió a la venta para Wii Super Smash Bros. Brawl y después de varios meses probándolo tanto en solitario como acompañado llegó el momento de analizar lo mas exhaustivamente posible esta nueva entrega de la saga de Nintendo.

En primer lugar, al analizar Super Smash Bros. Brawl no puede evitarse pensar que serían necesarios dos análisis, uno para los usuarios que no hayan jugado a las anteriores entregas de la saga y otro para los que sí hayan jugado a dichas entregas. ¿Por que digo esto? Muy simple, porque el mayor defecto del juego que nos ocupa es, sin lugar a dudas, su espíritu continuista. Es decir, es tremendamente parecido – incluso igual, en muchos aspectos – al anterior juego de la saga: Super Smash Bros. Meele para GameCube. Aún así, tamaño defecto no puede ser pasado por alto, ni siquiera en el caso de que no se haya jugado a las anteriores entregas, por tanto haré el análisis teniendo en cuenta este punto con todas las consecuencias que ello conlleve.

Super Smash Bros. Brawl, como se diría comúnmente, es un juego de lucha, pero no al estilo de Street Fighter o Tekken donde cada jugador tiene una barra de vida que hay que vaciar a base de golpes. Aquí no hay barra de vida, ni hay combos imposibles de 95 golpes consecutivos, ni Fatalities, únicamente nos encontramos con un número a modo de porcentaje, cuatro botones y, sobre todo, la pericia del propio jugador. Me explico, el sistema de juego de Super Smash Bros. Brawl se basa en lanzar al enemigo fuera de los límites de la pantalla, ya sea por arriba, por abajo o por cualquiera de los dos lados; para ello habrá que golpearle para que su indicador de porcentaje suba – subida que será mayor cuanto mas fuerte sea el golpe –, porque cuanto mas grande sea dicho indicador mas lejos saldrá volando nuestro enemigo cuando reciba un golpe nuestro y lo mismo se aplicará a nuestro propio indicador de porcentaje; por lo tanto tendremos que estar atentos, tanto a golpear al enemigo para subir su porcentaje como a que no nos golpeen a nosotros. Para ello contamos con dos botones para realizar todos los golpes de los personajes, uno para golpes físicos tipo patada y puñetazo y otro para golpes especiales tipo ataque a distancia, magia, etc. de forma que para realizar todos los movimientos debemos pulsar a la vez el botón correspondiente dependiendo de si queremos realizar golpe físico o especial y una dirección del stick de control. También contamos con un botón para saltar y otro para cubrirnos, siendo esta cobertura temporal, quedándonos atontados durante unos segundos si nos la rompen o se nos acaba. A simple vista puede parecer un sistema de control simple, pero nada mas lejos de la realidad, ya que el hecho de que tanto nosotros como el enemigo podamos movernos libremente por el escenario y saltar hace que a veces sea terriblemente difícil acertar un solo golpe, además de que requiere muchas horas de juego llegar a dominar todos los golpes de apenas dos o tres personajes.

Este sistema se complementa con la existencia de objetos que irán apareciendo de forma aleatoria por el escenario. La finalidad de estos objetos es muy variada yendo desde los que nos dan una clara ventaja a modo de aumento de fuerza, hasta los que sirven únicamente para entorpecernos o molestarnos, pasando por todo tipo de efectos posibles sobre el escenario o sobre todos los jugadores a la vez. Estos objetos dan al juego un importante componente de diversión ya que en muchas ocasiones sus efectos son totalmente inesperados o absurdos.

Otro punto que ayuda a completar aún mas el sistema de juego son los escenarios: es una delicia ver como se transforman, se destruyen o sencillamente nos atacan. Incluso en aquellos que no aportan ningún componente táctico al combate es impresionante observar como van transformándose. Sin duda, en este punto hay que alabar a los trabajadores de Nintendo por el mimo con el que han diseñado los escenarios que no hace sino acrecentar la diversión que ya de por sí ofrece este juego.

Y he aquí uno de los puntos fuertes del juego: la diversión. Si buscásemos una sola palabra que definiera Super Smash Bros. Brawl esta sería sin lugar a dudas, diversión. Todo aquel que tenga la oportunidad de pasarse una tarde jugando con sus amigos a este juego, yo le recomiendo desde aquí que no se lo piense dos veces. La experiencia jugable a multijugador del juego que nos ocupa es impresionante.

Aún así es digno de mención el apartado de un solo jugador, por extraño que parezca ya que estamos hablando de un juego de lucha, el apartado de un solo jugador es sobresaliente. Al principio el juego incluye 4 modos de juego; Clásico, que es el típico “modo historia” en el que hay que vencer, en este caso a 12 oponentes hasta llegar al enemigo final; Eventos, que son una serie de combates en circunstancias especiales que se irán desbloqueando conforme los vayamos completando hasta un total de 40; Estadio, el cual se divide en varios modos a modo de minijuegos o combates especiales; y Entrenamiento, en el cual podremos entrenar con el personaje que queramos. A estos se les une otros tres modos secretos que iremos desbloqueando de diversas formas: desbloqueando personajes, completando los modos ya existentes, etc. Además se incluye el modo aventura, llamado el Emisario Subespacial, que podría ser un juego por sí solo ya que tiene unas 12 horas de duración y cuatro modos de dificultad a superar, además lo podremos completar con un amigo en modo cooperativo. A este impresionante despliegue de modos de un jugador se une la existencia de los trofeos y las pegatinas – cuyo número total es, respectivamente 500 y 700 –, que tendremos que conseguir recogiendo en medio del combate o en un minijuego incluido a tal efecto. Por si fuera poco el juego incluye un interesante pero bastante limitado editor de escenarios que podremos utilizar en nuestras batallas multijugador. Además en el juego tienes la posibilidad de jugar en modo multijugador contra jugadores controlados por la máquina, por si únicamente te apetece darte de mamporros pero no tienes a nadie con quien jugar en ese momento. Además el número de modos multijugador también es ingente ofreciendo al usuario todo tipo de enfrentamientos a gusto del consumidor.

Hablando de las posibilidades multijugador, también merece un apartado el modo online, pero desgraciadamente no por su calidad. En un incompresible afán por parte de Nintendo de proteger al usuario o quizá de ofrecer un servicio simple, el modo online se convierte en una simple anécdota en la que frustrarse porque en última instancia no estarás seguro si estas luchando contra humanos o contra la máquina. Esto es, eliges modo online, eliges personaje y empiezas a luchar, y ya está, sin saber quienes son tus contrincantes, ni sus nombres y sin ni siquiera la opción de poder hablar con ellos. Esto hace que de tan impersonal, acabe siendo aburrido y al final te decantes por jugar en el modo multijugador normal contra la máquina.

Como he dicho al principio de este análisis el mayor punto negativo de Super Smash Bros. Brawl es su similitud con su antecesor, y es que todo aquel que haya jugado a Super Smash Bros. Meele de GameCube no encontrará nada realmente nuevo en este juego, de hecho se podría decir sin riesgo a equivocarse que Super Smash Bros. Brawl es igual que el anterior pero con mejores gráficos y con todos los elementos que lo hicieron bueno pero elevados al cuadrado. Es una pena que en esta ocasión no haya salido nada nuevo de la brillante mente de Miyamoto que haga único a Super Smash Bros. Brawl.

Otro aspecto digno de mención es la banda sonora. Nos encontraremos con decenas de remakes de melodías sacadas de los mejores videojuegos de la historia compuestas por los mejores compositores de videojuegos; Noubo Uematsu, compositor de la música de Final Fantasy; Harry Gregson-Williams, compositor de la serie Metal Gear; Koji Kondo, compositor de casi todos los juegos de Nintendo (Zelda, Mario Bros, Donkey Kong,...); y un largo etcétera en el que podremos deleitarnos luchando mientras escuchamos algunas de las canciones que hicieron grande a la industria del videojuego.

Como conclusión y ya para terminar, decir que Super Smash Bros. Brawl es un gran videojuego, probablemente el mas divertido de jugar en modo multijugador, que nos hará pasar muchas horas entretenidas intentando sacar todos los modos y personajes ocultos así como conseguir todos los trofeos y pegatinas; pero que desgraciadamente no aporta nada nuevo a una saga que ya era grande en sus anteriores entregas. No se puede decir que es un error menor, pero afortunadamente es un error que no nos obstaculizará para disfrutar de uno de los mejores juegos para jugar rodeado de amigos. Únicamente espero que si hay una nueva entrega Nintendo sea capaz de sorprendernos como lo hizo con el Super Smash Bros original para Nintendo 64.

Idioma:

-Voces: Español
-Textos: Español

Plataforma: Wii

imagen: IGN, deviantart

Gears of War

2008-10-23T19:13:00.029+02:00

El programador y creativo norteamericano Cliff Bleszinski, al que nadie parece recordar por su trabajo como desarrollador de una de las licencias que más nombre de leyenda ha cobrado con los años en el mundo del videojuego, Unreal, ha ganado últimamente nueva fama por la última obra de su equipo, Epic. Estoy hablando de Gears of War, del que ya se ultiman los preparativos de su secuela y está en proyecto su adaptación cinematográfica.

Gears of War es un juego de acción en tercera persona, que nos sitúa en un futuro en el que la humanidad se halla librando una guerra contra una especie alienígena procedente de las profundidades de la tierra, conocida como Locust. La fecha exacta de los hechos, o si estos tienen lugar o no en nuestro planeta, son datos que el jugador nunca llegará a conocer con precisión. Este encarnará a Marcus Phoenix, un soldado acusado de traición y encarcelado, pero al que el alto mando del ejército tendrá que recurrir por la escasez de efectivos en que se encuentra.

El juego se fundamenta en una sucesión constante de escaramuzas contra los Locust, lo que a su vez constituye la principal innovación que Gears of War aportó al mundo de la acción 3D, por lo que explicaré a continuación. Los escenarios son en su mayoría ruinas de lo que pudo ser un día un mundo próspero y rico, lo que hace pertinente que estén poblados por paredes derruidas, cascotes, coches quemados y un sinfín de objetos que el jugador podrá usar como parapeto, apoyando su espalda contra ellos con sólo polsar un botón. Una vez en esta postura, podrá asomarse y disparar a los enemigos que estarán haciendo lo propio unos metros más hallá. Esto, unido a su otra y quizá más importante innovación (si exceptuamos Halo 2), la posibilidad de juego en modo cooperativo con un amigo a través de Live o red local, ofrece una experiencia de juego intensa, emocionante y divertidísima.

La ambientación de la obra es magistral. Las ruinas son de una belleza sublime, que inspira tristeza y melancolía al jugador atento; las texturas están comprimidas a gran resolución y los entornos están llenos de objetos que les conferirán relieve y personalidad, a lo que hay que sumar la generosa optimización del juego. Edificios de gobierno de estilo modernista, plazas balconadas, calles de casas bajas con zócalos de pizarra, estaciones de tren estilo años 20... todo tiene cabida en manos de un programador que sabe mimar los detalles.

Entonces, si Gears of War es divertido, emocionante, hermoso e innovador a nivel jugable... ¿cúal es, pues, su problema? Su problema es, una vez más, el pobre argumento que ofrece. Una historia simple y tópica, contada por los soldados que Hollywood nos tiene acostumbrados a ver; gente irracional y animalizada que no conoce el miedo ni se hace preguntas, de pobre inteligencia y brusca capacidad de actuación. La aventura reune durante varios días ininterrumpidos a cuatro soldados que no intercambian en ese tiempo ni una palabra que no tenga que ver con "patear culos alienígenas" o con disparar a algo o destruir algo. Y eso que los dos protagonistas se conocen hace tiempo y son buenos amigos. A lo que hay que añadir que el hilo argumental está mal construido y peor contado, y no resultará raro que nos perdamos mientras los personajes lo van desglosando confusamente.
El guión intenta dar sentido a los acontecimientos con unos vagos referentes al padre de Marcus Phoenix, famoso soldado, y poniéndo en oídos del jugador una misteriosa voz femenina que los Locust parecen escuchar en su cabeza, pretendiendo, sin conseguirlo, hacer que se sienta identificado con la causa del enemigo.

Gears of War es un caso más de un grande y precioso continente sin el menor contenido. Consideremos que estamos ya en el año 2008. Son muchos años de industria detrás de nosotros, y de una industria que fructifica gracias a juegos vacíos y sin más alicientes que los gráficos y jugables. El jugador medio es quien debe cortar el ciclo, y a estas alturas exigir algo más que aniquilar humanoides sin razón aparente, o pasar unos cuantos momentos divertidos.

Y, finalmente, debo mencionar la guinda final que nos toca degustar a los usuarios españoles, y no es otra que uno de los peores doblajes de los últimos años. Hecho sin el menor gusto, nos regalará con un alarde de frases inconexas y absurdas, que a su vez darán lugar a diálogos que, más que permitir la inmersión del jugador en la ya de por sí precaria historia, le harán reír a carcajadas; lo más gracioso vendrá cuando los protagonistas contesten con enfado a situaciones de alegría, o expresen indiferencia ante la muerte de un compañero. Una auténtica vergüenza.

Una vez más compruebo con resignación cómo un título que podría haber sido una obra maestra se queda anclado en lo convencional, tirando por la borda las enormes posibilidades que brinda la industria actual. Gears of War se queda en eso, un juego con el que pasar buenos ratos, pero no para recordar eternamente como uno de los grandes del género.

Requisitos Mínimos:
-Sistema operativo: Windows XP / Vista
-Procesador: 2.4 GHz
-Memoria: 1 GB
-Espacio en disco duro: 12 GB
-Tarjeta gráfica: NVIDIA GeForce 6600+, ATI X700+

imagen: IGN

El niño con el pijama de rayas

2008-10-18T18:46:00.009+02:00

Hace pocos días acudí al cine a ver El niño con el pijama de rayas (The boy in striped pyjamas), la nueva producción de Disney a cargo del director británico Mark Herman.
Desde el primer momento recibí la película sin ningún entusiasmo, casi con aburrimiento, a saber: porque no soy muy amigo de las adaptaciones oportunistas de best-sellers - en este caso, el libro homónimo del escritor John Boyne -; y porque me considero saturado de filmografía sobre el Holocausto, tema del que parece imposible presentar una nueva visión. Pero no lo es.
Así me lo ha demostrado esta película, la cual me ha sobrecogido y sorprendido gratamente a causa de diversas características que, a mi juicio, la diferencian de otras obras del género.
En primer lugar, destaca de El niño con el pijama de rayas que es una película narrada desde un punto de vista íntegramente alemán. No aparece ni rastro de los norteamericanos, ni como libertadores ni representando ningún otro papel, salvo algunas vagas alusiones a la guerra. En segundo lugar, los judíos no se presentan como núcleo de la historia, sino que se examina su cuestión desde fuera.
La mirada de un niño alemán, hijo de un oficial nazi destinado en un campo de concentración, sirve para conocer con cierta distancia y frialdad la situación de estas personas condenadas a la explotación y a la matanza. El alejamiento con que, de este modo, se observa la cuestión ayuda a remarcar la situación deshumanizada y bestializada en que se halla la comunidad; favorece el sentimiento de que a esta gente se la ha vaciado de las más rudimentarias nociones de civilización, y se allana el terreno para crear un impacto mayor a la hora de mostrar las caras más duras del abominable acto genocida. Nunca pensé que una película pudiera reflejar efectivamente semejante episodio histórico; creía que todo quedaría siempre en una obra desagradable o emotiva, lacrimógena o severa, pero desde luego este filme ha conseguido sobrecogerme y me ha permitido tomar mayor conciencia - a nivel visual y narrativo - de los hechos representados. Todo ello gracias a este nuevo tratamiento - para mí, revolucionario - en el que no sólo los judíos son observados con distancia, sino que hay un notable acercamiento a los nazis.
El niño con el pijama de rayas se desprende del soldado brutal y mastodóntico que vocifera palabras ininteligibles en un alemán con sonido orco para retratar seres humanos de carne y hueso, personas a menudo normales que se ven implicadas en una situación que les desborda, que les repugna o que tal vez les entusiasma. Se hace más desagradable y grave la historia, pero a la vez más cercana a lo real, en el momento en que podemos verla como posiblemente fuera: protagonizada por seres humanos privados violentamente de su humanidad y, del otro lado, también por seres humanos privados de su humanidad, pero con otra violencia: la del fanatismo o el terror y la impotencia. Incluso queda un hueco en este filme para representar la oposición interna al racismo en la Alemania nazi, tema casi siempre obviado por un Hollywood que demoniza al germano como autor indiscutible de la mayor masacre de la historia.
Una película original y muy bien realizada, a la que se añade el siempre estupendo trabajo del actor David Thewlis. Mi más sincera recomendación.

imagen: El País, Flixster

SPORE

2008-10-04T01:39:00.039+02:00

EL DIOS SE DERRUMBA

Después de casi un mes de probar incansablemente Spore, creo que ha llegado el momento de analizarlo detalladamente aunque, la verdad, no sé qué puedo decir que no se haya dicho o escrito ya, de formas más o menos incendiarias, en otros medios. No diré nada referente a su editor de criaturas pues ya lo dije todo en su momento en mi análisis del Spore Creature Creator.

Bien, veamos. Spore prometía recrear el nacimiento y evolución de una forma de vida alienígena desde sus inicios más tempranos (protozooicos, por así decirlo) hasta una fase de desarrollo en la que estuviera en disposición de salir de su planeta de origen, y más aún, de conquistar el espacio.

Pues bien, he de decir que el resultado final está muy lejos de lo prometido por Will Wright. Tras haber jugado unas horas a Spore, cualquier jugador echa de menos la sensación de estar asistiendo a dicho proceso evolutivo; y tras jugar dos horas más, descubre con frustración que Spore nunca podrá ofrecérsela.

El juego se divide en cinco fases diferenciadas (unas más que otras). Al iniciar una nueva partida elegiremos si nuestra criatura será carnívora o herbívora y el nombre de su planeta natal, tras lo que comienza el primer y muy celebrado estadio de célula, donde asistimos a la "llegada" al planeta del organismo al que controlaremos (en un guiño sutil a la teoría de la panspermia) dentro de un fragmento de meteorito. En esta fase de poco más de media hora nos moveremos en un precioso entorno en dos dimensiones comiendo o bien trocitos de carne de otros organismos, o bien algas, dependiendo del tipo de alimentación que seleccionamos antes. Según vayamos comiendo iremos creciendo, y finalmente una animación nos dará a entender que hemos desarrollado un incipiente cerebro y habrá que añadirle patas a nuestra criatura, pues estaremos ya preparados para emerger de las aguas y poner el pie en tierra firme.

Aquí comienza la fase animal, o estadio de criatura. En dicha fase nuestra criatura establece un nido donde hay otros de su misma especie, aunque nosotros controlaremos a un único individuo. En esta fase del juego, el plantemiento es tan sencillo como pasear por las proximidades de nuestro nido en busca de otros nidos semejantes, pertenecientes a otros seres, y decidir si aniquilar a sus habitantes o interactuar con ellos. Ambas decisiones conforman un sencillo reto y el decantarse por una u otra no afectará en gran medida al desarrollo posterior de la partida. Tras exterminar o hacernos amigos de unas cuantas especies, nuestro cerebro crecerá de nuevo y desarrollaremos un instinto tribal, dando paso a la tercera fase: la de tribu.

En la fase tribal, pasaremos de controlar a un único individuo a varios. Tendremos un chamán a nuestra disposición, con un par de ataques especiales, y un grupo de miembros de la tribu a los que podremos armar con lanzas o hachas, o bien con instrumentos musicales; las primeras para la vertiente bélica de la interacción con otras especies, y los segundos para la vertiente más pacífica. Esta dicotomía, por si el lector aún no lo aventura, dominará toda la experiencia de juego en Spore. En esta fase, lo que antes era un reto sencillo, dado que estábamos conociendo el juego y sumergiéndonos en la acción, pasa a ser ahora un reto simplón y bastante aburrido: la comida abunda, en forma de especies aún en fase animal (en caso de ser carnívoros) o en forma de frutas (en el caso contrario, o ambas si somos omnívoros), y las tribus enemigas, incluso las agresivas, esperan pacientemente a que reunamos un ejército para atacar, además de no ofrecer una resistencia encarnizada a su extinción. Se nos presenta un sucedáneo de juego de estrategia en tiempo real, al poder crear un cierto número de casetas, que serán las que proveeran a nuestra tribu de armas, instrumentos o ciertas capacidades especiales, estando sus ubicaciones predefinidas y sin haber necesidad de construirlas todas. Y de nuevo la misma rutina, interactuar de un modo u otro con los que nos rodean y desarrollar nuestro cerebro una vez más.

Y así daremos paso a la cuarta fase del juego, el estadio de civilización. Un impulso invisible ha barrido de la faz de nuestro mundo a todas las especies que habían evolucionado menos la nuestra, y emergerán ciudades enfrentadas entre sí por todo el globo. El planteamiento de las fases anteriores alcanza aquí su faceta más tediosa; existen tres tipos de unidades a construir en nuestra ciudad, a saber: vehículos terrestres, aéreos o navales. De los mismos, cada uno puede tener finalidad militar, económica o religiosa. Los militares servirán para tomar ciudades enemigas por la fuerza, y los religiosos para hacerlo pacíficamente, "convenciéndoles" para que se unan a nuestro bando. Cualquier decisión se puede reducir a acumular una docena de vehículos y mandarlos a la ciudad a conquistar, cuyas defensas siempre serán irrisorias. Cuando todas las ciudades estén bajo nuestro dominio, se escucharán voces que pedirán la conquista del espacio, dando comienzo la quinta y última fase de Spore.

El estadio del espacio es el cuerpo principal del juego, siendo todo lo anterior poco más que un prólogo decepcionante, simplón y reiterativo. Por suerte el juego permite no tener que volver a empezar de nuevo en una hipotética nueva partida, pues podremos elegir el estadio en que queremos comenzar, aunque el estadio del espacio, como explicaremos a continuación, no ofrece mucho más de lo mismo hasta ahora.

Una vez que salimos al espacio, lo que más llama nuestra atención es el tamaño tan gigantesco de la galaxia, y el enorme número de estrellas a visitar. Si alejamos la cámara tendremos una visión panorámica de la galaxia, y toda ella es visitable. En un principio en nuestro mundo, y más adelante también en los mundos de otras razas pacíficas que también hayan llegado al espacio, podremos adquirir toda una variedad de objetos para utilizar en los planetas que visitemos, o para dotar a la nave de nuevas y mejores capacidades. Nuestra nave será nuestra interfaz en este estadio, y sólo podremos controlar una. Con ella abduciremos animales y plantas, y usaremos todo nuestro arsenal de armas y herramientas para terraformar.
Los pilares de la fase son la conquista de mundos deshabitados, estableciendo colonias en ellos. Si nos interesa un sistema aliado pero no queremos declarar una guerra, bastará con establecer una ruta comercial con ese aliado en un planeta de ese sistema; no dará beneficios, pero al llenarse una barra de progreso, él mismo nos pedirá que le compremos el sistema. La economía se basa en la especia, un recurso que abunda en el universo y que los planetas colonizados producen. La recogeremos en un mundo para después venderla en otro y así obtener beneficio. El sistema recuerda mucho al de Pirates! de Sid Meier, pero al contrario que en aquel título aquí la fluctuación es aleatoria y no hay modo de saber dónde y cuando será más cara o más barata, convirtiéndose a veces el proceso en un auténtico dolor de cabeza. Para colmo, existe especia de varios colores; si bien entre los cuales no hay diferencia alguna, cada planeta sólo comerciará con un color único, con lo que acertar con la oferta y demanda se hace aún más complicado y hastiante.

La dinámica del espacio se sustenta en misiones que nuestros aliados o nuestra propia gente nos van proponiendo, y que desgraciadamente no tardan en hacerse rutinarias. Se nos pedirá una y otra vez viajar a cierto planeta a sacrificar cierto número de animales infectados con un virus letal, para evitar que se extingan y con ello arrastren al resto del ecosistema. De no acudir a la llamada de socorro, las especies animales irán desapareciendo una tras otra, y tras ellas las plantas, convirtiéndose el mundo en cuestión en un yermo sin vida (pues, en el universo de Spore, no existe la autorregulación de ecosistemas, y el más mínimo fallo en su equilibrio acaba con todo rastro de vida). El jugador no debe esperar un estudio epidemiológico, o el uso de un escuadrón especializado en plagas, o en astrobiología; el procedimiento es viajar al planeta afectado y matar, con nuestra propia nave, a los individuos enfermos con nuestro láser de proa.
El resto de misiones parecen cortadas con el mismo patrón: un aliado nos pide ayuda en un planeta asediado por el enemigo; un aliado desea cierta planta o animal para su estudio; un aliado quiere algún objeto raro. La consecución de estos objetivos siempre pasará por presentarse físicamente en el planeta y matar o abducir con la nave lo que sea que hemos de buscar.
Pero la palma es sin duda para las peticiones de ayuda de nuestras propias colonias. Pueden darse en planetas lejanísimos (pues en poco tiempo nuestro imperio cubrirá docenas de sistemas), y de no acudir la llamada de socorro concluirá con la destrucción de las ciudades del planeta o incluso con su captura por parte del enemigo. Y dichas llamadas ocurren, sin exagerar, cada cinco minutos. Por no hablar de los ataques a nuestro planeta natal, tan constantes que nos darán ganas de cerrar el juego con tal de no escuchar a nuestro "presidente" lloriqueando en pos de nuestra ayuda, puesto que nuestra nave parece ser el único integrante de la flota militar de nuestra raza.

La terraformación será un agradable descubrimiento en un principio, para convertirse más tarde en una mera anécdota. Si la atmósfera es fría, debe calentarse; si es delgada, debe espesarse; y viceversa. Cuando el estado del planeta es apto para la vida, hay que introducir tres especies de plantas para estabilizarlo, y más tarde herbívoros y carnívoros. Entonces ese mundo está dispuesto para establecer una colonia en él. Como he dicho, al principio la terraformación será algo divertido, pero al terraformar catorce planetas comenzará a ser un proceso algo repetitivo, a la vez que inútil, ya que siempre habrá planetas habitables.

Y llegamos al peor aspecto, con diferencia, de esta fase espacial de Spore: la conquista de otras especies. La mayor flota que podemos llevar con nosotros se reduce a cinco naves aparte de la nuestra, y no naves de nuestro ejército, sino naves amigas que nuestros aliados nos prestan gustosamente. Las guerras las libraremos siempre nosotros, seis naves contra toda la flota enemiga, y aún así nuestra superioridad de fuego será más que evidente. Si aún así tenemos algún problema, el dinero puede comprar la victoria, pues se pone a nuestra disposición todo un elenco de superarmas, habilidades especiales y facilidades varias que harán aún más fácil, si cabe, la tarea. Bastará con destruir las ciudades enemigas y tomar el sistema, repitiendo esto una y otra vez hasta que a nuestro enemigo no le queden planetas, acabando así con él.
Un juego de proporciones tan mastodónticas hubiera requerido un sistema más elaborado, más complejo, más dinamico y, en definitiva, más divertido. Las batallas son aburridas, casi esquemáticas... y aún diría más, rozan lo ridículo, pues es impensable que una especie que pretenda conquistar el espacio lo haga con unas pocas naves, conquistando planeta a planeta al enemigo.

Una vez que llevamos dos o tres días en esta fase, el jugador se pregunta si el juego plantea algún reto último a alcanzar, o si el sistema de misiones de recadero se puede extender al infinito. La respuesta es que sí, hay un objetivo último, y es llegar al centro de la galaxia. Pero la verdad es que, cuando llega uno a discernir que no le queda nada por hacer que no haya hecho ya doscientas veces en esos dos o tres días, le queda muy poca curiosidad por saber qué hay en el centro de la galaxia.

¿Cuál es, entonces, la conclusión que se puede extraer del tan esperadísimo Spore, obra del así llamado gurú de los videojuegos Will Wright, y al que llevamos esperando más de cuatro años? Es un juego que nos ha defraudado profundamente. Se quiso acercar tanto a todos los públicos que su sencillez se torna simpleza, su adecuación bobería, y su planteamiento de juego abierto, algo infantil e inocentón.
Spore es un juego que aburre. No ha logrado recrear la evolución de una especie, ni siquiera la evolución espacial de una especie; es un juego que entretiene durante una semana, pero es un entretenimiento caro al precio al que está el videojuego actual. Lo más loable del título es sin duda sus potentísimos editores y su estética, algo que, dicho sea de paso, debe comenzar a perseguirse en una época dominada por la tiranía del más difícil todavía en lo que a gráficos se refiere. Pero esto no es suficiente para justificar la compra de un juego que arrastra cuatro años de proyecto: además el cuerpo del juego se desarrolla en el espacio, que es donde menos disfrutaremos de esas creaciones que hemos hecho con tanta dedicación, y que casi siempre veremos como diminutos bichitos que pululan por los planetas, los cuales visitaremos poco y fugazmente.
Este juego no merece su precio ni el revuelo que ha causado, y el tiempo sin duda lo pondrá en tela de juicio cuando se revelen sus carencias. En la humilde opinión del que escribe, me llevo el buen sabor de boca de la bellísima fase celular, y la tristeza de lo que pudo haber sido y no fue. Aunque, eso sí, el camino está abierto.

Requisitos mínimos:

Windows XP
2.0 GHz P4 procesador o equivalente
512 MB RAM
128 MB Video con Pixel Shader 2.0
6 GB de HD

Requisitos recomendados:

Windows Vista
2.0 GHz P4 procesador o equivalente
768 MB RAM
128 MB Video Card con Pixel Shader 2.0
6 GB de HD

Ordenadores con gráfica integrada:

Intel Integrated Chipset, 945GM o superior
2.6 GHz Pentium D CPU, o1.8 GHz Core 2 Duo
768 MB RAM

imagen: Meristation, IGN

El Señor de los Clanes

2008-06-28T04:03:00.014+02:00

Recientemente he podido leer la novela titulada El Señor de los Clanes (Lord of the Clans, Pocket Book 2001) publicada en España por La Factoría de Ideas en el año 2005, de la autora norteamericana Christie Golden.

Debo reconocer que tomé el libro sin muchas ganas, pensando al principio que sería tan aburrido como suele serlo la Dragon Lance. Sin embargo, me llevé una muy grata sorpresa. No ya porque sea una buena lectura, sino porque es un libro. Sencillamente, un libro.
Digo esto a razón de que, tristemente, el género de espada y brujería está en manos de unos cuantos escritores que, a través de algunas colecciones de usar y tirar, han llenado las librerías de medio Occidente con páginas y páginas de paja y garabatos mal compuestos. La situación degradada de este campo, su escasa fama o su relación automática con el frikismo casposo, es resultado de unos escritores infantiloides, carentes de estilo, y de un público que lamentablemente sigue comprando estas cuasinovelas sin exigir algo más de calidad.
No obstante, para nuestra sorpresa, Christie Golden nos ofrece un trabajo de un nivel más que aceptable, brillante podría decirse, si lo comparamos con todo el lodo narrativo que le rodea en este maltratado género. Más aún si tenemos en cuenta que es un libro orientado a los usuarios del videojuego, a menudo gente que no busca rigor argumental ni corrección literaria, sino que se conforma con tramas facilonas y absurdas siempre y cuando incluyan a sus personajes favoritos. Sin embargo, la autora nos permite saltar del videojuego al libro y no estrellarnos contra una pared de burda escoria mal escrita, sino con una auténtica novela, un verdadero libro que, por desgracia, tal vez no será apreciado por aquellos que sin duda sólo quieren poder decir que Thrall tiene un martillo muy guapo o que el malo es muy heavy.
Por muchos otros sí. Algunos que fueron desanimados, pensando que seguramente, lo mal visto de un videojuego produciría un libro simplón, fácil y justito, por no decir malo. Otros muchos que, como yo, pasamos directamente a la lectura sin recorrer antes un juego que, por otro lado, tiene unas recomendaciones más que fiables.
Así, descubrimos no la historia de un bestia machaca-mucho, lo que por desgracia más ha trascendido del ya nombrado Thrall; sino una auténtica reflexión sobre un personaje torturado, carne convertida en mercancía, esclavo, gladiador y guerrero. Una criatura que, página tras página, explora los rincones de su propia existencia, dura y fría, para aprender y construirse una personalidad sólida que le permita enfrentarse a un destino que teme y desea al mismo tiempo. Golden investiga a Thrall y al mismo tiempo reinventa a los orcos, unos orcos tan complejos que casi parecen reales, humanos; unos orcos que la escritora aprovecha para instituir, ni más ni menos, que en un alegato contra el racismo y la esclavitud. Nos planteamos a través de los ojos rojos de estas bárbaras criaturas míticas, cuáles son las diferencias, qué significa el color de la piel o verse privado de la libertad desde la existencia más temprana.
Una mención especial merece también el personaje de Aedelas Blackmoore. Guerrero de segunda división, estigmatizado por pertenecer a una familia poco reconocida, este sujeto patético, borracho y cruel se convierte también en una reflexión sobre las personas malas, pura y llanamente malas; nos preguntamos continuamente, leyéndole, si de verdad este ser malvado es así por genética, tiene sus motivos para ser el villano de la historia o si simplemente se comporta como mejor sabe.
De esta novela cabe destacar su originalidad, la calidad poco habitual en este sector y su entretenimiento. Quizá se le acusa una historia tal vez demasiado poco pulida, bruta, unos personajes que podrían estar aún más explotados y ciertos errores de la trama que nos chirrían a medida que ésta avanza. Sin embargo, recomiendo a todos los aficionados al género su lectura; y aquellos que huyeran de él por su acostumbrada mala calidad, la oportunidad de descubrir un auténtico libro entre la paja que normalmente nos ofrece.

imagen: RolCraft

Mass Effect

2008-06-23T16:20:00.028+02:00

El pasado día 6 de junio salió a la venta para PC el videojuego de Bioware Mass Effect. Hace ya siete meses que los usuarios de Xbox 360 están disfrutando de dicho videojuego y la espera, aunque corta si tenemos en cuenta otros títulos aparecidos también para consola y PC's, le ha servido a Bioware para perfeccionar el ya de por sí sobresaliente apartado gráfico y realizar una serie de mejoras en la jugabilidad que más adelante pasaré a comentar.

Lo primero que llama la atención cuando empezamos a jugar a Mass Effect es el aspecto cinematográfico que el equipo de diseño ha conseguido darle al juego. Desde las conversaciones hasta los vídeos -escasos pero espectaculares-, el juego tiene una manera de contarnos la historia que engancha desde el primer minuto de juego. Y es en dichas conversaciones donde se ve el magnífico trabajo de doblaje que se ha llevado a cabo con horas y horas de diálogo con una cantidad ingente de opciones distintas para llevar la personalidad del personaje como uno quiera, eso sí, todo en inglés subtitulado en castellano.

El juego se podría calificar como RPG, pero sinceramente y en la humilde opinión del que escribe, de RPG tiene mas bien poco -aunque muy bien llevado, eso si-. Empezamos el juego eligiendo el tipo de personaje con el queremos jugar, su aspecto físico, su profesión, su pasado y su personalidad, pero hasta ahí llega la personalización del personaje. Todo aquel que haya jugado a anteriores juegos de Bioware enseguida se dará cuenta de que se queda muy corto; las características tales como fuerza, destreza, etc, típicas de todos los RPG's, aquí no existen y tampoco tenemos habilidades para el uso de armas, ni libro de hechizos ni nada parecido; todo ello es sustituido con un simple -simplísimo, diría yo- sistema de talentos que viene predefinido dependiendo de la profesión que hayamos escogido y cuya puntuación determina lo buenos que somos en determinado aspecto, como uso de pistolas, electrónica, etc. Cada nivel se nos otorgará una serie de puntos para distribuirlos como queramos en dichos talentos. Aún así se incluye un botón que nos permitirá que el juego nos distribuya los puntos automáticamente en base a nuestra profesión.

Los combates ya no son del tipo “apuntar al enemigo y hacer click con el ratón” sino que pulsando cierto botón el personaje saca el arma -en el juego no existen las armas cuerpo a cuerpo- y en medio de la pantalla aparece una mirilla al más puro estilo Half-Life, esto es, que en cuanto sacamos el arma el juego se convierte en un shooter. Al margen de lo que pueda pensar un servidor acerca de los elementos RPG que no han incluido en el juego, he de admitir que los combates son muy divertidos y endiabladamente entretenidos. En cuanto desenfundamos el arma podemos pegarnos a cualquier superficie plana para cubrirnos de los disparos enemigos y si caminamos hasta el borde de dicha superficie podemos asomarnos momentáneamente para disparar y volver a escondernos. La IA de los enemigos está bastante conseguida y la mayoría de las veces intentarán rodearnos o acercarse lo mas posible para pillarnos desprevenidos. En el juego no vamos solos sino que estamos acompañados de dos personajes que no podremos controlar en ningún momento, pero a los que sin embargo podemos dar órdenes. Si queremos que uno de los compañeros vaya a una posición concreta del escenario, basta con que mantengamos pulsada la barra espaciadora y entonces toda la acción se para en seco y aparece en pantalla un sencillo menú donde tenemos control total sobre nuestras acciones y las de nuestros compañeros, el tipo de arma que queremos llevar y si queremos utilizar una habilidad concreta; después basta con que soltemos la barra espaciadora y el compañero realizará la acción indicada. Pero no sólo de balas vive el hombre, pues como ya he dicho podemos usar habilidades que serían los equivalentes a los hechizos tradicionales. Estas habilidades están muy conseguidas y muy bien implementadas en el contexto del universo creado por Bioware y, si bien el mejor modo de matar es meter una bala entre ceja y ceja al enemigo, la mayoría de ellas nos sacarán de mas de un aprieto; las habilidades bióticas nos serán muy útiles, por ejemplo, cuando estemos combatiendo contra varios enemigos a la vez y queramos dejar fuera de combate a uno mientras concentramos el fuego de nuestras armas en otro, mientras que las habilidades tecnológicas nos servirán para debilitar al enemigo pero sin llegar a matarlo.

Como ya he comentado anteriormente, otro punto importante son los diálogos. En ellos los personajes gesticulan, se mueven y, en pocas palabras, parece que están vivos; y es que es digno de admiración el trabajo de animación corporal y sobre todo facial llevado a cabo. Aún así hay pequeños fallos en la animación de los personajes humanos ya que ciertos gestos se ven un poco artificiales: de hecho, es curioso observar como los gestos de los personajes alienigenas parecen más naturales que los de los personajes humanos ya que no sabemos realmente como gesticularía un alienigena. Por otro lado las conversaciones tienen siempre varias opciones de diálogo, haciendo que el personaje se vuelva malvado o bueno dependiendo de cómo resolvamos las situaciones -cosa que no sólo afecta a los diálogos sino a la forma de jugar en general-. De esta manera cuanto mas malvados o buenos seamos aparecerán mas opciones de diálogo que nos permitirán resolver ciertas disputas dialogando tranquilamente o de manera bastante menos civilizada. Y es que mediante las conversaciones también se ganarán puntos de experiencia para subir de nivel ya que todas tendrán opciones de investigación para profundizar más en el tema del que estamos hablando. De este modo, cada vez que descubramos algo interesante acerca del trasfondo del juego se nos irá llenando una base de datos llamada Códice, accesible desde el menú del juego y con cada nueva entrada de esta base de datos nos darán puntos de experiencia, haciendo así mas interesante el hecho de preguntar hasta que nuestro interlocutor esté harto de nosotros.

Un punto negativo del juego es la duración y el sistema de misiones. A lo largo del juego nos irán mandando una serie de misiones que debemos cumplir para avanzar en la trama, lo que comúnmente se llama “misión principal”. Además también nos irán mandando una serie de misiones secundarias -unas veces de manera fortuita y otras al llegar a un sitio o hablar con alguien- que no son obligatorias para avanzar en la trama del juego y que podemos completar cuando más nos convenga o cuando nos apetezca. El principal atractivo de estas misiones secundarias, además de completar completamente el juego, es que la recompensa suele ser en forma de dinero, experiencia y algún que otro objeto; lamentablemente estas misiones suelen ser en su mayoría repetitivas, limitándose a ir a un planeta y explorarlo. De esta manera se hace evidente la corta duración del juego, el cual puede completarse con todas las misiones secundarias en apenas 40 horas.

Otro de los aspectos del juego por un lado increíble y por otro decepcionante es la exploración. Mediante un mapa galáctico colocado en nuestra nave podremos acceder a una serie de cúmulos -agrupaciones de estrellas- y en cada cúmulo hay colocados diversos sistemas que están formados a su vez por una pequeña cantidad de planetas. Si tenemos en cuenta que hay quince cúmulos, que en cada cúmulo hay una media de tres sistemas y que en cada sistema hay una media de cinco planetas, nos da un total de mas de doscientos planetas, una cantidad impresionante si no fuera porque ni siquiera la mitad de ellos se pueden visitar. La realidad es que en cada sistema hay como mucho un planeta que podremos explorar y dejando aparte la espectacularidad gráfica de algunos de ellos, estas exploraciones terminan siendo bastante repetitivas. Pero como he dicho antes aquí hay un lado bueno y es que todos y cada uno de esos planetas tiene una descripción totalmente distinta, descripción que podría aparecer perfectamente en cualquier libro de divulgación científica teniendo en cuenta los datos que aporta sobre la masa del planeta, su densidad, composición atmosférica, etc; y si el planeta tiene alguna colonia o la ha tenido también podremos leer un pequeño relato acerca de acontecimientos históricos relacionados con el planeta en cuestión.

Una de las características mas espectaculares del juego son los gráficos, pero no me refiero a que tenga buenos gráficos en el sentido tradicional de cantidad de polígonos, iluminación, etc; Mass Effect es espectacular pero desde un punto de vista mas sutil. El juego no hace grandes alardes y en ningún momento nos obliga a mirar hacia un punto concreto del escenario que sea especialmente espectacular -fórmula muy extendida actualmente-, sino que los detalles están ahí y es cuestión de que nos fijemos o no en ellos. Un ejemplo de esto es el cielo de los distintos planetas que visitamos, en los que se pueden observar satélites cercanos, la estrella alrededor de la que orbitan, nubes, tormentas eléctricas en la lejanía y todo un elenco de efectos atmosféricos alienigenas.

El argumento del juego es magnífico, a la altura de cualquier saga de ciencia-ficción que se precie. Nos metemos en la piel de Shepard -El nombre de pila nos lo dejan a nuestra elección-, un comandante del ejército de la humanidad, aquí llamada Alianza de Sistemas. La historia se desarrolla en un futuro lejano en el que la humanidad a descubierto una tecnología alienígena que permite viajar a miles de años luz de distancia en apenas unos instantes. Esto ha permitido que la humanidad se expanda por el universo, llegando incluso a fundar colonias en otros planetas, a la vez que ha traido consigo el contacto con otras especies inteligentes; nos veremos inmersos en un clima político tenso, en el que las distintas razas -incluidos los humanos- intentan hacerse un hueco en el sistema de gobierno galáctico, un Consejo formado por las tres razas que encontraron primero la tecnología de viajes interestelares. Y es que es digno de mención el trabajo de Bioware en cuanto al trasfondo ya que se han esforzado al máximo en hacer que el jugador crea que ese mundo existe y que está magistralmente cimentado, haciendo mención especial al ya nombrado Códice en donde podremos documentarnos sobre prácticamente cualquier aspecto del juego, desde el sistema político o religión de cualquier raza del juego hasta el funcionamiento de los motores o las armas de las naves espaciales. Aspecto que se ve reforzado por la cantidad de información que se ofrece sobre los planetas que visitamos. En pocas palabras, una historia magnífica que alcanza su clímax con un impresionante final, un aplauso para Bioware en este aspecto.

Otra mención especial merece la banda sonora. En cada momento importante del juego suena una melodía distinta y acorde con la carga emocional del momento que no sólo cumple sino que acrecenta la inmersión y la sensación que transmite, sensación que de nuevo alcanza el clímax en los créditos donde podremos oír uno de los mejores sino el mejor tema musical del juego.

Como he comentado al principio de este texto, Bioware ha hecho una serie de mejoras con respecto a la versión de Xbox 360. Una de estas mejoras se encuentra en los gráficos, concretamente en las texturas, las cuales han sido aumentadas de resolución en la versión para PC. Por otro lado, los tiempos de carga han sido considerablemente reducidos a causa de la necesaria instalación en disco duro. La interfaz del menú de órdenes, accesible mediante la barra espaciadora también ha sido mejorada, incluyendo mas órdenes para nuestros compañeros, aumentando así el control sobre éstos. El último aspecto en ser mejorado ha sido el minijuego de decodificación: cada vez que queramos abrir una caja cerrada o piratear un dispositivo electrónico, tendremos que completar un minijuego, en el cual tendremos que llevar una pequeña nave triangular al centro de un gran círculo, esquivando bloques que nos dificultarán el paso y en un tiempo limitado. Este minijuego en la versión de Xbox 360 era un simple “simón dice” en el que teníamos que repetir una secuencia de teclas aparecida en pantalla.

En resumen y ya para terminar, Mass Effect es un juego sobresaliente que no nos dejará indiferentes pero que, en mi opinión, es bastante pobre en ciertos aspectos por querer acercarlo a un público hasta ahora no acostumbrado a los RPG's tradicionales.

Idioma:

-Voces: Inglés
-Textos: Español

Requisitos mínimos:

-Windows XP o Vista
-2.4GHZ Intel o 2.0GHZ AMD
-1 GB RAM (XP) / 2 GB RAM (Vista)
-NVIDIA GeForce 6 (6800GT o mejor) ATI 1300XT o mejor (X1550, X1600 Pro y HD2400 están por debajo de lo requerido)
-12 GB de disco duro

Requisitos recomendados:

-Windows XP o Vista
-2.4GHZ Intel o 2.0GHZ AMD
-1 GB RAM (XP) / 2 GB RAM (Vista)
-NVIDIA GeForce 7900 GTX o mejor ATI X1800 XL o mejor

imagen: cine&videojuegos